A câmera está dançando com Joaquin: Diretor de fotografia Lawrence Sher em Joker, The Hangover e mais

Lawrence Sher, diretor de fotografia indicado ao Oscar de Coringa, de Todd Phillips.

Não muito depois do diretor de fotografia Lawrence Sher primeira colaboração com o cineasta Todd Phillips , “ A ressaca ”, se tornou um grande sucesso no verão de 2009, o experiente diretor de fotografia concordou em participar de uma videoconferência com o professor de cinema Adam Collis e seus alunos da Arizona State University (ASU). Desde então, as perguntas e respostas envolventes de Collis levaram ao estabelecimento do programa Film Spark da ASU em 2015, que inclui uma iniciativa de estágio bem-sucedida. Algumas das conversas virtuais recentes do programa podem ser vistas na íntegra no site do Film Spark página do YouTube , e Sher está entre os assuntos apresentados lá (você pode ver seu bate-papo perspicaz de duas horas com os alunos aqui ).

Na última temporada de premiações, Sher recebeu sua primeira indicação ao Oscar por filmar o sucesso de bilheteria da DC de Phillips “ Palhaço ”, ancorado por uma atuação feroz de Joaquin Phoenix que lhe rendeu um Oscar de Melhor Ator há muito atrasado, mas bem merecido. Ele interpreta Arthur, um solitário profundamente perturbado que é derrotado por uma sociedade insensível até que ele revide, assumindo a persona de um monstro com o objetivo de restaurar o equilíbrio, que Batman está destinado a alcançar. Ele não é tão diferente das criaturas imponentes em outro dos projetos recentes de Sher, Michael Dougherty filme pipoca assustadoramente presciente, “ Godzilla: Rei dos Monstros ”, que deve lutar para preservar a sobrevivência da humanidade, reduzindo o mundo moderno a escombros.

Na semana passada, Sher teve tempo para conversar com RogerEbert.com via Zoom sobre como “The Hangover” o preparou para fazer “Joker”, seu amor por conversar com os alunos e o valor de correr riscos.



Eu vi ' Estado Jardim ” prestes a frequentar a faculdade, e de alguma forma capturou a natureza surreal daquele p profundo momento de transição. Você encontrou maneiras criativas de exteriorizar a psique do personagem principal através de cenas como aquela em que sua camisa desaparece no papel de parede.

Esse foi um verdadeiro filme divisor de águas para mim. Eu me conectei a ele desde o momento em que li o roteiro porque sou de Nova Jersey. O escritor, diretor e estrela do filme, Zach Braff , foi para uma escola em Maplewood que é muito parecida com a que eu frequentei em Teaneck, que é a cidade onde rodamos o filme. Eram comunidades bonitas, diversificadas, de classe média, suburbanas, onde muitos de seus habitantes trabalhavam em Nova York. Então o filme pareceu pessoal desde o início para mim. Eu estava ligado ao material, e foi a primeira vez que isso aconteceu comigo em um trabalho. Quando você está construindo uma carreira como diretor de fotografia - e no meu caso, sendo um pouco autodidata - há muitos momentos em que você está apenas com o objetivo de conseguir um emprego e executar o que quer que seja designado para você. Faz.

Isso é verdade para todas as minhas primeiras coisas. Se estou gravando um filme B sobre tubarões, estou apenas tentando me certificar de que não caio de cara no chão, enquanto junto todas as peças. “Garden State” foi a primeira oportunidade em que, desde o momento em que comecei a prepará-lo, pude ver uma oportunidade de finalmente praticar meu ofício, que é atribuir significado psicológico à posição da câmera, ao mesmo tempo em que moldava a cobertura e a narrativa em uma maneira que pudesse atrair as pessoas emocionalmente. Muito disso estava obviamente no roteiro, e Zach, que havia feito faculdade de cinema na Northwestern, também estava interessado nisso. Parecia que era a primeira oportunidade para eu ser um diretor de fotografia.

Li que você ficou no porão da sua tia durante as filmagens.

