Cannes 2022: Skirmishers, God's Creatures, Enys Men

Com toda a autoconsciência de que não estou carregando tijolos por horas a fio, ou quebrando minhas costas em qualquer coisa além de assentos confortáveis ​​e acolchoados e sofás-cama escandinavos mal projetados, onde tenho um pouco de descanso, deixe-me dar uma olhada momento de qualquer maneira para dizer que, sim, essa merda nem sempre é fácil.

Vamos começar com o comprometimento cognitivo dos efeitos insidiosos do jetlag, juntamente com a necessidade prática de acordar todas as manhãs às 7h para comprar passagens para daqui a quatro dias. Então você assiste a filmes um após o outro, considerando cada um como sua própria ilha de experiência, mas sentindo como se cada dia estivesse cheio de sonhos vagos. Você fica um pouco delirante com todas as imagens, bêbado com histórias díspares que parecem se entrelaçar dentro de sua alma.

Citação de Norman Bates “Todos nós ficamos um pouco loucos às vezes.”



Basicamente, este é o ambiente da bolha do festival, alimentado pelo lanche rápido ou, dado que este é o sudeste da França, a indulgência ocasional com infusão de trufas. Com o sistema de bilhete eletrônico herdado do COVID-a-thon do ano passado, é mais fácil de acessar, mas parte da comunidade está perdida, onde você veria os mesmos indivíduos tristes assando ao sol quente todos os dias com base no seu nível de crachá , uma comitiva de olhos turvos que serviria como uma forma forçada de contato humano entre as visitas aos mundos virtuais. A ansiedade de entrar foi substituída por diferentes níveis de pavor, e sempre há maneiras de se fazer sentir que tudo está escapando, ou que a grande descoberta do festival foi inadvertidamente ignorada, com cada decisão tomada ou bilhete retirado .

No entanto, aqui estamos em Cannes. O clima está particularmente glorioso este ano, mas nós rastejamos em salas escuras, ainda gratos pelo privilégio de assistir a esta gloriosa celebração do cinema. O maior remédio, além da estética, é uma sensação (delirante como é) de que voltamos a uma forma de normalidade. Aprendemos nos últimos anos o que poderia ser perdido, não apenas em termos daqueles que foram fisicamente afetados, mas também da agitação social da desconexão, que o encontro aleatório presencial tem uma emoção visceral que é amplificada pela recente abstinência.

Eu peguei o Mathieu Vadepied Escaramuçadores”, cujo título em inglês “Pai e Soldado” faz alusão aos personagens centrais. Ancorado por mais uma bela atuação de Omar Sy , este drama da Primeira Guerra Mundial mergulha nas experiências daqueles de ascendência africana que foram bajulados, se não sequestrados, pelas forças coloniais francesas que controlavam suas terras, tiradas das planícies africanas que chamavam de lar para o inferno de fogo da guerra de trincheiras.

O filme tem um gancho interessante, com o drama familiar interposto sobre a catástrofe da guerra, e eu aplaudo suas intenções de iluminar um aspecto muito diferente da história da guerra da França. É certamente uma história pouco contada e, embora o resultado final possa ser um caso leve e mediano, há comprometimento suficiente de desempenho e cenário provocativo para valer a pena conferir.

Eu era menos fã de 'Caso,' Lotfy Nathan O recurso de estreia de também está sendo reproduzido na barra lateral Un Certain Regard. Adam Bessa interpreta Ali, que deve voltar para casa para cuidar de suas duas irmãs após a morte de seu pai, resultando em uma história decididamente previsível e desesperada de sobreviver e mudar seus próprios sonhos para ajudar os outros. Embora o cenário tunisiano seja atraente, é difícil ficar absorto na busca sem rumo de Ali, com momentos de quietude parecendo menos contemplativos do que Nathan simplesmente preenchendo o tempo de execução do filme entre as cenas.

