Celebrando o Artifício: Laurent Bouzereau em Spielberg, Hitchcock, De Palma e mais

Se você gostou dos documentários de making-of em edições em DVD e Blu-ray de filmes de Alfred Hitchcock , Steven Spielberg , Brian De Palma , Sidney Lumet ou Martin Scorsese , é provável que você tenha encontrado o trabalho de Laurent Bouzereau . Poucas pessoas expandiram e enriqueceram tanto meu amor pelo cinema quanto esse cineasta incansável, cujas inestimáveis ​​análises de filmes clássicos serviram como minha escola de cinema muito antes de entrar na faculdade. Sua série esclarecedora de featurettes sobre o filme de Spielberg “ IA Inteligência artificial ” me fez ver o filme sob uma nova luz, transformando-o de uma curiosidade frustrante em uma obra-prima audaciosa. Bouzereau também capturou a emoção de um show ao vivo John Williams performance, enquanto o lendário compositor conduziu sua partitura para “ E.T. O Extra Terrestre ” diante de uma multidão esgotada no Shrine Auditorium, em homenagem ao 20º aniversário do filme. Inúmeras partes do próprio trabalho de Bouzereau também merecem ser estudadas nas escolas de cinema, como o prólogo magistralmente editado de seu documentário sobre o subestimado remake de Hitchcock de 1956 de “O Homem que Sabia Demais”, que transmite todo o arco emocional da imagem em menos de dois minutos.

No entanto, talvez a maior conquista da carreira de Bouzereau tenha sido “ Cinco voltaram ”, um filme impressionante baseado em Mark Harris ’ livro essencial sobre os cinco diretores de Hollywood que documentaram a Segunda Guerra Mundial em primeira mão, incluindo Frank Capra , cujo “It’s a Wonderful Life” é um marco do pós-guerra tanto quanto “ Os melhores anos de nossas vidas .” Embora “Five Came Back” tenha sido lançado em março passado como uma minissérie de três partes na Netflix, também é uma obra de três horas digna de ser classificada ao lado dos melhores filmes dos últimos anos. Em homenagem ao seu mais recente documentário sobre o disco recém-lançado de “ Jogador um pronto ”, Bouzereau falou com RogerEbert.com sobre sua obsessão ao longo da vida pelo cinema, seu processo de pesquisa meticuloso e as revelações dos bastidores que tornam seu trabalho tão gratificante.

Seu trabalho inspirou muitas pessoas ao redor do mundo a reavaliar o trabalho de grandes cineastas e, no processo, você realmente se tornou um dos meus cineastas favoritos.



Em primeiro lugar, muito obrigado pelas suas amáveis ​​palavras. Aceito o elogio, embora não seja assim que me vejo. Você nunca se vê como tendo qualquer tipo de impacto ou importância, mas quando as pessoas vêm até mim e dizem: 'Oh meu Deus, eu assisti 'The Making of 'Tubarão' e foi como ir à escola de cinema', isso afirma por que eu fiz esses documentários em primeiro lugar. Minha intenção era criar a enciclopédia definitiva sobre cada um desses filmes, destacando o ofício e cada talento por trás dele. Quando o filme foi originalmente criado, não era para ser experimentado mais de uma vez – ao contrário da música, pintura ou fotografia. Mas com o desenvolvimento do entretenimento doméstico, você pode obter esses filmes em vídeo e discos. É dada uma segunda chance a alguns filmes, oferecendo outra perspectiva sobre muitos clássicos, permitindo aos espectadores a oportunidade de experimentá-los novamente como faria com um bom disco, música ou sugestão de música.

Acho muito importante documentar como esses filmes são feitos porque permite que o espectador traga uma nova perspectiva para eles e, ao fazê-lo, ganhe uma nova apreciação. Quando os fãs de “ mandíbulas ” aprender as histórias dos bastidores, eles começarão a prestar atenção na música ou em outro aspecto do ofício. É como se você lesse um grande livro apenas para descobrir depois que o autor morreu ou é o único livro que o autor escreveu. De repente, essa informação lhe dá uma nova perspectiva sobre o trabalho. Quando você assiste 'The Making of 'Jaws'', você percebe que muitas das cenas mais assustadoras foram projetadas dessa maneira porque o tubarão não estava funcionando. Fico muito feliz quando as pessoas apreciam o esforço que coloquei nesses filmes.

