Aceitando Acidentes: Ira Sachs no filme 'Frankie' de All in One Day em Portugal

Dentro ' Frankie ' Isabelle Huppert interpreta uma atriz que reuniu sua grande família na bela cidade costeira de Sintra, Portugal. Diretor e co-roteirista Ira Sachs falou com rogerebert.com sobre fazer seu primeiro filme fora de Nova York, por que as histórias de família são sempre, pelo menos em parte, sobre dinheiro, o que ele nunca conta a seus atores e aprender a aceitar acidentes.

Eu tenho que começar pelo final e perguntar sobre aquela última cena absolutamente impressionante do filme, com os personagens escalando uma montanha.

Gosto que meus filmes pareçam estar acontecendo completamente por acidente, mas também quero que o público tenha uma espécie de confiança interna de que eles estão indo para algum lugar. Para mim, sempre soube que este filme estava indo para o topo da montanha. Essa é a orquestração que é importante para um filme de conjunto, para que você sinta que há uma unidade emocional alcançada e um certo tipo de resolução não necessariamente em termos de onde a vida de todos está indo, mas em termos de conclusão de algo. Quando descobri esse local na região central, fiquei muito claro que, se não conseguisse esse local, provavelmente não faria o filme lá; realmente era tão importante para mim estar naquele lugar. Eu tive uma experiência visceral tão forte chegando lá quando estava procurando o filme e pensando nele.



Muitas coisas aconteceram, incluindo o fato de que duas semanas antes de filmarmos lá, tendo passado seis meses nos preparando para esse filme que tinha que ir para o topo da colina, houve um grande incêndio florestal causado por incêndio criminoso e toda a campo no topo daquela colina foi queimado, então a cor do chão era a cor da floresta morta queimada ao invés de ser verde. Pensamos, é claro, que teríamos que sair e então percebi que não, na verdade podemos ficar. Isso fará parte do filme. Este filme, que se passa em um dia da manhã à tarde, mas filmado em um período de seis semanas, então eu estava sempre em confronto com a natureza. O que percebi muito rapidamente foi que precisava aceitar o que a natureza me deu e agora que terminei o filme percebo que é sobre isso que o filme trata.

Não era algo apenas para os personagens do filme, apenas pensei estrategicamente que precisava aceitar. Por exemplo, a cena com Greg Kinnear e Isabelle Huppert. Essa cena foi definida para ser ao ar livre à luz do sol e então houve uma tempestade e então encontramos cobertura da mesma forma que os personagens encontraram cobertura. Aceitar esses acidentes e perceber que o filme os incorporaria perfeitamente foi uma grande parte de fazer o filme.

A outra coisa sobre essa última cena foi que eu estava trabalhando com uma equipe quase totalmente portuguesa. E embora o filme realmente não seja sobre Portugal, importa para o filme que eu estava trabalhando com pessoas que eram daquele lugar. Por exemplo, Rui Pocas, meu diretor de fotografia, foi aquele que naquele dia, baseado na forma como as nuvens estavam se formando, sabia que haveria um efeito do sol na água em cerca de 20 minutos. É claro que eu nunca saberia que isso iria acontecer, então ter aquela equipe local significava que eu tinha algum relacionamento íntimo com a paisagem que eu acho que era significativo.

O reflexo do céu é tão magnífico nessa foto que realmente me deixou sem fôlego.

Sim, o drama aconteceu em tempo real. Há um filme chamado Kanchenjungha feito por Raio Satyajit em 1962, seu primeiro filme colorido. Eu vi esse filme cerca de dez anos atrás. É um filme sobre uma família em férias nas montanhas do Himalaia. Acontece em um dia, há nove histórias de família, há uma crise que os uniu e eu realmente amo o filme e ele teve um impacto profundo em mim. Estou pensando nisso há uma década e este é meu devaneio sobre uma história estruturada muito semelhante que é muito naturalista, mas também muito teatral na medida em que geralmente não é em um dia que acontece tanta coisa, mas acho que a teatralidade faz parte para mim qual é o prazer e o artifício do filme.

