Cannes 2022: destaques do retorno do lendário festival de cinema

O consenso geral dos participantes do Festival de Cinema de Cannes de 2022 foi que as seleções estavam “boas”. Muitos conversando na fila aguardavam ansiosamente por algum filme gigante, descobrindo que as estreias de mestres e novatos eram na melhor das hipóteses decepcionantes, na pior, decepcionantes. Essas proclamações são, é claro, separadas dos caprichos do júri, sem falar das decisões geralmente arbitrárias de incluir determinados títulos em competições oficiais ou relegá-los a outra seção ou barra lateral.

O tempo dirá se a postura dura e contínua sobre o envolvimento da Netflix com o festival está afetando a qualidade geral, mas, dada a recente turbulência financeira nessa empresa, pode haver um longo jogo em jogo aqui. Ainda assim, também não houve grandes lançamentos de nenhum dos outros streamers. O resultado final pode ser que ele empilhe TIFF, Telluride e (especialmente) Veneza com uma série de títulos excepcionais. O centro das atenções está mudando ainda mais firmemente para os festivais de outono?

Todo esse ranger de dentes desmentiria o fato de que havia pedras preciosas a serem encontradas na Croisette, especialmente se você cavasse ao redor. Leva 'Alegria', que jogou em Un Certain Regard e recebeu um Prêmio Especial do Júri (merecia ainda mais que isso). O primeiro filme paquistanês a passar no festival, a surpreendente estreia de Saim Sadiq é tão tonalmente preciso e rico em performance e narrativa que parecia quase criminoso como estava fora da consideração da maioria das pessoas.



A tomada de um homem em uma scooter, com o rosto enterrado na virilha de um gigante de pé, foi o que me atraiu primeiro para o filme. O piloto é Haider Rana, interpretado com grande sensibilidade e conflito interior por Ali Junejo. Vivendo com sua esposa de casamento arranjado Mumtaz (Rasti Farooq), seu pai (Salmaan Peerzada), irmão (Sohail Sameer) e cunhada (Sarwat Gilani), a família forma uma unidade social apertada onde os papéis de gênero são ligeiramente fluidos . Enquanto Mumtaz trabalha como maquiador para futuras noivas, o desempregado Haider lava a louça e cuida das crianças, para desgosto de seu irmão e do patriarca.

Quando um amigo diz que há um emprego disponível em um teatro local, Haider encontra Biba (Alina Khan), uma dançarina com uma comitiva de meninos que dançam atrás dela durante o intervalo. A princípio, o fato de ela ser transgênero parece não ser comentado, mas as considerações mais sutis da sociedade conservadora do Paquistão gradualmente vêm à tona.

A partir daqui, praticamente todos os preconceitos que você tem sobre o Paquistão e seu cinema são derrubados, e é difícil não acreditar que há um grau de bravura política e social em contar essa história que vai muito além de quase qualquer filme que passe no festival. Toda vez que eu temia que isso se tornasse uma narrativa sentimental ou previsível, as coisas eram alteradas, e a complexidade de tudo isso – relações sociais, dinâmica familiar, expectativas religiosas e culturais, modos de sexualidade – era tratada de maneiras sutis e profundas. É um filme verdadeiramente inesquecível e uma verdadeira descoberta do festival deste ano.

O mesmo poderia ser dito para 'Rebelde,' Adil El Arbi & Billal Fallah filme radical de 's sobre radicalização. Mais conhecido pelo público ocidental por dirigir “ Meninos maus para a vida ”, Adil & Bilall criaram o que é certamente o primeiro musical do ISIS, amarrando as sensibilidades do hip-hop com uma história dramática, às vezes cheia de ação, de uma família presa na armadilha de promessas quebradas.

Kamal (Aboubakr Bensaihi) é um garoto punk que faz rap e motociclista do mundo duro Molenbeek comunidade em Bruxelas, Bélgica. Quando seus atos criminosos o alcançam, ele é forçado a fugir, encontrando uma espécie de refúgio na Síria na esperança de começar de novo. Imaginando que suas habilidades com a criação de vídeos podem ser mais úteis do que empunhar uma arma, ele logo se encontra, câmera na mão, capturando as atrocidades de seu mais novo grupo de camaradas.

