Cineastas em foco: Anisia Uzeyman e Saul Williams em Neptune Frost

Originalmente concebido como uma graphic novel em 2013 com ideias posteriormente exploradas no álbum de 2016 MartyrLoserKing, a estreia na direção de longa-metragem do artista multi-hifenizado Saul Williams e artista e diretor de fotografia nascido em Ruanda Anisia Uzeyman , “Neptune Frost” é um bombástico musical punk de ficção científica afrofuturista. Depois de estrear como parte da seção Quinzena dos Diretores no Festival de Cinema de Cannes de 2021, fez rodadas de festivais por meses, incluindo o Festival Internacional de Cinema de Toronto, o Festival de Cinema de Nova York e o Sundance passado. Nesta sexta-feira, 3 de junho, fará sua estreia nos cinemas americanos via Kino.

Tão rico em suas ideias temáticas quanto colorido, Williams e Uzeyman criaram um universo próprio. Situado no topo das colinas do Burundi, “Neptune Frost” segue um grupo de mineiros de coltan fugitivos que formam um coletivo de hackers anticolonial. Apresentando performances impressionantes de Elvis Eles e Cheryl Isheja como o titular Neptune, um fugitivo intersexual cujo amor recém-descoberto leva o coletivo a seus objetivos progressivos, 'Neptune Frost' existe em um espaço liminar, entre o binário, onde a liberdade é encontrada na natureza e na tecnologia.

Para a coluna Femininas Cineastas em Foco deste mês, RogerEbert.com conversou com Williams e Uzeyman pelo Zoom sobre o processo criativo colaborativo, a poética do cinema e como a história de Netuno é realmente um muito velho história.



Este filme não saiu da minha mente desde que o vi durante o TIFF em setembro passado. Eu li que você originalmente imaginou isso como uma graphic novel e um musical de palco antes de evoluir para um filme. Todos os três são meios muito diferentes. Como você percebeu que realmente deveria ser um filme?

SAUL WILLIAMS: É verdade que foi concebido como um musical de palco e uma novela gráfica.

ANISIA UZEYMAN: A música.

SW: Sim, exatamente. Nós nunca abandonamos a graphic novel. Isso sai ano que vem. Estou super surpreso que vencemos a graphic novel. Por outro lado, a transição da ideia de palco para a ideia de filme aconteceu depois que Anisia e eu já tínhamos feito uma residência BANFF para a peça de teatro. Passamos 14 dias lá trabalhando no roteiro para o palco. Então começamos a nos reunir com os produtores, e uma das pessoas com quem nos encontramos se tornou nosso principal produtor executivo. Stephen Hendel foi tipo, eu amo essa ideia. ele havia produzido Cara! Na Broadway. Então ele diz: “Isso é incrível. Acho que todos vocês têm o que poderia ser um filme ainda mais incrível.” Nós estávamos talvez um pouco desdenhosos no começo, tipo, não, isso é uma peça de teatro. Isso também porque nós dois somos atores. Então, seria um veículo em que nos víamos. Uma vez que pensamos sobre isso, porém, e percebemos o que poderia acontecer se saíssemos do caminho, que teríamos a oportunidade de trabalhar com todo esse talento para mostrar novos rostos e filmar no local. Ele acabou se transformando em [um filme] em 2016, porque começamos a sonhar com isso talvez por volta de 2012. Em 2016, fomos para Ruanda. Foi a minha primeira vez, e não foi para Anisia, claro. Ela me trouxe com ela para Ruanda e começamos a nos concentrar em filmar o carretel e conhecemos nosso elenco e equipe. Percebemos que tínhamos tomado a melhor decisão de todos os tempos.

Qual foi o processo de seleção de elenco quando você chegou a Ruanda? Que tipo de rostos novos você estava procurando?

AU: Foi muito, muito alinhado. Então estávamos lá em 2016, só para sentir o lugar e também com o artista que está trabalhando conosco na graphic novel.

AU: Sim, para ele poder imaginar o lugar em que a história estava acontecendo.

SW: Embora sempre soubemos que a história se passava no Burundi, não pudemos ir ao Burundi por causa da agitação política. Sabíamos que a paisagem ruandesa era muito semelhante à paisagem burundiana.