Uma das coisas que eu amo em seus filmes é que você tem tanto respeito pelo público que nos deixa tirar nossas próprias conclusões sobre as conexões entre as coisas e o que está acontecendo com os personagens. Isso exige muita coragem.

É muito instintivo, sinto que estou dando as pistas que ao longo do tempo constroem intimidade com o público e as histórias que eles estão assistindo, é o que aprendi com o romance até certo ponto. Eu acredito que você precisa ter clareza e você precisa ter direção e você precisa dar contexto suficiente para que o público acredite na realidade que eles são entregues, mas eles também apenas entendam em algum nível básico que eles estão apenas recebendo um corte da imagem inteira e dessa forma você sente que a imagem inteira é muito maior, o que eu acho muito importante para o filme.

Você está trabalhando com um elenco muito internacional aqui. Isso apresentou algum desafio?

É um instinto de elenco que de alguma forma as pessoas farão sentido juntas e parte disso é baseada em quem elas são como pessoas e parte é baseada em quem elas são como atores, seus estilos de atuação. Foi muito fácil para mim, por exemplo, imaginar Brendan Gleeson e Isabelle Huppert juntos porque eu acho que eles são atores semelhantes de várias maneiras. Muito disso para mim é como um ator se move entre diálogos e silêncios. Há uma quantidade enorme de detalhes nessas pausas e nesses espaços para os atores que são mais responsivos. Eles vão compartilhar essas pausas juntos. Não sei se isso é um pouco técnico, mas são atores que procuram explodir o momento, não estreitar ou definir o momento em um conjunto de decisões subtextuais muito específicas. Por exemplo, nunca falei com nenhum dos meus atores sobre subtexto e nunca falo sobre motivação; para mim seria um anátema porque significaria que juntos estamos encontrando uma linguagem que vai limitar o significado.

Isso realmente se encaixa na próxima pergunta que eu ia fazer a você. Duas cenas que realmente se destacam para mim refletem exatamente o que você está descrevendo: o casal separado comendo ou não comendo juntos no restaurante e cenas com a adolescente. Tanta coisa não é dita. Então, nesse caso, os atores conversam entre si sobre o subtexto, o casal elaborou uma história por que eles estão tão bravos um com o outro?

Falo individualmente com cada ator para dar-lhes informações suficientes para que não tenham que imaginar a realidade. Costumo enviar meus atores em encontros juntos para passar um tempo juntos e peço a eles que não falem sobre o filme porque, dito isso, tento de forma independente fornecer fatos a eles. Então você está casado há sete ou dez anos, ou se conheceu aqui ou está na faculdade; Eu tento dar a eles literalmente um parágrafo que pode dar forma a quem eles estão interpretando e eu certifico-me de que eles se alinhem, mas eles não precisam falar sobre isso juntos porque eu aprendi que se o diretor começar a falar demais, então os atores tentam agradar ou jogar para o diretor e, na verdade, a única coisa que eu quero que os atores pensem é como responder à pessoa na frente deles que é outro ator.

Com o passar do tempo, vejo seus filmes lidarem cada vez mais com os conflitos e conexões entre gerações.

Eu diria que é porque descobri Yasujirō Ozu. Mas há uma boa razão para eu ter descoberto Ozu aos 40 e poucos anos; Eu tinha a idade certa. Estou agora com 50 e poucos anos e acho que não consigo olhar para um personagem sem pensar na geração anterior e na geração seguinte. Então, para todos os personagens deste filme, você tem a sensação de que certamente não foi um acidente, mas em algum momento você descobre que há outra geração que veio antes. Sinto que agora na minha vida não consigo entender o caráter sem pensar nas gerações. E você não pode pensar em caráter sem pensar em dinheiro.

O dinheiro é uma maneira de as gerações se comunicarem e há alguns exemplos muito dolorosos disso neste filme.

Também o dinheiro nunca está longe de qualquer conversa ou compreensão da morte.