Seu irmão mais novo Nassim (Amir El Arbi), enquanto isso, começa a se inclinar na mesma direção, para grande preocupação de sua mãe (Ala Riani). Ela fala sem fôlego com membros de todas as instituições que pode, tanto religiosas quanto estatais, e é impedida por aqueles que simplesmente esperam o resultado final, em vez de impedir a tragédia antes que ela ocorra. É uma série de ações sombrias, mas extraordinárias, que encapsulam perfeitamente os desafios das circunstâncias que muitas vezes são simplificadas por causa da superioridade moral.

À medida que o filme se desenrola, as hipocrisias e os enganos de todos os lados se unem. O fato de este filme conseguir intercalar eventos com o ocasional número de dança e performance de rap acerba, sem cair no ridículo, é uma prova da capacidade excepcional de Adil & Bilal de manter até os maiores momentos no chão. A mistura de gêneros do filme de filme de ação, drama sociopolítico e musical é fenomenal, resultando em algo que parece novo, divertido e intensamente importante.

Se olharmos para cineastas mais intimamente associados à ardósia de Cannes, encontraremos uma mistura na melhor das hipóteses. Claire Dennis é amada neste festival, e até seus trabalhos mais medíocres alcançaram um nível de apoio como poucos artistas. “Estrelas ao meio-dia”, baseado no romance de Denis Johnson , é uma bagunça que é quase cômica, mas sem surpresa o júri escolheu celebrar o artista em vez da arte.

O romance original foi ambientado na Nicarágua durante a década de 1980, nas profundezas do conflito sandanista, e essa narrativa moderna sugere esse local, mesmo que o cenário panamenho escolhido para fins de COVID e segurança não evoque o ambiente adequado. Margaret Qualley dá tudo a ela como Trish, que conhece Daniel ( Joe Alwyn ), uma funcionária de terno branco de uma empresa de petróleo, e sua vida é revirada quando os dois se conectam de maneiras tórridas e autodestrutivas. Economize para uma bravura absolutamente Benny Safdie como consultor/operador da CIA, o enredo de tom desajeitado e sombrio torna-se inadvertidamente cômico. Linhas no meio do coito como “suck me” causaram ondas de riso na platéia, e a falta de objetivo do enredo o deixa sem vida.

Enquanto isso, David Cronenberg está de volta a um território mais familiar para o público com Crimes do futuro abordando um conto de sexualidade, horror e arte de maneiras profundas e sombrias. Colaborando mais uma vez com Viggo Mortensen , assim como os gostos Don McKellar que está sendo severamente ignorado ao discutir o filme, Cronenberg tirou a poeira de um roteiro de algumas décadas atrás sobre um homem cujo corpo está desenvolvendo órgãos sem uso conhecido e usa sua extração como uma espécie de arte performática. Apoiado por seu parceiro e musa Caprice ( Léa Seydoux em um de seus papéis mais eficazes), os dois fetichizam a cirurgia e se entrelaçam em engenhocas selvagens que lhes permitem mergulhar nos cantos mais escuros do corpo e de suas psiques. Juntamente com Scott Speedman e uma atuação comprometida, mal-humorada e distante de Kristen Stewart , há muito para desfrutar aqui. É um território familiar, é claro, e essa fusão de “eXistenZ” com “ Batida ,” “ Toques Mortos ” e outros trabalhos podem fazer com que pareça uma recauchutagem. No entanto, Cronenberg cria um filme de ressonância filosófica e uma espécie de busca espiritual, interrogando a própria noção de se agarrar desesperadamente ao passado em vez de deixar a nova carne assumir.