AU: Primeiro conhecemos Kaya Free, que interpreta Matalusa, de uma forma muito, muito direta. Ele estava tendo um show onde ele estava se apresentando. Logo depois que conversamos e deu certo. Ele estava tão entusiasmado com a ideia e Kaya é um refugiado do Burundi que estava morando em Ruanda na época. Estamos em 2016 e houve uma grande agitação política no Burundi em 2015. Muitos refugiados burundeses estavam em Ruanda naquela época. Muitos artistas, ativistas, estudantes, jornalistas, você escolhe. Todas essas pessoas faziam parte da vibrante cena de Kigali naquela época.

SW: O que fazia parte do alinhamento sinérgico que Anisia estava referenciando, porque tínhamos uma história que sabíamos que estava acontecendo no Burundi. Sabíamos que tínhamos que filmar em Ruanda. Nós estávamos indo para uma audição e ficamos surpresos ao encontrar todo esse novo talento do Burundi misturado com o talento de Ruanda. Então conhecemos Kaya.

AU: Conhecemos Kaya, que nos apresentou ao seu melhor amigo Tesoureiro Niyongabo , que interpreta Psicologia no filme, que é uma jornalista que foi estudante e que também escapou do Burundi. Então ele nos convidou um dia, uma tarde em um campo de futebol. Chegamos e descobrimos, como 15 bateristas do Burundi ensaiando.

SW: Carregando esses tambores enormes em suas cabeças.

AU: Ele era como se fossem meus amigos.

SW: Estes são meus amigos e eles cruzaram a fronteira também.

AU: Eles cruzaram a fronteira com seus enormes tambores, e estavam tentando encontrar seu lugar e compartilhar sua arte em Kigali. Então conhecemos Cheryl Isheja, que interpreta Neptune, um dos Neptunes, em um evento. Nós a vimos e pensamos: você gostaria de tentar isso? Eventualmente descobrimos que ela já era DJ, beat maker, cantora, e que já era uma grande parte da cena local.

SW: Então Anisia estava realizando testes de tela naquela época. Tragávamos as pessoas para o local onde estávamos e Anisia fazia testes de tela com os atores e com os bateristas.

AU: Em 2016, eu diria que metade do nosso elenco já estava lá, o que nos permitiu trabalhar com eles por mais tempo.

SW: As histórias que eles compartilharam conosco ajudaram a influenciar a escrita do roteiro, porque o roteiro não estava pronto. Naquela época, a música não estava pronta. Naquela época estávamos até gravando lá enquanto eles contavam suas histórias. Então, isso entrou em algumas histórias, mesmo que tivéssemos um conceito desenvolvido e a história que sabíamos que estávamos contando, suas histórias ainda encontraram uma maneira de entrar lá. Também conhecemos nosso figurinista, na primeira semana lá, Cedric Mizero, que logo após nosso primeiro encontro, e nós contando a ele o que estávamos pensando e sobre a história, apareceu no segundo encontro com sandálias feitas de placas-mãe. E nós ficamos tipo, ok, você entendeu.

AU: Ele tinha 22 ou 23 anos na época. Eu diria que a história apenas atraiu as pessoas. É verdade que não entramos no processo usual de seleção de elenco. Muito interessante, a história e o material que estávamos dispostos a explorar estavam atraindo as pessoas certas. Era como, um após o outro.

SW: Você tem que conhecer fulano de tal, então você precisa saber fulano de tal, eu vou trazer fulano de tal.

AU: Nós não tínhamos um diretor de elenco, por exemplo.

Eu amo essa história sobre os bateristas, que me lembra a maneira como o movimento da câmera realmente captura o pulso da música. Como você desenvolveu a filmagem das sequências musicais?

AU: Acho que tudo veio do fato de eu estar presente quando a música foi criada. Tive a oportunidade de acompanhar cada passo da construção dessa música e da construção do mundo em termos de sons. Imagino movimentos. Então, enquanto escrevia a história, eu estava sempre orientando a escrita para qual é o movimento que pode transmitir isso, qual é a cor que pode transmitir essa emoção? Eu estava quase coreografando as sequências.