O que o inspirou a colecionar recordações para os filmes de Spielberg e De Palma em seu lançamento inicial?

Para responder à sua pergunta, devo contar sobre meu primeiro encontro com a forma de arte. Minha mãe manteve um diário da minha vida de zero a sete anos e, aparentemente, quando eu tinha cinco anos, eu disse que queria ser diretor de cinema. Eu morava em uma pequena cidade nos arredores de Paris e me lembro de ir ao cinema e não olhar para a tela. Eu estava olhando de volta para o feixe de luz e me perguntando de onde vinha. Percebi que a luz pulava de uma janela para outra, e eu disse ao meu pai ainda muito jovem que queria “ver o mago”. Meu pai providenciou para que eu fosse até a cabine de projeção, e eu subi uma escada que parecia ter mil degraus, mas provavelmente eram apenas dez. Abri a porta e era essa caverna, literalmente – superaquecida e nojenta – e havia um projecionista lá. Ele me explicou que quando você vê o ponto no canto superior direito do quadro, isso significa que ele precisa trocar de projetor. Senti que tinha recebido as chaves do reino e, daquele momento em diante, estava sempre procurando por aquele ponto.

Eu era uma criança que guardava para si mesmo. Eu não praticava esportes e não era um aluno muito bom. Filmes eram meu principal interesse, então comecei a comprar pôsteres. O meu primeiro foi “ Foi com o vento ” e então eu tenho “ A Torre do Inferno .” Não demorou muito para que meu quarto se transformasse em um cinema. Minha mãe me deu um lençol branco que eu poderia colocar atrás da cortina do meu quarto. Eu tinha um projetor de filme mudo que me permitia exibir uma cópia super 8 de “King Kong” para meus pais e irmãs, e eu acompanhava com música. Meu pai não estava no ramo de filmes, mas por meio de uma conexão, ele conheceu um cara que trabalhava no estúdio onde o filme de James Bond “ Moonraker ' foi feito. Eu pude ir ao set por uma semana e trabalhar com o mixador de som, que me odiava porque eu ficava andando durante as tomadas. [risos] Eu era apenas uma criança e pude ver Leis chilenas , com quem ainda converso, bem como Roger Moore e Richard Kiel. Minha avó na verdade trabalhava no estúdio de cinema na seção de laboratório fazendo cronometragem de cores, então por volta dos 16 anos, fiz um estágio inteiro na divisão de cronometragem de cores, assistindo diários de “ Tess ” e outros filmes. Eu estava lentamente absorvendo a experiência, e eu conhecia minha vocação.

Rapidamente me tornei obcecado pelo cinema americano. Eu adorava filmes de desastres e espetáculos como “The Golden Voyage of Sinbad”, e também gostava de romances como “The Other Side of Midnight”. Eu adorava qualquer coisa que celebrasse o artifício do cinema. Os filmes franceses e europeus eram muito realistas, e sempre me dava risada quando os cineastas diziam: “Isso deve parecer a vida real”. Eu pensava: ‘Bem, qual é o ponto, então? Apenas assista as notícias.” [risos] Hitchcock abraçou esse artifício em todos os filmes. Não consigo imaginar como seria descobrir a sequência do chuveiro em “Psicose” durante o lançamento inicial do filme, embora eu tenha visto “ Estrangeiro ” quando abriu pela primeira vez na França. Tudo o que eu sabia era que era um filme de ficção científica porque eu tinha visto o pôster. Eu não tinha ideia de que um alienígena ia sair do estômago de alguém. Ver aquele filme quando criança com zero expectativas foi super chocante, e é muito triste que esse tipo de experiência tenha desaparecido completamente hoje. Tudo tem que ser supervendido.

