Festival de Cinema de Veneza 2018: Suspiria, Peterloo, The Ballad of Buster Scruggs, Não-Ficção

No futuro, se houver, os historiadores do cinema que narram a morte do cinema de autor citarão Luca Guadagnino de 'Suspirando' como o ponto em que esse modo de fazer cinema entrou definitivamente em sua fase decadente. Este remake vazio, cheio de coisas, feio e impensado – Guadagnino aparentemente prefere o termo “versão cover” – do filme grindhouse-surreal de 1977 dirigido por Dario Argento é uma conquista de tirar o fôlego no sensacionalismo oco e sabe-algo que merece totalmente ser chamado de “pretensioso”. E várias outras coisas.

Anunciando-se como um filme em “Seis Atos e um Epílogo”, “Suspiria” se passa no ano em que o primeiro filme foi lançado, 1977, em Berlim dividida, quando o sequestro do voo 181 da Lufthansa, relacionado a gangues Baader-Meinhof, está ocorrendo . Um jovem estudante de uma academia de dança está convencido de que o lugar está sendo administrado por bruxas; ela tenta freneticamente convencer seu psiquiatra, que escreve “delírios” em seu caderno. Essa garota desaparece; mais tarde é especulado (incorretamente) que ela se envolveu demais com grupos radicais na cidade dividida. O psiquiatra, interpretado pelo “recém-chegado” Lutz Ebersdorf (que muitos pensam ser o coadjuvante do filme Tilda Swinton em maquiagem de homem velho), é torturado pela perda de sua esposa na Segunda Guerra Mundial. Eu trago esses dois tópicos em particular porque eles não existem no filme Argento e representam a tentativa deste filme de fazer sua história de terror sobrenatural ressoar com temas e tragédias do mundo real.

Mas, na verdade, é uma cooptação ofensiva e oportunista da história, o que torna o filme pretensioso. O que o torna repelente é a marca hifalutina de misoginia dos pedais suaves (incansavelmente) e as imagens de horror deliberadamente excessivas que jogam com alegria risonha. O que quer que você pense sobre “Suspiria” de Argento ou seu trabalho em geral, você tem que admitir que seu sadismo mórbido parece surgir de um impulso autêntico.



Para Guadagnino, a carnificina simulada é apenas mais um aplicativo. Estou quebrando a cabeça para encontrar outro exemplo de um caso em que um diretor usou sua total liberdade artística com o objetivo de ostentar sua absoluta falta de convicção artística. E não estou conseguindo muito. Se você amou “Call Me By Your Name”, você não reconhecerá “Suspiria”. É muito ruim para os meus propósitos que eu não tenha odiado completamente ' Me Chame Pelo Seu Nome ”, porque se eu tivesse, eu poderia dizer além disso que se você adorasse “Me Chame Pelo Seu Nome”, você merecer 'Suspirando.'

Um cheiro de diretor que me sinto um pouco pior em chamar de cheiro é 'Peterlo' Mike Leigh 's sobre o massacre em St. Peter's Field em Manchester, Inglaterra, em 1819. O período é aquele sobre o qual Leigh estava ansioso para fazer um filme há muito tempo, e é fácil entender o porquê. O protesto pacífico que terminou com quinze mortos e várias centenas de feridos foi um marco na luta das classes trabalhadoras da Inglaterra. E se você tomar nota da data, pode calcular que essa luta foi travada bem antes de Marx e Engels e seus confrades deixarem sua marca. (Antes mesmo de Engels nascer, acontece; o próprio Karl tinha cerca de um ano de idade.) A política nunca está longe do trabalho de Leigh, e ele tem um interesse especial pela luta de classes. Seu filme é um épico sobre os impotentes e não sobre os poderosos. Ele narra os esforços de jornalistas, trabalhadores e facções da classe alta esclarecida para fazer campanha por salários dignos e representação no norte da Inglaterra, onde a industrialização estava se firmando e criando, entre outras coisas, novas maneiras de explorar e alienar trabalho humano.

Infelizmente, a paixão de Leigh pelo material parece tê-lo levado a abordá-lo de um ângulo mais pedagógico do que artístico. Isso resulta em um filme que é muitas vezes, como um colega disse, “morto em seus pés”. Quando os malvados magistrados da região (todos esses tipos são retratados com um desdém caricatural que parece mais E Russel do que Leigh) suspendem o habeas corpus, há uma discussão séria sobre o termo em um escritório de jornal, com editores franzindo as sobrancelhas sobre como explicar o termo para um leitor sem instrução. William Faulkner uma vez explicou seu problema com scripts Howard Hawks ’ “Terra dos Faraós”, observando que “não sabíamos como um Faraó falava”. Há pouco sentido convincente de como a conversa em 1819 aconteceu neste filme. E a encenação de cenas de multidão de Leigh, e o próprio massacre, ressalta que, apesar de toda a sua maestria em outras áreas, a cinética cinematográfica não é sua bagagem.