SW: Muito instrutivo para mim no processo de escrita é que você tem que considerar o movimento da câmera. No processo de escrita, ela ficou tipo, mas como a câmera capturaria isso? Ela estava focada nisso. A ideia de Anisia filmar foi porque, pessoalmente, eu já estava apaixonado por como ela filmava música, seu relacionamento com a câmera e seu relacionamento com a filmagem de música e músicos, sem mencionar o amor que ela tem por atores, e como ela atira em atores. E então o relacionamento com Ruanda, é claro.

AU: Foi essa construção maluca do set. Como você vê, há muito movimento de conjunto, muita imaginação também, ou invenções de maneiras de filmar, porque trabalhamos com material realmente não convencional. Tudo que construímos por nós mesmos, as luzes e todas essas coisas. Então era realmente uma questão de encontrar um momento criativo e também garantir algo que fosse tecnicamente convincente. Acho que o fato é que para filmar um musical, cada movimento é falar ou dançar. Há uma cena que me vem à mente, que está em “ O Mago ”, o musical que realmente me inspirou. Há uma cena em “The Wiz” onde a cor muda e vemos as luzes como um personagem.

SW: Até a câmera é um personagem.

AU: Esse tipo de diversão e precisão foi realmente inspirador para mim em termos de como a câmera se move com a coreografia, e então como ela incorpora as cores como significados, bem como uma batida. Todas essas coisas.

SW: Isso foi super influente. Não quero que Anisia passe por cima, ela disse, mas quero ter certeza de que fica claro que construímos as luzes do cinema, os trilhos, não havia aluguel lá. Então tudo foi construído para o filme, incluindo o set e tudo mais. As luzes, os 18 quilos, os painéis de LED, construímos tudo isso e a Anisia supervisionou a construção de tudo isso. Na sequência do sonho, na verdade, perto do início do filme, eles construíram uma montanha-russa nessa pedreira. Estávamos nessa pedreira na cena que acontece à noite com uma música chamada “Binary Stars”. Demorou uma eternidade. Nós não começamos a filmar, não sei, até as 3 da manhã ou algo assim. Era uma lua cheia. Foi bonito. Eles construíram esta montanha-russa viajando sobre esta pedreira. Esse é o movimento da câmera que Anisia estava supervisionando. Foi tudo simplesmente fantástico de testemunhar. Estressante no momento.

AU: Também estava colocando a equipe técnica em um tipo de energia. Certo? Eu lembro que estávamos fazendo panelas quando a música estava lá. Então o set era música o tempo todo.

SW: Sim, eu me lembro daquela cena com ovos de barata, [cantando] “Eu acordei de manhã...” e então o ritmo disso é bom ... BOM ... bom . E eu me lembro de Anisia com as câmeras se movendo para o tambor como cha-cha-cha . Era como 'Puta merda, ok, isso é bom.' Eu estava tão animado que eu joguei minhas costas para fora.

AU: Foi para os dançarinos, cantores e reprodução de música. Em termos de equipe técnica, tivemos que encontrá-los onde eles estavam.

Eu amo o jeito que você joga com a ideia do que é meu, mas também a mente, e também a mineração. Usando esse tipo de estrutura poética para explorar a maneira como essas três coisas têm significados diferentes e ainda estão conectadas.

SW: Para alguém que ama poesia, não é algo que eu queira esconder no filme. Eu realmente, de muitas maneiras, vejo a tela grande como uma grande página. Como uma forma de poder brincar com a linguagem em um mundo imaginado. Imaginar como essas pessoas se comunicam. Então a saudação, “mina de ouro unânime”. Ou como você disse, aquela questão do que é meu, a questão da propriedade. Há muita pesquisa neste filme. Quando você pensa na questão da propriedade em relação aos Estados Unidos, com terras indígenas e povos indígenas, e a ideia ocidental de propriedade, versus a ideia da terra ser algo que você respeita, que ninguém é dono, essa questão do que é o meu ressoa dessa maneira.