Eu era muito jovem para ver “Tubarão” em 1975 porque era restrito para menores de 13 anos, então peguei o relançamento. Como nenhum filme novo estreou na França durante o verão, eles exibiriam filmes antigos, e foi assim que eu pude ver “E o Vento Levou”, “Os Dez Mandamentos”, “ Ben-Hur ' e Sean Connery filmes de James Bond na tela grande. “Tubarão” era tão popular que seria relançado todo verão. “Psicose” foi relançado na semana em que completei 18 anos e, como foi classificado como X – exceto para menores de 18 anos – ver o filme foi meu presente de aniversário. Eu vi o primeiro show em um dia de semana em um teatro na Champs Elysées, e eu era o único no teatro. Eu estava totalmente com medo. [risos] Quando um filme lhe dá um despertar criativo, você quer possuí-lo de alguma forma e descobrir tudo o que há para saber sobre ele. É por isso que comecei a colecionar cartões de lobby. Eu olhava para muitos deles e dizia: “Espere um minuto, essa cena não está no filme!” Eles lançaram um conjunto de 24 cartas para o ' Nova Iorque, Nova Iorque ”—um filme que eu adorei, mesmo não sendo um grande fã de musicais—e metade das fotos eram de cenas que não estavam no filme. Então comecei a investigar, o que era complicado de fazer nos dias anteriores à internet, e descobri que o filme havia sido cortado e recortado. Foi quando eu percebi, 'Meu Deus, quando você edita filmes, você realmente derrubar cenas.” Tudo isso agora parece óbvio, mas eu estava descobrindo tudo por conta própria.

Esta coleção de imagens me ajudou a apreciar a forma de arte e entendê-la melhor. Não coleciono apenas para colecionar. Coleciono para estimular minha imaginação e ainda compro pôsteres do mesmo lugar que comprava quando criança. Havia uma loja chamada Limelight que eu costumava ir todos os sábados às 11h. Eu sempre comprava alguma coisa, mas na adolescência não tinha dinheiro, então muitas vezes trocava coisas. O dono de um posto de gasolina uma vez me pegou roubando um pôster de “ O Homem Que Queria Ser Rei .” [risos] De qualquer forma, lembro que durante uma visita ao Limelight, eu estava ansioso pelo lançamento de Truffaut “ O Último Metrô .” Eu era um grande fã de Truffaut, não porque ele fosse um diretor francês, mas porque ele havia trabalhado com Steven Spielberg, e eu havia escrito um livro sobre Hitchcock. De repente, Truffaut entra na loja e eu quase desmaiei. Quando subi e falei com ele, ele me disse que estava com muito medo de “The Last Metro” sair porque todos os seus filmes foram fracassos e sua carreira estava no tanque. Eu não esperava que ele se abrisse assim comigo e isso me deixou traumatizada. Eventualmente, vim para a América com o sonho de conhecer Steven e Brian De Palma e fazer esse tipo de trabalho documental, que não existia naquela época. Quando fiz meu primeiro projeto para a Universal – o documentário sobre o laserdisc de “1941”, que saiu depois de “The Making of ‘Jaws’” – meu contrato com o estúdio era para fazer um longa. Eles não tinham um modelo para o tipo de trabalho que eu fazia.


Décadas antes de os ensaios em vídeo estarem em voga, seus documentários iluminaram os paralelos entre as análises de filmes escritos e visuais. Eu sempre senti que escrever e editar são processos semelhantes em como eles exigem que você monte imagens ou informações brutas, e a edição em seus filmes é sempre impecável.

Trabalhei com praticamente a mesma equipe de editores desde o início. eu comecei com David Palmer , que recentemente co-produziu um filme muito bom chamado “Wildling”, e ele é um sábio total. Nós nos conhecemos através do trabalho e descobrimos que tínhamos exatamente a mesma idade e os mesmos gostos, como o amor pela música do cinema. Ele fez vários dos meus primeiros projetos, incluindo “1941”, “Tubarão”, “Os Pássaros” e “ Taxista .” À medida que recebi mais projetos, contratei e trabalhei com editores incríveis como Jason Summers, Andy Cohen e Jeff Pickett. Em cada caso, eu os escolhi com base em uma reação instintiva. Foi muito empoderador saber que eu tinha bons instintos sobre se alguém era a pessoa certa para um projeto. Mesmo não sendo eu quem está fazendo a edição, sei em minutos se um editor tem instintos bons, ruins ou medianos. O culminar de tudo isso foi “Five Came Back”, a série que fiz para a Netflix, e meu editor genial, Will Znidaric , ganhou um prêmio American Cinema Editors por isso. Isso foi um verdadeiro quebra-cabeça para montar.

