Festival de Cinema de Veneza 2017: “Our Souls at Night”, “Brawl in Cell Block 99”, “Zama”

Esta é a minha terceira vez no Festival de Cinema de Veneza e ainda não peguei o jeito de escolher a hora certa de chegada, o que é minha explicação provavelmente insuficiente para não ter visto o tão falado “Downsizing” e “The Shape of Water” .” Além disso, quando cheguei na quinta-feira à tarde, meu táxi aquático teve problemas para encontrar uma vaga de estacionamento quando chegou ao Lido, e então meu carro para o hotel estava 20 minutos atrasado, então não pude ver um único filme até cinco. Mais do que você provavelmente queria saber, mas eu sempre quis usar a fase “meu táxi aquático teve problemas para encontrar uma vaga de estacionamento” em uma frase.

A foto que vi aos cinco anos foi uma das três produções da Biennale College que estou avaliando para um painel a ser realizado na segunda-feira, e escreverei sobre elas depois do painel. Sexta-feira pude ver quatro filmes, um deles outro trabalho da Biennale College. O dia começou com “Nossas Almas à Noite”, o filme reunindo lendas da tela Robert Redford e Jane Fonda pela primeira vez em décadas. Por alguma razão, a ideia de uma reunião Redford/Fonda me fez pensar nos dois velhos codgers interpretados por Nick Kroll e John Mulaney na comédia de sucesso da Broadway “Oh, Hello” implorando por uma sequência de “Barefoot in the Park” sessenta anos depois. “Nossas Almas à Noite” não é isso; nem é a sombria peça de câmara que seu título de alguma forma sugere.

O filme começa com vislumbres de uma cidade ridiculamente idílica do Colorado, onde nenhuma farmácia franqueada ou restaurante de fast-food mancha a Main Street. No entanto, o viúvo de Redford, Lou, preparou macarrão com queijo no microondas para o jantar. Depois disso, Addie de Fonda, ela mesma viúva, visita Lou com uma proposta inusitada: que eles passem uma noite, e talvez mais de uma, dividindo a cama. Não para sexo, Addie insiste; ela há muito tempo perdeu o interesse nisso. Não, por companheirismo. Quando você está velho e sozinho, as noites são difíceis.



“Our Souls at Night” é talvez um terço de um bom filme. As estrelas são as estrelas, e a premissa não é ruim, mesmo que leve a alguns caminhos previsíveis. “É o tipo de filme que faz você sentir muita falta de Leo McCarey”, eu disse a um colega crítico mais tarde naquele dia. “Glenn, você é tão classicista”, ele respondeu. “Não, eu só gosto de BONS DIRETORES,” eu disse. O diretor aqui, Ritesh Batra , tem uma tendência a investir quase todas as fotos com cerca de 16 toneladas de portento, sufocando o humanismo que Redford e Fonda estão trabalhando duro para transmitir.

“Briga no bloco de celas 99” trabalha duro e consegue transmitir muitas coisas, e o humanismo não é uma delas. Ou é? Se esta foto maluca de “ Bone Tomahawk ” o diretor S. Craig Zahler encontra uma audiência em seu lançamento nos EUA, espere que seja veementemente argumentado a favor e contra, começando com a grande cruz azul tatuada na parte de trás da cabeça raspada de seu personagem principal. A única coisa sem graça sobre este filme é o título. “Brawl” mal começa a cobrir o que acontece no bloco de celas titular.

O filme realmente deveria ter se chamado “Bradley”, que é o que o ator principal Vince Vaughn O personagem insiste que todos o chamem depois de já o chamarem de Brad. O filme começa com Bradley sendo demitido de seu trabalho de mecânico de automóveis, o que o leva a voltar para casa mais cedo, após o que ele testemunha algo que o obriga a literalmente bater em um carro. Você pode ter visto isso no trailer. É uma loucura, mas depois disso o filme meio que se acalma, mantendo uma tensão terrível.

A imagem realmente se move para outra dimensão, uma de violência espetacular entre outras coisas, quando Udo Kier Aparece. Aqueles de vocês que conhecem o ator alemão sabem que ele não é o tipo de cara que geralmente aparece em um filme de Vince Vaughn. É estranho. De propósito. Curti ' O Lote Ruim ”, que foi exibido em Veneza no ano passado, este é um filme americano que é ousado de maneiras potencialmente alienantes. Eu não estava alienado, mas sim perturbado e encantado, e bastante admirado com muitas de suas características, incluindo a trilha sonora de música soul-music vintage co-escrita pelo diretor e cantada por muitas estrelas da velha escola, incluindo Butch Tavares.

A programação deste festival diz do diretor argentino Lucrezia Martel , “seu trabalho foi aclamado nos festivais de cinema mais importantes do mundo”. Verdade, e como deveria ser, já que ela é uma das cineastas mais distintas e genuinamente visionárias que trabalham hoje. Seu novo filme, 'Permanecer,' é o primeiro em nove anos, aparentemente um pesadelo para completar, e uma adição extremamente bem-vinda a este festival. E, no entanto, é um filme difícil de digerir completamente no contexto de um festival.

O filme de Martel, uma adaptação de um romance de Antonio di Benedetto, é uma visão astuta e formalmente engenhosa da narrativa épica histórica e do próprio colonialismo. Seu personagem-título é um magistrado politicamente impotente, representante da coroa espanhola no que se tornará o Paraguai no final do séc. º século. O filme começa com ele fazendo uma falsa pose histórica mundial em uma praia, antes de se retirar para os juncos para tentar se masturbar nas proximidades de algumas mulheres indianas que se banham na lama. Isso vai mal.

Zama é um funcionário que não consegue ser respeitado, e grande parte do filme gira em torno de sua tentativa malsucedida de transferência para outra localidade, uma busca que vai tão bem quanto a tentativa de K. de entrar no castelo naquele romance de Kafka. Os visuais exuberantes se tornam chocantes a qualquer momento, e a trilha sonora destaca o zumbido do mundo natural tanto quanto o diálogo; tons eletrônicos também abundam, dando um ar de anacronismo proposital. Os personagens falam as falas fora de hora, ou as repetem sem motivo, mas o filme não persegue nenhum tipo de ideia de “perdido em um sonho”; à luz de Martel, isso seria imperdoavelmente sentimental.

Há momentos em que o filme, com suas recorrências e reciclagem de atores e motivos visuais flutuantes, parece que “O Manuscrito de Saragoça” nunca teve a premissa real de seu dispositivo de enredos de aninhamento explicitamente revelado. Não é bem isso, mas é o mais próximo que vou chegar depois de uma visualização no final do dia. Alguns de meus companheiros críticos viram isso três vezes aqui nos últimos três dias, e não posso dizer que os culpo.