Christian Mungiu é outro talento amado aqui - seu “ 4 meses, 3 semanas e 2 dias ” levou o prêmio principal da competição em 2007 e recebeu outros grandes prêmios em 2012 e 2016. Ele está de volta com “R.M.N.” um olhar duro sobre identidade e integração em uma pequena cidade da Transilvânia, onde várias culturas colidem e a xenofobia é cortada em segmentos cada vez mais finos. É uma história fascinante e rica, com sequências notáveis, incluindo uma tomada estática de uma reunião comunitária. Há muito o que refletir na construção da história e, dias depois, alguns de seus momentos de silêncio continuam a ressoar. Suas metáforas abertas são muito pesadas, mas, como um olhar investigativo sobre as contradições de uma comunidade e a podridão geral no coração de um experimento europeu (junto com os tons de limpeza étnica), o filme tem muito a admirar.

fui influenciado por Kelly Reichardt o último filme de 'Aparecer.' Seu tom quieto e o horário de fim de tarde do festival significavam que provavelmente era ignorado por muitos. Michelle Williams interpreta uma mulher chamada Lizzy Carr neste conto de passividade agressiva e instalações de arte, um mundo de meias e sandálias onde mesmo os comportamentos mais elogiosos parecem ser competitivos e ridículos em igual medida. Hong Chau é fantástico como Jo, o proprietário/artista cujos elogios a Lizzy parecem sinceros e cortantes na mesma medida. Mãe dela ( Maryann Plunkett ) emprega sua filha na instituição, enquanto seu pai (um bem-vindo retorno de Judd Hirsch ) se diverte com a aposentadoria. Seu irmão problemático Sean ( João Magaro ) mostra abertamente como a linha entre a instalação de arte e um buraco cavado loucamente no chão é difícil de discernir fora de um ambiente de galeria.

Em outro contexto, “Showing Up” poderia tocar como um Christopher Convidado mockumentary. No entanto, toda vez que eu temia que as coisas se tornassem exageradas, de um prato de queijo a um pássaro potencialmente destrutivo, Reichardt conseguia controlar as coisas, mantendo o tom perfeitamente em sintonia com as peculiaridades desses personagens. Até as discussões sobre aluguel e caixa d'água assumem uma intensidade absurda, mas silenciosa, culminando em um filme que merece um olhar atento para aproveitar ao máximo seus prazeres sutis.

Lucas Dhont , último em Cannes com seu Camera d'Or (melhor primeiro longa) vencedor de 'Girl', conta uma bela e comovente história sobre dois jovens amigos que começam a se distanciar Perto .” À primeira vista, esse conto de amadurecimento seria facilmente descartado como mera bobagem manipuladora, mas o dom de Dhont é fornecer momentos de grande sutileza emocional sem nunca sucumbir a ser sentimental ou abertamente manipulador.

A capacidade de Dhont para trabalhar com novos talentos fica mais uma vez evidente, e a atuação sutil e atenuada de Eden Dambrine como Léo é um dos triunfos do festival deste ano. Gustav de Waele como Rémi também é excepcional no que é de certa forma uma tarefa mais difícil, fazendo o personagem um pouco mais direto ganhar vida. É uma história sombria de crescimento, e Dhont gera tanta empatia por seus personagens, tanto as crianças quanto seus pais, que é fácil acreditar nas paixões e frustrações dessas histórias sendo capturadas. É uma história ampla contada com notável acuidade e sutileza sob os andaimes narrativos, e acredito que receberá muito amor daqueles que estão abertos à jornada em que leva o público.

Outro filme da ardósia da UCR é o grosseiro e impetuoso “Pônei de Guerra”, Riley Keough e o vencedor de Gina Gammell este ano da Camera d'Or. A história do início do filme é a parte mais fácil de se falar – no set de filmagens de Dakota do Sul. Andrea Arnold de “ mel americano ”, Keough fez amizade com dois coadjuvantes indígenas, Bill Reddy e Franklin Sioux Bob. Junto com o Gammell, os quatro passaram muitos anos trabalhando em uma história da vida na reserva, baseando-se muito em experiências reais que Reddy e Bob viveram. O resultado é tonalmente impreciso com uma adoção quase entusiástica das piores qualidades dos personagens, nunca realmente nos trazendo para suas vidas, mas parecendo muito mais voyeurista do que qualquer outra coisa.