Está correto. Em cada página de personagem e roteiro, eu poderia me relacionar com algo muito específico em minha própria experiência de crescer em Nova Jersey, como a cena do porão onde Zach viaja ou a casa onde Natalie Portman vivido. Como diretor de fotografia, você está tentando se basear em alguma memória, como faria um ator, que alimentará sua motivação para uma cena específica. Sua experiência informa como o espaço deve ser, e houve muitos exemplos disso ao longo do roteiro. Então foi, estranhamente, uma filmagem muito fácil. Filmamos o filme em 22 dias e parecia que tudo estava dando certo. Não fiquei surpreso quando ficou bom, e fiquei muito feliz que muitas pessoas viram. É incrível para mim quantas pessoas ainda falam sobre isso todos esses anos depois.

Com quais aspectos da abordagem de Todd Phillips à comédia você se conectou durante sua primeira colaboração em 2009?

Definitivamente, parecia uma conexão pessoal imediatamente, o que é sempre um ótimo começo. Eu era um grande fã de ' Moda antiga ” e a maneira como Todd estava disposto a tornar as coisas um pouco mais sombrias e sujas, enquanto se inclinava para a realidade da fotografia em sua abordagem à comédia. Então foi instantaneamente um ajuste perfeito. Queríamos mostrar um lado de Vegas que não enfatizasse o brilho dos cassinos à noite da maneira como são retratados nos comerciais e da maneira como geralmente pensamos neles. Estávamos mostrando um lado da cidade que era “atrás da casa”, como o termo restaurante, então as cenas foram definidas atrás dos cassinos, em terrenos vazios e apartamentos estranhos que ficam fora da Strip. Meu relacionamento com Todd foi o mais frutífero, satisfatório e desafiador que tive com um diretor nos 11 anos em que fizemos esses seis filmes, e de todas as melhores maneiras.

Um dos meus exemplos favoritos de como você fotografa uma cena para o máximo impacto cômico em “A Ressaca” é a tomada ampla de Alan ( Zach Galifianakis ) imitando Phil ( Bradley Cooper ) enquanto ele chuta a areia e xinga, embora Alan substitua o palavrão por 'Atire!'

Esse é um exemplo perfeito do que faz de Todd um diretor tão bom. Obviamente, há um roteiro, e ele trabalha muito duro para fazer com que todos cheguem a um bom lugar. Sempre temos um plano, mas estamos tão abertos a estar cientes do que está acontecendo no momento. Quando começamos a filmar o filme em Las Vegas, logo no início você podia sentir que esses três caras – com suas brigas e o relacionamento que eles estavam formando organicamente – eram uma tríade realmente especial. Você espera conseguir isso em todos os filmes, mas não pode contar com isso. Há uma infinidade desses momentos, como o que você mencionou, que não estavam no roteiro. Zach decidiu que olharia para Bradley como seu herói e que faria qualquer coisa para obter sua aprovação, até a cena final em que Alan arruma o cabelo. Ele pergunta a Phil: “Como está meu cabelo?”, e Phil responde: “Parece ótimo, amigo!”

Alan é basicamente como uma criança olhando para seu pai durante suas cenas com Phil, enquanto ele tinha uma maneira diferente de brigar com ele. Ed Helms ' personagem. Lembro-me vividamente da cena em que eles estão descendo o corredor e estão prestes a se aproximar de seu quarto de hotel antes de perceberem que Mike Tyson está dentro. Eles param e Ed diz: “Você é a pessoa mais estúpida que eu já conheci”, e Zach responde: “Obrigado”. Esse tipo de brincadeira se formou ao longo da produção do roteiro. O que mais aprendi com Todd é que o roteiro nunca para de ser escrito e os personagens nunca param de ser formados. Eles não são formados no roteiro, eles são formados quando os atores se apoderam deles.

Esse também parece ter sido o caso, uma década depois, com Joaquin Phoenix em “Coringa”.

