Fantasia 2018: O Homem que Matou Hitler e Depois o Pé Grande, Luz, Cam

Para um filme como “ O Homem que Matou Hitler e Depois o Pé Grande ”, tudo começa com o título. Você acha que sabe o que vai conseguir e, na maioria das vezes, está certo... Sam Elliott interpreta um homem que, há muito tempo, matou Hitler. E mais tarde no filme, ele mata o Pé Grande. Mas assim como este filme começa com uma promessa ooh-rah, polpuda, a história do escritor/diretor Robert Krzykowski prova ter uma beleza despretensiosa e profunda. Como o western revisionista de Clint Eastwood ' imperdoável ”, o título é revelado não ser uma declaração heróica, mas uma maldição.

Uma balada sábia, estranha e inesquecível, “The Man Who Killed Hitler and Then The Bigfoot” é aquela que se sai melhor com a contemplação quando você se separa da expectativa. Se você for ao filme querendo dar um high-five em um filme que promete Elliott como um fodão, ficará desapontado. Krzykowski sabe que um filme focado na violência realmente ressoa quando as cenas entre a ação são ainda mais memoráveis. No caso aqui, este filme tem algumas passagens fortemente diálogas que refletem sobre a alternância de sorte e maldições que ele experimentou em sua vida, como um homem europeu durante um barbear rente antes da missão de assassinato de Calvin, ou com um recém-encontrado 20 dólares conta, entregando-a a um balconista de loja de conveniência interpretado por Elar Coltrane do ' Infância .”

Krzykowski apresenta os flashbacks de Barr de matar Hitler e estar em tempo de guerra com grandes detalhes em ritmo e design de produção, seu devaneio aprimorado por Joe Kraemer a partitura orquestral tradicional de . Da mesma forma, como editor, Krzykowski às vezes é precioso com esse tempo, mostrando essas partes de sua vida em cenas que podem parecer inchadas. Mas quando se trata do presente de Calvin, Krzykowski maravilhosamente não é precioso, como quando ele pula bem no meio da caçada de Barr pelo Pé Grande, que é planejada no melhor estilo de ficção científica. Não é um spoiler, a segunda metade do filme não chega ao clímax com Calvin matando o Pé Grande. O filme tem muito mais em mente.



Mas essas cenas são apenas versos e ruminações, para o refrão ao qual o filme sempre nos traz de volta: Barr, velho e sozinho, com seu cachorro. Seu legado de título não oferece a ele um tipo de honra enquanto ele se senta em sua casa, mas o isola até mesmo de seu irmão Ed ( Larry Miller ), uma das poucas linhas de vida que ele teve quando Calvin teve que mudar seu nome após a missão. E no que pode ser o mais clássico de seus toques, uma mulher que ele amava antes de tudo isso desaparecer. “O Homem que Matou Hitler e Depois o Pé Grande” é um filme de uma alma velha, que é sábia além de suas décadas, assim como Andrew Haigh de “ 45 anos .” O filme é mais poderoso do que os espectadores de desejos altos ou baixos poderiam desejar, e molda um tom assombroso em sua premissa. Como Calvin, tem noções extremamente complicadas e comoventes de legado, de se tornar um símbolo, de ver outras pessoas como dignas de violência ou não.

Mais do que o título mata, a passagem mais cativante do filme é uma vitrine da maneira incrível de Elliott com o ritmo de suas palavras para que cada um de seus pensamentos pousem. Enquanto ele fala em um close-up estendido de dois homens que querem contratá-lo para o assassinato do Pé Grande, uma conversa tranquila na sala de estar produz um poder esmagador. “Não é nada como a história em quadrinhos que você quer que seja”, diz Elliott no meio da história, seu olhar prático querendo desesperadamente advertir contra a hagiografia. E ele está certo. O requintado “O Homem que Matou Hitler e Depois o Pé Grande” de Krzykowski é ainda melhor.

Um segmento de Fantasia que me foi contado pelo escritor local de Montreal (e RogerEbert.com colaborador) Justine Smith para ficar de olho foi o programa Camera Lucida. Com títulos este ano como 'Madeline de Madeline' de Josephine Decker e 'Piercing' de Nicolas Pesce, ele tem o ar geral de projetos ligeiramente experimentais que falam tanto dos talentos de um diretor quanto do próprio filme. Imagino que um mascote para esta seção deve ser “ Leve ”, uma estreia na direção de Tilman Singer que teve sua estreia norte-americana no Fantasia. Não é o primeiro filme de terror a se apoiar em um estilo de terror mais clássico (dado o grão de seu Kodak 16mm, apesar de ser exibido no DCP, e sua trilha sonora assustadora e com sintetizadores), mas raramente os filmes construídos a partir dessa vibe dos anos 80 sentiram tanto Inovativa.