Escrever e filmar são processos completamente diferentes. Não me considero um crítico porque meu ponto de vista vem de querer entender a forma e apresentar o que está dentro dela para que possa ser apreciado. Não sou de trazer meu ponto de vista sobre se o filme é bom ou ruim, não é onde moro. Mas se você está fazendo documentários ou filmes narrativos ou escrevendo um ensaio, tudo se resume a contar histórias. Quando estou começando com meu cinegrafista, cada tomada que filmamos tem que estar a serviço da história. Você não filma algo aleatoriamente – precisa começar em algum lugar, ir a algum lugar e terminar em algum lugar. Quando você está conversando com as pessoas sobre o filme delas, você precisa levá-las em uma jornada na maneira como escreve um artigo ou um livro. Cada um dos meus documentários precisa ter esse senso de jornada, e eu sou meio old school em que escrevo tudo antes do filme ser editado. Está escrito como um roteiro e tenho títulos para todas as seções. Você não precisa necessariamente se ater a isso, mas precisa entrar com uma visão. Você tem que entrar com uma noção do que vai ser a jornada, se a peça tem duas horas ou três minutos de duração.

Quando havia demanda por conteúdo mais curto dos bastidores, você dividia seus documentários de longa-metragem em featurettes que, quando vistos juntos, ainda funcionam como um longa-metragem.

Isso é exatamente o que eu faço. Vou estruturá-los de uma forma em que haja uma sensação de jornada de uma peça para a outra quando você os assiste consecutivamente. Os featurettes de um filme em particular geralmente são feitos pelo mesmo editor, dependendo da duração ou do prazo. É muito triste quando o IMDb rotula cada um dos meus featurettes como um assunto curto, já que eles fazem parte dos meus artigos completos sobre filmes como “A.I.” ou ' Vermelhos .” Eles simplesmente são divididos em pedaços menores por razões legais relacionadas a sindicatos e SAG e outros fatores. Quando fiz meu último documentário para “Ready Player One”, o estúdio foi realmente fantástico. Jonathan Gaines e Paul Hemstreet, que eram meus executivos na Warners, queriam que eu fizesse um documentário antiquado, e digo isso no melhor sentido da palavra. Eles apoiaram tanto a minha intenção de fazer com que a forma do meu documentário espelhasse o que o filme era: uma grande homenagem ao cinema dos anos 80. Foi a carta de amor de um fã para filmes, e espero que meu material de bastidores reflita isso.

A história de Hollywood tem tudo a ver com a relação entre os estúdios e os cineastas, e estou impressionado com a abertura dos estúdios aos meus projetos. A Columbia me deu a chance de fazer documentários longos sobre “ O Grande Frio ,” “ Silverado ” e “Taxista”. Eu não podia acreditar que ninguém tinha feito um documentário aprofundado sobre “Taxi Driver” até eu fazer o meu em 1998. Às vezes, a imprensa não quer nos reconhecer como verdadeiros cineastas, e eu fico tipo, “Bem o que você daria para ter esse tipo de documento Orson Welles filmando ‘Cidadão Kane’ ou Hitchcock filmando ‘Psicose’ ou mesmo Steven filmando ‘Tubarão’?” Antes do vídeo caseiro, os filmes não eram vistos como algo que viveria além de seu lançamento inicial, exceto na televisão, então ter a chance de documentar esse trabalho, mesmo retrospectivamente, é uma coisa extremamente importante a se fazer. Surpreende-me quando as pessoas que criam documentários de making-of são colocadas nos ofícios. Aplaudo as outras pessoas que estão documentando o filme junto comigo, e me orgulho de ter sido a origem desse tipo de trabalho. Espero ter sido capaz de fazer a diferença, não por quem eu sou, mas por causa dos filmes e cineastas fantásticos com os quais fui associado. Sou extremamente grato a Steven e Brian e às pessoas que confiaram em mim para fazer justiça a essas peças em particular.

Outro cineasta poderia facilmente montar um documento de making-of superficial, mas seus filmes sobre pessoas como Spielberg são tão profundos que nos dão uma noção do homem e do cineasta, seja seu amor infantil por gags nojentos no set de “ Indiana Jones e o Templo da Perdição ”, ou seu dom para se comunicar com crianças como Cary Guffey em “ Encontros imediatos de terceiro grau .” Ao justapor suas entrevistas com trechos do filme, você mostra como Spielberg provocou cada uma das expressões faciais do menino.