Com certeza. As pessoas pensam nesse filme como uma partida maior do que realmente foi para Todd e eu. Estávamos nos movendo nessa direção nos últimos cinco filmes que fizemos juntos. Todas as mesmas técnicas com as quais nos acostumamos – como eu iluminando os espaços e não os rostos como forma de mover a comédia e não ter muito tempo entre as montagens, permitindo que os atores permaneçam no ritmo – isso não foi diferente de como trabalhamos com Joaquin. Com ele, estávamos fazendo isso para 11. Como “Coringa” era um estudo de personagem tão singular e profundo, com muitas vezes um personagem na sala, talvez dois no máximo, você não está atendendo às mesmas coisas em potencial que está. em uma comédia. Em vez disso, você está atendendo a momentos de silêncio e introspecção tanto da câmera quanto do personagem. Isso apenas nos deu a oportunidade de fazer coisas que eram um pouco mais abertamente artísticas do que tínhamos chances de fazer no passado.

Reconhecemos que esta era uma oportunidade para realmente nos esforçarmos artisticamente, mas nenhuma dessas escolhas parecia tão fora dos limites. Não parecia que estávamos escrevendo um novo livro de regras sobre como faríamos isso. Nós apenas tínhamos uma tela diferente para mostrá-la. Todos os dias, tentávamos pressionar uns aos outros a fazer coisas que não fossem comprometidas e que nos desafiassem. Às vezes, pensávamos: 'Vamos fazer algo que pareça um filme de arte estranho, e já que ninguém está nos impedindo, vamos continuar.' dinheiro, que obviamente é o que o estúdio quer. É um negócio, e nós reconhecemos isso. Todd é um cineasta realmente prático de várias maneiras. Ele é muito responsável e por isso nos importamos que o filme fosse visto e ganhasse dinheiro. Não fazemos escolhas necessariamente com base nisso, mas você quer que os filmes sejam vistos, então o fato de “Coringa” ter sucesso em ambas as frentes foi incrível.

Na sala de imprensa do Oscar, o compositor Hildur Guðnadóttir me disse [ na marca de 2:32 no vídeo incorporado acima ] sobre como Phoenix canalizou as emoções que ela pretendia evocar com sua música, que foi tocada no set, inspirando seus movimentos de dança improvisados ​​no banheiro. Você diria que seu trabalho de câmera foi igualmente inspirado pela partitura?

É claro. Mesmo sem música, a câmera está dançando com Joaquin. Porque há tanta liberdade e porque queremos dar a Joaquin esse tipo de liberdade, não queremos saber o que ele fará a seguir. Eu operei uma das câmeras junto com minha câmera “a”/operador Steadicam, Geoff Haley, que ganhou o prêmio de Operador de Câmera do Ano da Sociedade de Operadores de Câmera por “Coringa”, e nós dois preferimos filmar sem saber nada sobre o que Joaquin planejou. Você está realmente dançando com um parceiro que está liderando o tempo todo, então foi muito emocionante e espontâneo para nós encontrarmos momentos organicamente dentro do take. Foram cerca de dez dias de filmagem quando fizemos aquela cena do banheiro. Hildur havia enviado a Todd o que era basicamente o começo de como ela achava que a trilha seria, então ele disse: “Vamos tocar e ver o que acontece”.

A dança de Arthur foi literalmente uma dança entre a câmera e Joaquin e a música. Então começamos a tocar a música ao filmar muitos dos momentos de silêncio do filme, como uma caminhada contemplativa por um corredor, então isso naturalmente influenciou a velocidade de um movimento de dolly ou Steadicam. A pontuação influencia você no tipo de vibração e energia que você obtém ao fotografar a ação, então faz uma enorme diferença. Tive a sorte de fazer um pouco de fotografia adicional em “ Olá ”, que eu sei que não foi um dos Cameron Crowe dos filmes mais vistos. Mas eu era e ainda sou um grande fã de Cameron Crowe, e ele toca no início da música. Um ator entrega uma linha de diálogo, e ele traz uma música, ou às vezes ele a abandona antes de outra linha de diálogo, então ele está fazendo esse tipo de mixagem ao vivo que eu achei muito, muito legal. Às vezes, não tínhamos a música de Hildur tocando alto no início - a tínhamos em nossos fones de ouvido - e, portanto, era um personagem do filme, assim como a câmera e, claro, o personagem principal de Arthur.

De certa forma, a dança de Arthur é um risco tão grande quanto o grupo cantando junto em “ Magnólia ”, uma sequência indelével que você destacou durante seu recente bate-papo no Zoom com os alunos de Adam Collis da ASU.