Olivier Assayas sai um pouco de sua zona de conforto com 'Não-ficção, ” que à primeira vista parece uma imagem da vida nestes tempos no modo de “ Horário de verão .” Nesse filme, uma família ponderou sobre como se desfazer de um legado artístico deixado a eles por um parente querido, estimulando muitas conversas inteligentes sobre a função e o valor utilitário da arte hoje. Em “Não-Ficção”, o personagem principal (interpretado com o pico de raposa masculina de meia-idade por Guilherme Canet ) é editor de uma editora respeitada tentando descobrir como propagar a literatura na era digital. Isso leva a muitas conversas agradáveis, mas intensas, sobre e-books, blogs, Twitter, todas as coisas que as crianças gostam.

Mas este filme é menos uma investigação genuína sobre essas questões do que uma comédia sexual. O editor de Canet recusa um novo manuscrito de um de seus autores de longa data, um schnook desgrenhado interpretado por Vicente Macaigne na performance mais engraçada que já vi em um filme francês nos últimos tempos — o cara é praticamente um gaulês Dia de Charlie . A esposa de Canet, interpretada pelo sempre transcendente Juliette Binoche , teme que o marido esteja tendo um caso, e ele está, com o novo e elegante gerente digital de sua empresa. Mas a personagem de Binoche tem suas próprias coisas, e meu queixo caiu quando descobri. Este é um filme sexy e divertido, cheio de zingers, mas também parece um pouco menos pessoal do que muitos dos filmes de Assayas, talvez em parte porque não está cheio de músicas que ele ama. E isso não é uma coisa ruim. Quando o filme termina, com uma música que o diretor claramente ama, sente-se um contentamento especial por ter experimentado essa demonstração refinada e irônica de que tolos nós, mortais, somos.

Se Joel e Ethan Coen 'Salve, César!' deixou você impaciente para quando os cineastas irmãos fossem ficar sérios novamente, tenho boas e más notícias. “A Balada de Buster Scruggs”, o filme de antologia que não é tanto uma coleção de histórias de faroeste, mas uma coleção de histórias sobre histórias de faroeste, é tão pateta, se não mais pateta, do que “Ave, César!” É ao mesmo tempo tão obcecado pela morte quanto qualquer filme que eles já fizeram, e tão fatalisticamente mordaz quanto “ Um homem sério .”

Abrindo com a imagem de um livro de histórias, “Ballad” abre com a história-título, sobre um cowboy cantor muito alegre de nome Scruggs, que depois de quebrar a quarta parede em música e diálogo, revela um “ Desejado ” pôster que o anuncia como “O Misantropo”. Interpretado por Tim Blake Nelson exibindo seu sorriso mais hilário, ele não PARECE um rabugento logo de cara. Logo aprendemos que ele vai matá-lo assim que olhar para você, literalmente. Então tem isso. Esta história considera a máxima de que, se você é o atirador mais rápido do oeste, sempre há um cara que vai querer provar que é mais rápido. A próxima história, com James Franco como um ladrão de banco que tem sorte, existe apenas por causa de uma piada de duas palavras que é uma das mais engraçadas da filmografia de Coen. As coisas ficam extremamente sombrias em “Refeição” e possivelmente ainda mais sombrias em… bem, eu não quero dizer.

Este filme tem muito nele; com 133 minutos, é apenas um pouco mais longo do que “No Country For Old Men”, que acredito ter sido o filme mais longo que esses cineastas muito apertados fizeram até agora. Mas é extremamente rápido e muito bem trabalhado. Por mais que o filme seja um pastiche, fica claro que os cineastas pesquisaram os detalhes do período; e eles se divertem muito, como costumam fazer, com o uso verbal, deleitando-se com a locução ornamentada usada pelos personagens dos westerns pulp. ( Zoe Kazan consegue pronunciar “apofthegm” em uma linha.)

Eles também aderem à convenção pulp no retrato dos nativos americanos, o que eu imagino que vai levantar algumas sobrancelhas quando o filme chegar aos espectadores nos Estados Unidos. A lógica disso é genuína, mas as pessoas que reclamaram da falta de diversidade em “Ave, César!” não vão encontrar muito para aplacá-los aqui. Na verdade, eles podem acabar se sentindo subtweetados, o que seria ridículo, porque ninguém realiza uma produção tão grande só por um subtweet.