Então, o que é minerado, é claro, lida com o fato recorrente de que vivemos nossas vidas tão fortemente dependentes de recursos que não cultivamos ou mineramos neste país. Não posso começar meu dia sem meu café, seu café, sabe, de onde vem? Seu chá? De onde isso vem? A borracha em seus pneus, o algodão em suas roupas, o ouro em seu relógio, o coltan em seu smartphone e o lítio em seu veículo elétrico? De onde isso vem? A resposta muitas vezes é o mesmo lugar, o mesmo continente, a mesma razão, o mesmo tipo de exploração. Então, a ideia do que é minado e do que é meu era algo com o qual eu estava tentando brincar, por causa da liberdade que queríamos explorar na linguagem, mas também politicamente na tela. Não haveria dúvidas sobre o que estávamos falando, mas também muitas perguntas.

Eu definitivamente escrevi mais perguntas do que respostas. Então, quando acabou, eu fiquei tipo, uau, eu tenho que assistir isso de novo com um programa. Você falou um pouco sobre escalar Neptune, que é um personagem intersexual, e há muito jogo com gênero neste filme além de todas as outras coisas que você está explorando. Como você desenvolveu esse personagem e fez o casting para eles?

AU: A história é toda sobre questões binárias.

SW: Começou aí. O 01 o XY, o boom bap. Todas essas coisas. Entramos com essas perguntas. Netuno foi escrito como um personagem intersexo desde o início.

AU: Acho que a ideia também poética de ter um personagem intersexual é também conectar tecnologia com ancestralidade, conectar mitologias com futuro. O que acontece quando você os conecta? Qual é o poder que é revelado? O que é produzido? Havia uma cena que não está lá no filme, mas que também explorava como alguém que é designado homem ao nascer recebe o mundo e explora o mundo, e o que essa pessoa vê e o que ela passa, e o que é oferecido para eles, e como essas coisas mudam quando você entra em...

SW: ... seu senso de si mesmo, em oposição ao que é colocado em você.

AU: Então essa era realmente a história que estávamos contando. Realmente há muito que entra no olhar que é colocado em você quando você é designado ou quando você o escolhe. Acho que foi uma forma de falar sobre o tema político muito importante. Naquele momento, Quênia, Uganda, todos os países ao redor de onde estávamos filmando na África Oriental, estavam passando por leis muito violentas. Leis muito neocoloniais.

SW: Evangelistas americanos estavam chegando em muitos desses países e acenando com dinheiro e dizendo, você sabe, aqui está uma lei que, na época, eles achavam que nunca poderiam ser aprovadas nos Estados Unidos. Mas nós vamos conseguir esse tipo de dinheiro se você conseguir aprovar essa lei aqui. Então ainda há muitas leis gays e anti LGBTQIA. Você ainda sente ainda mais fortemente agora aqui nos EUA também. Havia um desejo que tínhamos de falar com e através dos tempos. Enquanto navegávamos em nossas timelines, tivemos, como você, muitas perguntas. Tínhamos muitas perguntas sobre tecnologia e exploração analógica. Muitas perguntas sobre essa rigidez em torno de questões de gênero e realidades de gênero. Claro, também estamos brincando com, como dissemos, essa exploração de esmagar ou ir além do binário. Então, como ilustramos isso? Como iluminamos isso? Então o elenco e tudo isso refletiu todas essas coisas. No final das contas, sabíamos como queríamos que as pessoas o ingerissem. Sabíamos que queríamos que tivesse esse sentido, quase como um conto de fadas, e essa parece ser a melhor maneira de conseguir isso.

AU: Como você tem uma experiência transformadora? O que é uma experiência transformadora? E como você incorporá-lo em um conto? Estávamos na casa de Kaya, porque potencialmente queríamos escalar a mãe de Kaya como a freira.