Isso é exatamente certo. Em 2009, fui o primeiro convidado nas videoconferências do Film Spark que Adam realiza no Arizona State. Achei uma maneira muito legal de me conectar com os alunos e adoro conversar com eles. Tendo ido para a escola de cinema – eu era formado em economia – entrei no cinema no final do jogo e descobri que tinha uma enorme paixão por ele, o que trouxe um pouco de intimidação. Então, toda chance que eu tinha, eu lia algo em um livro ou artigo em que a experiência de fazer um filme – os erros, os problemas, as lutas – era desmistificada. Lembro-me de ver o grande documentário dos bastidores de “ O brilho ” que foi filmado pela filha de Kubrick, Vivian. Você pensa em Kubrick da mesma forma que eu penso em P.T. Anderson, que é que ele tem tudo planejado, e não houve decisões que não foram tomadas com muita antecedência. Ele supostamente está pensando neles desde sempre.

Então você vê Kubrick com um localizador na mão, procurando a foto icônica embaixo Jack Nicholson enquanto ele está batendo na porta, e você pensa: 'Ah, espere, ele só encontrado Você o vê tentar alto, você o vê tentar de outra maneira, e então ele finalmente fica por baixo, e ele fica tipo, 'Ok, vamos colocar a câmera aqui'. jovem cineasta, para que você não sinta de repente que precisa ser um gênio agora mesmo . O gênio nunca é algo que você alcança, mas você pode buscar esses momentos, sabendo que terá dificuldades mesmo quando for um cineasta de 70 anos tentando descobrir o que fazer a seguir. Meu envolvimento com o Film Spark foi uma ótima experiência, e continuei voltando e dando essas palestras. Eu também tenho um pequeno estágio com eles onde os alunos trabalham com uma ferramenta de banco de dados de imagens que eu criei chamado ShotDeck . Ele fornece aos cineastas referências visuais que ajudam a melhorar seus filmes.

Eu encorajo os leitores a conferir sua página do Instagram, @lawrencesherdp , onde você e sua família passaram o tempo em quarentena recriando cenas clássicas de filmes via ShotDeck.

Minha esposa está recriando pinturas de artistas como Frida Kahlo para o desafio Between Art and Quarantine online, e como minha arte são filmes, eu pensei: 'Vamos recriar algumas fotos de filmes usando referências'. e também porque compõem a nossa linguagem que usamos para nos comunicarmos com diretores, designers de produção e clientes. Há sempre um ponto em um processo em que estamos constantemente procurando alguma referência, e o ShotDeck é um veículo para ajudá-lo a encontrar essas referências com mais facilidade.

O que achei fascinante em seu trabalho no lançamento de maio do ano passado, “Godzilla: Rei dos Monstros”, é como você conseguiu capturar a grandeza dessas criaturas, particularmente Mothra, de uma forma quase abstrata, através de cores e movimentos.

Muito disso veio de Mike Dougherty, o diretor. No início, ele criou imagens de referência com um artista real que mostrava como seria o design desses personagens. Fotograficamente, o aspecto mais divertido sobre essas criaturas é que todas elas têm uma espécie de bioluminescência e são essencialmente apenas versões maiores do que já vemos na natureza. Godzilla tem uma cauda equipada com um poder nuclear ciano que ele pode girar. Todos os monstros têm uma paleta de cores e bioluminescência diferentes, e a melhor parte da preparação para mim foi descobrir como trabalhar com isso. Quando Mothra se materializou pela primeira vez naquela caverna, foi uma grande oportunidade de brincar com as cores dos rostos dos personagens. O filme instantaneamente se tornou sobre essa paleta de cores selvagem, e eu amo cores, o que é aparente mesmo se você voltar aos filmes de “Ressaca”.