Quando eu estava fazendo meus primeiros documentários, originalmente decidi não cortar muito da filmagem da entrevista. Eu não podia acreditar que estava sentado em frente a Steven Spielberg ou Dick Zanuck ou Peter Benchley ou mesmo Susan Backlinie, que interpretou Chrissie em “Tubarão”. Eu não queria interromper essas entrevistas porque isso tiraria a performances eles estavam me dando. Eu os estava tratando quase como atores. Pude ver em seus olhos a empolgação que sentiam ao relembrar algo sobre o qual não falavam há 25 ou 30 anos, e quando isso acontecia, eu queria ficar com eles. Eu quero que quem está assistindo a filmagem tenha a mesma sensação que eu tive quando me sentei em frente a essas pessoas. É por isso que eu me afasto quando faço uma pergunta. Quando eu fiz 'The Making of 'Jaws'', Steven entrou e disse: 'Eu tenho uma hora e depois tenho que correr para uma reunião'. Ele estava obviamente superocupado, como ainda está, mas depois disse: “Não vá embora, estarei de volta exatamente em duas horas”. E ele voltou e me deu um pouco mais. Eu poderia dizer que algo especial estava acontecendo.

Antes de cada entrevista, eu tinha feito toneladas e toneladas de pesquisa. Eu vasculhava todos os arquivos da Universal e olhava todos os memorandos. Eu criei uma bíblia que dei a Steven de todos os filmes que documentei no início da minha carreira, como “Tubarão”, “1941” e “E.T.” Eu seguia a continuidade do filme cena por cena, começando com os títulos de abertura de “Tubarão”, e escrevia tudo o que descobria sobre cada momento. A qualquer momento, eu poderia pular para uma cena do filme e localizar tudo o que havia aprendido sobre ela. Novamente, isso foi antes do Google ou de qualquer tipo de pesquisa online. Olhei para a fotografia da unidade, entrei no cofre do estúdio no vale e até procurei em lixeiras por pôsteres. Dediquei meu coração e minha alma para refazer a história desses filmes, particularmente aqueles que não foram documentados com uma câmera de filme - incluindo 'Taxi Driver', 'Tubarão', ' Scarface ” e todos os filmes de Hitchcock. Descobri que De Niro na verdade não raspou a cabeça para “Taxi Driver” porque estava fazendo “1900” na época com Bertolucci, e ele tinha que ter a cabeça cheia de cabelo. Então Dick Smith, que fez a maquiagem, me explicou seu método engenhoso para criar um pouco de barba por fazer na careca de De Niro que tornava o efeito perfeito. Eu não saberia perguntar sobre isso se não tivesse encontrado uma sessão de fotos nos arquivos da Columbia.

Eu nunca entro nessas situações de entrevista despreparado. É como ' Rashomon ”, de certa forma. Todo mundo tem um ponto de vista diferente e uma maneira diferente de vivenciar exatamente o mesmo evento. Todos eles vêm de sua própria perspectiva e seu próprio papel pessoal no filme. Muitas vezes eles nem sabem por onde começar, então eu tenho que ser a memória deles para eles. Com Steven, era tudo sobre os detalhes. Percebi que o efeito sonoro em “Tubarão” do tubarão caindo no fundo do oceano depois de explodir tinha um som familiar. Foi exatamente o mesmo som que Steven usou em “Duel” quando o caminhão cai no penhasco. Quando eu disse isso a ele, ele disse: “Oh meu Deus, é! É o som de um filme de dinossauro que eu adorava na Universal, e coloquei nos dois filmes.” Esse tipo de observação veio simplesmente de assistir a esses filmes repetidamente para mergulhar neles. Nos sets de Steven, todo mundo me conhece, então eles sabem que podem vir até mim e dizer: “Amanhã temos um ensaio”. É tão bom ver todo mundo querendo ajudar a contar a história de como seu filme foi feito, principalmente quando é dirigido por alguém como Steven, cujo processo é tão único e criativo.

Falando desses pequenos detalhes, há um que você identificou em seu documentário “All About 'Os pássaros' ” que me derrubou para um loop. Rod Taylor mímicos abrindo uma porta e, através de iluminação inteligente, nunca questionamos a ilusão. Técnicas como essas foram o que fizeram de Hitchcock meu cineasta favorito de todos os tempos.