Eu também sou um dos poucos que parece que encontrou James Gray de “Hora do Armagedom” um pouco de confusão. Ele toca como um pedido de desculpas por uma infância de privilégios, tentando ecoar os gostos de “ Roma ” mas, em vez disso, sentindo-se forçado e frustrante. Anthony Hopkins entrega com a devida benevolência e seriedade, mas ambos Jeremy Strong e Anne Hathaway , bons artistas em geral, parecem descontroladamente fora de seu elemento aqui. Hathaway em particular parece perdida, seu sotaque de alguma forma fluindo para a produção amadora de “ Violinista no Telhado ” território, enquanto a tomada de Strong como a figura paterna com mudanças de humor selvagens nunca se estabelece em nada coerente.

Paulo ( Michael Banks Repetir ) é o avatar da própria infância do diretor. Junto com seu amigo negro Johnny (Jaylin Webb), os dois têm problemas na aula e depois se separam quando suas circunstâncias sociais mudam. Eu me senti assustado por como tudo estava bem amarrado; A jornada de Johnny em particular é bidimensional e desanimadora.

'Armageddon Time' tenta fazer um ponto político maior com suas conexões com futuros presidentes e a crescente onda de conservadorismo da década, mas tudo parece mais uma desculpa do que um interrogatório real das contradições como uma peça. Dito isto, uma mensagem especial para André Polk interpretando o professor frustrado e frustrante Sr. Turkeltaub. Um veterano de “The Marvelous Mrs. Maisel”, seu era o único personagem, talvez junto com Hopkins, que eu realmente acreditava plenamente em sua humanidade e presença.

Um dos grandes filmes que mudaram minha vida foi lançado neste festival em 1996. Era de um país que eu não tinha visto um filme antes, um diretor que eu nunca tinha ouvido falar, um ator que ninguém tinha visto na tela, e eu não sabia de nada. Por toda parte, onde as quebras de capítulo foram marcadas com gotas de agulhas de nomes como David Bowie explodido no Palais, houve aplausos de pé meio-filme . Eu não sabia que alguém poderia fazer isso no cinema, eu não sabia que um filme poderia me afetar de uma maneira tão poderosa, e continua sendo um dos meus melhores momentos no cinema. O filme, claro, foi “ Quebrando as ondas ” do diretor dinamarquês de Lars Von Trier e apresentou ao mundo o talento luminoso Emily Watson .

Décadas depois, foi um prazer pessoal vê-la presente na estreia de Quinzaine do Saela Davis e Ana Rosa Holmer é devastador' Criaturas de Deus .” Como no filme de Von Trier, esta é uma história de agressão e os efeitos da mesquinhez em outro ambiente varrido pelo vento, e novamente depende muito da capacidade de atrair o público com o desempenho imensamente empático e poderoso de seu ator principal.

Watson interpreta Aileen, a gerente de uma fábrica local de processamento de pescado. Ela tem um novo neto e, a princípio, parece estar administrando confortavelmente sua situação. Quando um dos ostras é arrastado pela maré há uma surpresa durante o velório, com seu filho ausente ( Paulo Mescal ) retornando da Austrália. Sua ausência nunca é explicada, nem a causa de seu retorno, mas prepara o cenário para o drama central do filme.

Paul procura ressuscitar algumas camas de ostras, e nós o vemos cortando cantos, junto com a ajuda de Aileen, para fazer as coisas funcionarem. As regras não parecem se aplicar a Paul, e os resultados do corte de canto do filho pródigo faz com que sua mãe tenha compromissos morais mais profundos. Quando uma conexão é feita com a Sarah de voz clara ( Aisling Franciosi ), momentos ainda mais sombrios ocorrem, e os dilemas se acumulam como conchas de ostras.

Embora haja poucas surpresas narrativas verdadeiras na narrativa, ainda é inebriante assistir Watson navegar por todas as emoções de seu personagem em seu rosto imensamente expressivo. Ela é realmente uma das artistas mais notáveis ​​a aparecer na tela, e se “God’s Creatures” não faz nada além de lembrar ao mundo esse fato, já pode ser considerado um triunfo.