Algumas das coisas que as pessoas atribuem ao visual “Coringa” de ciano e laranja ou vapor de sódio estão presentes no meu trabalho desde “ Dan na vida real ”, então é muito antigo, mas a oportunidade de fazer isso em um grande filme de monstros foi incrível. Na verdade, eles não me queriam para “Godzilla: Rei dos Monstros”. Eu tinha feito alguns filmes de sucesso, obviamente a série “Hangover”, mas como um ator sendo estereotipado em um determinado papel, eu tive que chutar a porta para entrar na sala daquele filme. Tendo dirigido um filme – e eu definitivamente quero voltar e dirigir mais alguns – eu realmente voltei a filmar com essa paixão recém-descoberta de me empurrar para diferentes gêneros e sair da minha zona de conforto. “Godzilla” foi um filme muito importante para mim nesse sentido. Não apenas tive a oportunidade de fazer o filme, graças a Mike Dougherty e Legendary, mas também pude experimentar coisas novas, em vez de apenas jogar no meio, e levei isso para “Joker” também. .

Fundição Graça de abril naquela cena final de “Coringa” parecia um aceno para “Magnolia”, onde ela memoravelmente examinou Tom Cruise . Qual foi o seu processo para filmar aquela última foto com as paredes brancas e pegadas sangrentas? Inspirou uma série de interpretações provocativas.

A ideia visual era brincar um pouco com o senso de realidade naquela cena final. É muito sutil, e foi realmente uma coisa muito difícil de conseguir. Eu não diria que necessariamente consegui com sucesso quando assisti ao filme, embora eu goste da cena, é claro. Construímos o espaço para que houvesse uma janela no final do corredor. Enquanto Arthur caminhava por esse corredor antisséptico e iluminado por lâmpadas fluorescentes, o conceito desde o início era que iríamos sutilmente – e é bem sutil – começar a escurecer o que quase seria um pôr do sol. O corredor é coberto de branco até o ponto em que é quase preto e branco, o que dá uma qualidade quase lúdica, estranha e surreal à foto. Arthur caminharia para o sol poente, efetivamente, mas o sol não faria parte disso no início. É definitivamente algo que, desde o início, não foi feito para ficar apenas em um lugar da realidade.

Tínhamos uma luz de 20k no final do corredor para adicionar aquele estranho elemento de escurecimento, e na verdade era muito difícil determinar quando e quanto diminuir. Se você esmaeceu demais, perdeu a cor, então também tentamos versões sem ela. Uma grande lembrança dessa cena, para mim, foi tentar executar esse tipo de ideia surreal fotograficamente, além, é claro, desse tipo de final lúdico e estranho. Obviamente, tem uma sensação macabra com os pés vermelhos e ensanguentados de Arthur e a maneira como ele está sendo perseguido, quase no estilo de Keystone Kops. Quando “The End” se materializa, o crédito é escrito em uma fonte de caligrafia antiquada. Tudo isso foi discutido muito cedo como uma maneira de subverter o tom do filme, minando um pouco de senso de diversão mesmo nos momentos mais sombrios.

Quando eu vi o filme pela primeira vez em uma pré-estréia lotada, você podia ouvir um alfinete cair no cinema porque o público estava tão inquieto - eu senti, de um jeito bom. Mais tarde, vi “Joker” em 70mm no Music Box Theatre de Chicago, e o público foi muito mais receptivo. Eles até aplaudiram no final.

É interessante você dizer isso. Depois que vi o filme em um corte inicial e fiz algumas anotações, não o vi novamente até que fosse efetivamente o corte final, e Todd teve que exibi-lo. Ele me perguntou se eu queria ir vê-lo na Warners, e quando eu apareci, havia cerca de 350 funcionários da distribuição mundial da Warner Brothers presentes. Então, era uma multidão cheia em uma das maiores exibições de Los Angeles, e não tendo visto desse tamanho desde que filmamos - e sem a música que tínhamos tentado - fiquei impressionado, a ponto de me virar para o meu esposa e eu perguntamos: 'Você está gostando disso?' Porque estava tão quieto – ao contrário da primeira vez que vimos “A Ressaca” com uma multidão, e percebi que o filme poderia ser um grande sucesso. A cada momento, você podia sentir isso se conectando com o público. Era vivo . Com “Coringa”, a reação do público foi tão tranquila porque eles estavam digerindo algo que é um pouco difícil de entender, principalmente no início, quando ninguém tinha visto ainda. Ninguém tinha visto esse filme antes desses 350 executivos.