SW: A mãe de Kaya é extremamente religiosa, então ela disse, eu não atuo. Eu não acredito nisso. Sobre o que é a história? Então, com um pouco de hesitação, eu conto a história do filme. E essa mulher, que sabemos ser extremamente religiosa e rígida, diz: “Ah, mudar de gênero assim? Bem, Kaya, é exatamente como a história que eu costumava te contar quando criança. Este é um conto popular antigo. Este é um antigo conto popular do Burundi. Essa história já existe. É um conto folclórico do Burundia. Tem existido. Sempre soubemos disso.” Essa é a outra coisa, certo? Essa rigidez é neocolonial. Essa rigidez é imposta. Nós sabemos melhor do que isso. E então parte do nosso interesse aqui era liberar esse tipo de narrativa e narrativa. Foi uma bela surpresa. Ela não acabou interpretando a freira. Na verdade, fomos presenteados com a presença de Cécile Kayirebwa, que é uma amada figura, cantora e poetisa ruandesa icônica, que acabou interpretando a freira. Essa foi outra bela surpresa. Sua vontade de fazer sua estréia na tela aos 75 anos, e encantar o elenco e o filme, e dessa forma meio que transmitir para uma nova geração de artistas. Mas foi esclarecedor sentar com a mãe de Kaya e pensar que estamos contando uma nova história moderna, e ela dizer que é uma história muito antiga.

AU: De certa forma, todos nós sabemos disso. Nós apenas fazemos um grande negócio porque estamos acostumados a ser um grande negócio. Se você estiver fazendo um conto sobre o que é opressão, o que é exploração, em algum momento você se encontrará nas interseções de tudo isso. É uma atribuição, como no gênero.

SW: Você vai aprender o que foi imposto. Você vai aprender a história de onde as coisas estão sendo impostas.

Para não trazer de volta a um binário novamente, mas existem algumas diretoras que fizeram filmes que inspiraram você ou que talvez você ache que as pessoas não ouviram falar e que deveriam procurar?

AU: Do topo da minha cabeça estou pensando em “Losing Ground” de Kathleen Collins. Uma descoberta importante para mim. Há uma grande parte de filmes, principalmente de cineastas mulheres da América, que são muito difíceis de acessar fora deste país e já neste país era difícil encontrar. Eu sabia que era importante. Procurei por um longo tempo antes de encontrá-lo e, de repente, ele se tornou disponível. Esse filme é, eu acho, muito bonito. A definição do que uma mulher tem a dizer e como ela diz. também estou pensando Naomi Kawase . O filme que ela fez com aquela avó que perdeu o filho. Qual é o nome desse filme? Tem belas fotos em plantações de chá.

“A Floresta do Luto”.

AU: Sua cinematografia, sua maneira de transmitir a natureza que é quase um abraço desses personagens, que é quase como um consolo, que está trabalhando organicamente em direção ao luto. Eu gosto muito dela. Maya Deren, claro, porque em termos de música de filmagem. É engraçado, tem aquele filme, “Divine Horsemen: The Living Gods of Haiti”, que ela fez, ela não teve tempo de montar logo antes de morrer. Então o filme que está por aí tem aquela locução estranha. Essa masculinidade que é colocada nele. Mas você ainda pode se ver no filme. São suas imagens, é sua câmera e é seu movimento. Ela está filmando danças e transes, e parece menos que a câmera e seu corpo estão realmente em simbiose com esses movimentos. Algumas dessas imagens são muito raras e muito investidas. Eu estava conversando com uma amiga minha e esqueci que, na verdade, ela morreu logo em seguida. Ela entrou naquele espaço mágico. Estávamos falando sobre como talvez aqueles espíritos não a quisessem lá. O que aconteceu, o que aconteceu? O que fez isso? Você meio que sente isso nesse material. Eu gostaria que houvesse uma versão sem narração, também gostaria que ela pudesse ter terminado as filmagens para que pudéssemos ver o que ela realmente queria fazer com isso. Maya Deren é certamente alguém. Quem estou esquecendo?

SO: Chantal Akerman .

Ela é incrível. Você tem um favorito dela? Ela tinha tantos filmes.

AU: “Jeanne Dielman” é uma masterclass. Uma aula de paciência. Em relação aos personagens. Eu também adoro... não vou lembrar do título em inglês. “Je Tu Il Elle.” Ela mesma filma. É um auto-retrato muito bonito, e também sobre como você compartilha sentimentos desconfortáveis? Como você lida com seu gênero e sua sexualidade? Como isso tudo entra em você? E como você compartilha? Eu acho que é tão bonito.

'Neptune Frost' será exibido em cinemas selecionados a partir de 3 de junho.