Um dos elementos inadvertidamente cômicos em uma sessão de perguntas e respostas pós-exibição de Mark Jenkin 'Homens Enys' foi quando ele admitiu casualmente que levou três dias para escrever o roteiro do filme. Tirando nada do resultado final estiloso, às vezes cativante, às vezes enfurecedor, é surpreendente que tenha demorado tanto para algo com não mais que uma dúzia de linhas de diálogo ou cenas díspares. O título refere-se a “Stone Island” na língua da Cornualha (“ Homens ” é pronunciado como “Mane” ou “Main”), e talvez seja melhor descrito como parte da tradição de horror folclórico de nomes como “Wicker Man” para baixo.

Esta é uma espécie de história de fantasmas, mas não com muitos tropos de gênero para se agarrar. Quando eles vêm, eles se sentem forçados e arbitrários, quase quebrando o clima estranho e onírico com um ocasional susto de salto e coisas do tipo intercaladas. Se alguma coisa, é sobre o horror do tempo nunca ser capaz de avançar, ficar preso em uma repetição sem fim, onde nossa presença muito sedentária resulta em ficar travada no lugar, o líquen literalmente crescendo à medida que somos impedidos de seguir em frente. Como uma metáfora de bloqueio do COVID, pode ser perfumada, e muito vai desmaiar tanto por seu estilo não narrativo quanto por estética arcaica, alimentada por grãos de filme e paleta de cores explodida em um quadro 4: 3.

“Enys Men” é um bom filme de 20 minutos que supera as boas-vindas, mas pode funcionar para outros desesperados por filmes que os façam se sentir tão enraizados no lugar e no tempo como o protagonista central, não incomodados por caprichos plebeus como enredo ou história convencional. .

Como antídoto para a não-narrativa, encontramos George Miller retornando a Cannes com uma história sobre a própria narrativa. “Três mil anos de saudade” também é um filme influenciado pelo COVID, este ainda mais evidente em sua narrativa. No entanto, também é fundamentalmente um conto de como a história transforma nossas experiências, oferecendo mundos mais amplos e nos ajudando a entender o universo de maneiras satisfatórias e impactantes.

Tilda Swinton interpreta a musicalmente chamada Alithea Binnie, uma narratóloga de profissão que evitou a maior parte do companheirismo humano pela vida da mente. Ao fazer compras com um colega em uma conferência, ela encontra uma garrafa, soprada à mão com tanta força que incrusta o sangue dos pulmões do vidreiro no próprio objeto. Tais metáforas deliciosamente grávidas abundam neste conto, onde, como esperado, este objeto de lâmpada mágica acaba sendo o recipiente para um Djinn ( Idris Elba | ), o concessor de desejos que só pode ser libertado após três pedidos.

Baseado em um conto de A.S. Byatt, a narrativa fornece um experimento mental interessante - o que acontece quando um Djinn encontra um especialista em histórias que conhece todas as maquinações dos contos de desejos históricos? Como pode um trapaceiro enganar alguém que conhece todos os seus truques? O resultado é menos um combate de inteligência do que uma exploração de relacionamentos, e certos elementos universais se desdobram através dos contos do Djinn.

Há momentos de floreio visual que mostram que Miller continua sendo um mestre do estilo. Antes da pandemia, isso deveria ser uma aventura itinerante, mas a praga forçou a produção a depender fortemente de reproduções de cenários em tela verde. O resultado é misto na melhor das hipóteses, e teria sido fascinante se o escopo do artifício se aproximasse de algo como “ As Aventuras do Barão Munchausen ”, com o qual este filme tem uma semelhança passageira.

Dito isto, grande parte do filme se passa em um único quarto de hotel, tanto Alithea quanto seu mestre dos desejos sentados em roupões de banho contando histórias um para o outro. É essa colisão de grande espetáculo e discussão íntima que impulsiona o conceito central do filme, a conexão entre os dois nos ajudando a coletar mensagens genuínas de seus momentos maiores e mais bombásticos.

O conto de Miller é a história de amor contada através do amor pela história, um filme falho que, no entanto, é um lembrete bem-vindo das verdadeiras alegrias da narrativa coletiva e compartilhada. É um lembrete tão bom quanto qualquer outro em um evento como Cannes.