Não é divertido descrever 'Luz' narrativamente, em parte porque sua história não está inteiramente lá. Mas é muito mais divertido relembrar apenas algumas de suas lindas imagens: uma mulher em um bar vazio, contando uma história bizarra para um psicoterapeuta sobre um ex-colega de classe e um demônio em sua escola; vendo o ex-colega de classe como motorista de táxi, reencene um conto de possessão demoníaca na frente do psicoterapeuta anterior como se fosse uma peça de improvisação. Justapondo tomadas extensas e com zoom lento com uma história que tem impulsos realmente imprevisíveis, é uma oferta hipnótica de atmosfera de filme de terror. As configurações são bizarramente vazias, os atores são bloqueados como se fossem instalações de arte e cada componente visual parece um ingrediente intencional. Você confia em Singer quase imediatamente que ele sabe o que está fazendo e segue sua visão massiva através de seus muitos segmentos bizarros até o fim.

“Luz” é o melhor tipo de projeto de cartão de visita, e isso não é pouco. É apenas um recurso para os padrões de tempo de execução (70 minutos) e não há tecido narrativo substantivo suficiente para causar um impacto ainda maior. Mas é composto por inúmeras imagens queimadoras, o resultado imediato da precisão emocionante de Singer em todos os aspectos. Depois que “Luz” terminar, você só sabe que Singer está prestes a fazer um grande filme em breve.

Entre as poucas estreias mundiais de Fantasia para filmes que você definitivamente deveria estar atento, há “ Câmera ”, uma peça de terror baseada em personagens que se concentra na crise existencial da cam girl Lola (cujo nome verdadeiro é Alice, e é interpretada com destreza por Madeline Brewer), que inicialmente começa quando ela é bloqueada em sua conta de transmissão de vídeo. Mas as coisas ficam super estranhas quando alguém que não é ela, mas se parece exatamente com ela, começa a transmitir sob essa mesma conta. E para seu completo horror, mas também a alegria de seus fãs raivosos, essa outra versão de Lola vai além das regras que ela estabeleceu anteriormente para si mesma (como nenhuma nudez), alimentando seu desejo de controlar tanto a verdadeira quanto a falsa Alice.

Escrito por Isa Mazzei (a partir de uma história de Mazzei, do diretor Daniel Goldhaber e Isabelle Link-Levy), tudo tem muito ar de um episódio de longa-metragem “Black Mirror”, que fala de sua qualidade, mas também de suas limitações . “Cam” é um pesadelo emocionante inspirado em algo não tanto quanto incompreensível, mas silenciosamente perturbador, trazendo muitas questões à discussão: sua perda de agência, o apetite insaciável por espectadores que estão objetificando a cam girl a quem eles constantemente recebem fichas. , e até que ponto os homens não ouvem as mulheres quando precisam de ajuda. A diretora de fotografia Katelin Arizmendi fornece uma visão sóbria do negócio, a natureza de fantasia colorida do local de trabalho de uma cam girl justaposta à luz do dia dos acontecimentos realmente estranhos.

Mas, assim como os episódios de “Black Mirror” às vezes podem se concentrar em uma ideia com alguns tópicos de discussão ao longo do caminho, “Cam” parece um pouco fraco com sua história. Isso gera batidas repetidas, como quando Alice é constantemente perturbada pela imagem dela que os outros estão vendo, enquanto as pessoas não acreditam nela. É o desenvolvimento do personagem neste caso que torna os acontecimentos da história mais intrigantes, pois vemos diferentes tons de homens que escolhem o que querem acreditar sobre o que ela tem a dizer, sem ter seus próprios limites ao interagir com ela como Alice. , não Lola.

Ainda assim, o curta é uma excelente vitrine para Brewer, que carrega esse filme por tantas passagens tensas e ajuda os espectadores a reconhecer imediatamente o humano complicado por trás da câmera, e Goldhaber, que pega um tom robusto e corre com o horror disso. O final parece um pouco de fuga, mesmo com todas as questões existenciais flutuando em torno de sua história. Mas é uma jornada estranhamente bizarra até esse ponto, ao mesmo tempo em que oferece um retrato cheio de nuances e sincero de trabalhadores solitários na indústria do sexo.