Deixo para os outros dizerem se Keough e Gammell são os melhores para contar a história de Bob e Reddy na tela grande, mas questões de representação sobre quem conta as histórias de uma comunidade como essa estarão na vanguarda do discussão. Em uma Europa que há muito abraça as histórias dos nativos americanos com um fascínio romantizado pelo nobre e pobre homem das planícies, não surpreende que o filme tenha sido bem recebido. Estarei interessado em ver como é respondido pelos membros da comunidade Lakota, bem como pelos indígenas em meu próprio país. Estou ansioso para ouvir aqueles que têm sido tão vocais e poderosos sobre essas questões vitais de identidade e narrativa.

Uma das joias menos apreciadas do ano passado foi Jacques Audiard magistral “Paris, 13 º District”, um belo filme neo-Nouvelle Vague ambientado na comunidade multiétnica das Olimpíadas da capital da França. Esse roteiro foi co-escrito por Celine Sciamma e Lea Mysius , dois cineastas notáveis ​​por direito próprio. 'Sciamma' Mamãezinha ” estreou no Festival de Cinema de Berlim em 2021, e é interessante ver como Mysius' “Os Cinco Diabos” também brinca com o tempo e as relações mãe/filha este ano, fazendo perguntas provocativas sobre escolhas de vida enquanto injeta sobrenaturalismo suficiente para manter as coisas interessantes.

Mais um favorito de Cannes Adèle Exarchopoulos (destinatária de uma Palma de Ouro única junto com Seydoux por “Azul é a Cor Mais Quente”) estrela como a mãe de Vicky (Sally Dramé), uma jovem que aparentemente tem o poder mágico de distinguir cheiros. Seu pai (Moustapha Mbengue), um bombeiro alto e imponente, recebe um telefonema de sua irmã Julia (Swala Emati), que foi recentemente libertada da prisão e está procurando um lugar para ficar.

Assim começa este conto selvagem de passado e presente, os relacionamentos entrelaçados combinados com uma mistura de suposta doença mental e reflexões mais místicas. Nem um único momento deve funcionar, desmoronando sob seu próprio peso metafísico, mas Mysius e seu colaborador de roteiro Paul Guilhaume realizar um truque mágico, transformando essa amizade e drama familiar em algo verdadeiramente excepcional. Não é apenas o enredo extremamente bem estruturado, mas também as performances muito boas, especialmente por Dramé. Não há nada precoce em sua performance, e é uma entrada totalmente crível na mente de uma jovem. É um filme fantástico, que é emocionalmente rico e narrativamente satisfatório.

E assim termina minha jornada em Cannes 2022. Dezenas de filmes, quilos de tártaro de carne e massas cobertas de trufas devoradas com igual abandono. Eu vi amigos que eu estava sentindo falta desde antes do COVID e conheci novos colegas que espero ver ao longo da trilha do festival. É mais uma vez uma honra suprema ser associado tangencialmente ao nome Ebert neste festival mais célebre, e ter transmitido de volta para o Canadá a rádio ao vivo da sala onde uma placa de latão marca o nome de Roger é um momento que não esquecerei tão cedo .

Quando criança, eu sonhava em um dia chegar a este festival e, para isso, minha nona iteração em 26 anos, nunca dei como certo o quão especial um evento pode ser. Desde garantir meus assentos da frente/centro em todos os locais, até receber um abraço de Brett Morgen após a estreia de Bowie enquanto as ovações ecoavam, ou sendo incumbida de fazer a pergunta de abertura na prensa de “Triangle of Sadness” com grande efeito, ou sentada em um sofá a um pé de distância de Seydoux enquanto conversávamos longamente sobre seu amor por Tom Cruise , foram mais duas semanas mágicas, exaustivas e avassaladoras passadas neste mais glorioso dos eventos cinematográficos.

Vejo você ano que vem!