Então, quando minha esposa sussurrou de volta para mim que ela achava que era uma obra-prima, eu fiquei tipo, ‘Oh, bom, porque estou realmente gostando. Eu acho que isso é muito bom.' [risos] Então termina, e eu acho que as pessoas vão literalmente se levantar e aplaudir de pé o filme. E eles não fazem nada. Eu pensei: 'Estou errado?' Então saímos da sala de projeção e há pequenos queijos e canapés preparados para todos os executivos. Demorou cerca de quinze ou vinte minutos até começarmos a ouvir as pessoas compartilhando suas reações. A experiência não forneceu o que você quer como cineasta, que é aquela afirmação de 'Tudo bem, você conseguiu!' Em vez disso, eles ficaram em silêncio e foi muito desconcertante. Mas o que percebi foi que era assim que o filme impactava as pessoas quando o viam pela primeira vez. Obviamente, fui a muitas exibições depois disso, e uma vez que o público viu o filme várias vezes, foi quando você começou a ouvir as pessoas reagirem a ele porque sabiam o que estava por vir e estavam no tom disso. Não há mais surpresa sobre qual é o tom deste filme. Quando você vê pela primeira vez, é realmente como, 'Uau, eu não esperava isso!'

É importante para você, como diretor de fotografia, que o formato 70mm seja mantido vivo?

Sim, acho importante manter os filmes vivos. Aqui estamos nesta loucura do Covid que marca o que é provavelmente o momento mais fundamentalmente desafiador para os filmes de todos os tempos. Como alguém que se formou em economia, obviamente estou interessado nesse tipo de coisa. Os filmes geralmente são à prova de recessão porque são entretenimento barato e, mesmo quando as pessoas não estão indo bem, elas ainda querem escapar dos filmes. Assim, os cinemas geralmente têm sido o único componente estável de nossa economia. Os filmes são um grande indicador econômico para o nosso país porque é uma das nossas maiores exportações, e apenas pará-lo, tanto do ponto de vista da produção quanto da entrada nos cinemas, é algo com o qual todos estamos lutando. Mas acho que vai voltar. Eu gosto de filmes na TV. Eu certamente os assisto dessa maneira, e tenho a conveniência disso, mas os filmes foram feitos para serem experiências comunitárias. Não são livros. Os filmes são melhor vistos sentados com outras pessoas que estão curtindo essa coisa juntos, e acho que isso nunca vai mudar.

Para mim, o sucesso financeiro de “Joker” e Leigh Whannell de “ O homem invisível ” representam uma mudança empolgante em direção a blockbusters de menor escala, baseados em personagens, nos quais o efeito especial mais crucial é o desempenho do ator.

Quando vi 'O Homem Invisível', pensei: 'Como ninguém pensou em fazer isso antes?' Não fale sobre o Homem Invisível - ele é invisível! Faça isso sobre essa pessoa que agora está reagindo a alguém que ela não pode ver. Nos filmes anteriores, passamos tanto tempo com o Homem Invisível e aprendemos sobre sua história de como ele se tornou invisível, e aqui, eles mudaram. Eu pensei que era apenas um método brilhante para reimaginar uma história que foi contada várias vezes, o que eu suponho que seja semelhante a “Coringa” dessa maneira.

Eu também vi “O Homem Invisível” duas vezes nos cinemas, e foi maravilhoso ouvir as pessoas ofegantes na platéia, assim como fizeram durante “Coringa”.

Filmes de terror e comédias foram feitos para o teatro. Eles foram feitos para serem experimentados com um grupo de pessoas, e isso voltará. A melhor coisa que esta crise mostrou – quero dizer, obviamente também expôs coisas difíceis – é o quão flexíveis e adaptáveis ​​somos como seres humanos. Basta ver a rapidez com que todos nos adaptamos a essa coisa toda do Zoom. Nós apenas entramos e ficamos tipo, ‘Tudo bem, vamos continuar. Siga em Frente. Como você gostaria que fizéssemos isso acontecer?” E acho que vamos descobrir isso na frente do cinema também.

Para mais informações, visite os sites oficiais da Lawrence Sher e ASU Film Spark .