Estou tão feliz que você mencionou Hitchcock porque eu nunca me canso de assistir seus filmes. Eu os assisto praticamente o tempo todo. Passo por fases em que estarei assistindo a um determinado segmento de sua carreira, como seus primeiros filmes americanos como “Rebecca”, “Suspicion”, “The Paradine Case” e “ Encantado .” Então eu vou assistir seu trabalho posterior – até mesmo um filme como “Torn Curtain”, que não é um grande filme de forma alguma, mas tem momentos de completo brilho e beleza onde você vê o gênio. Toda vez que assisto a um filme, faço anotações sobre coisas como enquadramento, composição e efeitos sonoros. O trabalho de Hitchcock representa a forma mais pura de fazer cinema porque quando ele começou a dirigir, os filmes mal tinham nascido, então tudo que ele criou era experimental. Ao longo de toda a sua carreira, ele mostra continuamente o diretor experimental que é, mesmo em sucessos comerciais como “Psycho” ou “North by Northwest”. Ele empurrou ainda mais o envelope em “The Birds” e depois em “Marnie”, que é uma obra-prima completamente incompreendida. Você poderia fazer todo um estudo antropológico de seu trabalho porque tem muitas camadas.

Tenho a sensação de que seu livro indispensável de 1993, O livro de citações de Alfred Hitchcock , lembra um pouco as anotações que você faria durante as exibições - ampliando detalhes em diferentes fotos e desenhando conexões entre elas.

Eu me diverti muito escrevendo aquele livro. Publiquei em uma época em que certos filmes nem existiam em vídeo. Foi tão difícil rastreá-los para montar o livro. Para mim, foi um exercício para ilustrar o que Hitchcock era um autor, porque tudo estava conectado. Às vezes, personagens de filmes diferentes repetiam as mesmas falas. Todo artista brilhante tem temas característicos – certamente é verdade para Steven e De Palma – e como Hitchcock estava na origem do cinema, seus temas estavam presentes antes mesmo de seu primeiro filme sonoro, “Chantana”, e ecoam até “ Frenesi ' e até mesmo ' Lote Familiar .” Nas citações que compilei, você pode ver como Hitchcock estava preocupado com a comida e como isso leva ao sexo e ao assassinato. Poucas pessoas leram o livro, mas fico feliz que alguém tenha lido. [risos]

Um de seus primeiros grandes shows na indústria cinematográfica foi gravar uma faixa de comentários em áudio para o disco laser de “Carrie” da Criterion. Fiquei tão emocionado com o documentário que você fez mais tarde sobre o filme, e como ele enfatizou a humanidade em meio ao horror, como observado nas cenas ternas de Carrie com sua professora, Miss Collins ( Betty Buckley ). Que significado especial esse filme tem para você?

Eu amo Stephen King não apenas como escritor, mas como pessoa, e estou desenvolvendo um longa-metragem baseado em uma de suas histórias. Stephen como escritor é o equivalente a Alfred Hitchcock como cineasta. Ele é uma das melhores pessoas que já conheci, e sua lealdade, bondade e humanidade nunca deixam de me inspirar. O mesmo vale para Steven Spielberg. Carrie foi o primeiro grande sucesso de Stephen como escritor, e quando você olha para ele, você entende tudo sobre seu autor – tudo o que está por vir e tudo o que ele representa. Seu trabalho é definido por belas emoções e situações com as quais todos podemos nos relacionar. A forma como De Palma orquestrou sua adaptação cinematográfica – desviando-se do livro com sua sequência de sonho culminante – foi magistral. Apesar de já ter feito “Irmãs” e “O Fantasma do Paraíso”, “Carrie” foi seu primeiro grande sucesso, o que mais o definiu como cineasta. Você vê muitos ecos disso em “ Vestida para matar .” Ambos os filmes começam com uma sequência de banho e, embora tenha sido feito em uma escala maior e tenha sido muito mais erótico em “Vestido para Matar”, ambas as cenas são chocantes. Outro paralelo entre os filmes é que ambos terminam com uma sequência de pesadelo.

Lembro-me de notar no final de “Carrie”, quando Amy Irving está caminhando em direção à casa durante o pesadelo, você pode ver por apenas alguns segundos carros dirigindo para trás na estrada à distância. Isso diz que eles filmaram a cena com Amy andando para trás, e o filme foi invertido. adorei o trabalho que Jack Fisk , o designer de produção, fez nesse filme. Tudo na casa de Carrie reflete o fanatismo religioso de sua mãe, incluindo aquela estátua mutilada no armário onde a menina é trancada quando castigada. A ideia de Carrie depois matar sua mãe replicando a estátua – posicionando seu corpo e as facas de maneira semelhante – era tão brilhante. Também adoro o uso de telas divididas no trabalho de De Palma em como elas representam personalidades divididas. Em “Vestida para Matar”, Angie Dickinson é uma mãe casada, mas também é uma pessoa frustrada e sexualmente reprimida. Carrie é um patinho feio que sofreu bullying na escola e em casa, mas ao mesmo tempo, ela é uma entidade temível com poderes sobrenaturais ocultos. Em ambos os casos, De Palma transmite essa dualidade por meio de tela dividida. O estilo que ele escolhe para contar essas histórias não é simplesmente alimentado por uma necessidade de se exibir. Ele reflete o tema abrangente de seu trabalho, expressando como a mesma pessoa ou evento parecerá diferente, dependendo do seu ponto de vista. “Scarface” foi um ponto de partida para De Palma em termos de estilo visual, e lembro-me de ter ficado desapontado com isso no início. Era mais direto, mas na segunda visualização, pude apreciar sua incrível arte.

O que mais me impressionou em “Ready Player One” foi como ele serviu como uma ode de Spielberg a colegas queridos como Robert Zemeckis . Os ecos do filme de “ De volta para o Futuro ” e “Roger Rabbit” são apenas intensificados pela Alan Silvestri pontuação.

Essas referências de filmes já estavam no livro, então a decisão de Steven de abraçar este filme mostra que ele tinha um interesse real em prestar homenagem a essa era do cinema. Ele estava prosperando durante os anos 80 e criou a Amblin durante essa década. Ele se refere a Bob Zemeckis em meu documentário como seu primeiro protegido. O DeLorean em “De Volta para o Futuro” fazia parte do livro original, e Steven propositalmente escolheu não ser muito auto-referencial no filme. Ele não iria prestar homenagem a si mesmo, então ele homenageou os cineastas que cresceram em sua geração, como Bob e outros. Houve tantos eventos diferentes em torno do lançamento do filme, e conversei com Steven sobre a campanha que eles criaram, onde inseriram personagens de “Ready Player One” em pôsteres de filmes dos anos 80. O autor do livro, Ernie Cline, também co-escreveu o roteiro com Zak Penn , e ele se tornou um amigo muito próximo. Fizemos tanto juntos nos últimos dois anos, e quando o projeto terminou há alguns meses, foi de partir o coração. Todo mundo segue para outros projetos e, embora continuemos amigos, não é o mesmo que quando você está antecipando o lançamento de um filme. Convivo com esses filmes há muito tempo, principalmente aqueles com grandes efeitos especiais, pois exigem um extenso processo de pós-produção.

“ O Posto ” foi muito rápido, mas muito intenso, e se tornou uma das minhas experiências favoritas em um projeto. Cada dia era um set diferente, e me mudei para Nova York por um mês durante a produção. Era como fazer parte de um movimento porque o filme abordava questões importantes que ainda estão acontecendo hoje. Havia esse senso de urgência para contar essa história, e a parte do documentário foi superimportante porque pude conversar com as famílias de Ben Bradlee e Katharine Graham. Eu me sinto tão privilegiada quando olho para todas as pessoas que entrevistei, não apenas os diretores e estrelas, mas a equipe – cineastas como Janusz Kaminski , designers de produção como Rick Carter e compositores como John Williams e Alan Silvestri — assim como os temas da vida real e suas famílias. Cada entrevista é um desafio porque eu tenho que me educar antes. É como voltar à escola e fazer um curso de jornalismo ou realidade virtual. É um trabalho incrível, e eu sou muito abençoado por tê-lo.

Os últimos documentários de Laurent Bouzereau podem ser vistos nos Blu-rays de “ Jogador 1 pronto ' e ' O Posto .”

Para mais informações sobre Laurent, visite seu site oficial .