“Rat Film”, “Whose Streets?”, “The Cinema Travelers” entre os destaques do DOC10 Film Festival

“Trudy, a peça era sopa, o público, arte.” — trecho de Jane Wagner de A busca por sinais de vida inteligente no universo

Iluminados pela luz projetada de uma miragem cinematográfica, os olhos do público brilham de admiração e deleite. Suas expressões sugerem que as imagens que se espalham na tela diante deles estão afirmando sua existência e, ao mesmo tempo, dando-lhes algo com o que sonhar e talvez aspirar a se tornar. São esses momentos, capturados em fotografias, que provam ser os mais inesquecíveis em Shirley Abraham e Amit Madheshiya “ Os viajantes do cinema ”, um dos dez documentários que estreiam em Chicago no segundo DOC10 Film Festival anual, que acontece de quinta-feira, 30 de março, até domingo, 2 de abril, no Teatro Davis, 4614 N. Lincoln Ave. A edição inaugural do ano passado do festival incluiu o vencedor do prêmio Sundance de Rokhsareh Ghaem Maghami e indicado ao Spirit Award, “Sonita”, que se tornou meu filme favorito de 2016 (e atualmente está disponível para streaming na Netflix). A programação deste ano, apresentada pelo Chicago Media Project e programada por Anthony Kaufman, promete ser igualmente forte, começando com uma noite de abertura dupla de “Step”, de Amanda Lipitz, sobre um grupo de dança do ensino médio em Baltimore, e Steve Virga “Sweet Dillard”, um perfil do Dillard Center for the Performing Arts na Flórida.

Para esta prévia, selecionei mais oito filmes que merecem sua atenção, começando com o vencedor do prêmio Cannes “The Cinema Travelers”, uma ode dolorosamente agridoce aos últimos cinemas itinerantes restantes da Índia. Em meio ao caos das atrações carnavalescas, os showmen conquistam a atenção das multidões ao oferecerem filmes em sua língua nativa. A palhaçada inadvertida ocorre quando um homem pula em um caminhão de cinema em ruínas, e a camaradagem profana entre os mágicos nos bastidores é divertida. No entanto, o retrato de Abraham e Madheshiya do cinema como um meio cada vez mais arcaico deve tocar o coração de muitos cinéfilos. Os projetores enfermos se assemelham a corpos em ruínas e, quando um deles é cortado em pedaços, deixa um impacto inquietante. Os projetores digitais trazem clareza recém-descoberta às imagens, mas também apresentam uma série de novos problemas, como atualizações de software que exigem uma conexão com a Internet muitas vezes inexistente.

As cenas mais adoráveis ​​do filme centram-se em Prakash, um especialista em projetores que fala com eloquência sobre como a vida humana se reflete na estrutura das máquinas. Ele nomeou seu projetor notável, feito por si mesmo, uma escolha apropriada, considerando que seu nome significa “luz que dissipa a escuridão”. Mesmo depois que seu negócio não existe mais, Prakash continua encontrando novas maneiras de inventar e criar, incorporando sua crença de que a imaginação é a ferramenta mais importante da humanidade. À medida que a câmera inquisitiva observa desenhos e esculturas rupestres com milhares de anos, ela apresenta aos espectadores a noção humilhante de que o cinema ainda pode estar em sua infância, e as tiras de filme foram apenas seu primeiro estágio.

Os viajantes do cinema ” às 16h no sábado, 1º de abril.

“Deveríamos ser um barômetro para o resto do mundo”, observa um homem nas Ilhas Faroé, um local isolado longe de qualquer país industrial que, no entanto, foi contaminado pelos hábitos de queima de carvão de nossa espécie. A deterioração do ambiente subaquático tornou a carne de baleia, a principal fonte de alimento dos ilhéus, imprópria para comer, devido ao aumento dos níveis de mercúrio. “Devemos colocar a tradição antes da saúde?” pergunta a um apresentador de rádio local. Parece uma pergunta óbvia, mas Mike Day “ As ilhas e as baleias ” investiga as complexidades da identidade faroense e como ela é construída em grande parte na mitologia transmitida através das gerações. Sua crença na “bondade” inata das baleias ajuda a alimentar sua negação coletiva, assim como as palavras levianas de ativistas dos direitos dos animais, cujo conselho correto, mas simplista (“Seja vegetariano!”) os faz parecer imperialistas culturais para os ilhéus descontentes. . Sim, as imagens de baleias guinchando sendo esfaqueadas até a morte são horríveis para a sensibilidade ocidental, mas também vale a pena notar que muito poucos de nós, carnívoros, precisam matar nossa própria comida para sobreviver.

Há ecos aqui de Peter Landesman O subestimado “Concussion”, um filme biográfico do patologista que descobriu que o amado esporte americano de futebol se tornou muito prejudicial para os humanos jogarem, resultando em vários casos de danos cerebrais (também um efeito colateral do consumo de carne de baleia). No entanto, enquanto o patologista não tinha vínculos com esportes, o denunciante no filme de Day, Dr. Pal Weihe, cresceu na cultura e está bem ciente de quão difícil será convencer o público a aceitar os fatos. Um dos grandes prazeres do filme é sua fotografia suntuosamente assombrosa, especialmente durante as cenas noturnas da paisagem, onde o reflexo da lua na água lembra uma pintura a óleo. Há também uma frieza melancólica nessas imagens, transmitindo o crepúsculo invasor do sustento dos ilhéus. Aprendemos que o desaparecimento do plâncton livrou os mares de comida para os pássaros Puffin comerem, selando seu destino de extinção nas próximas duas décadas. Shaul Schwarz e o “Troféu” de Christina Clusiau, também exibido no DOC10 deste ano, oferece outra perspectiva sobre a responsabilidade dos caçadores para com suas presas ameaçadas. Independentemente do ponto de vista das questões, não há como negar que a poluição trará o fim de muitas coisas, incluindo nós mesmos.

As ilhas e as baleias ” às 13h30 de domingo, 2 de abril. Seguido por uma sessão de perguntas e respostas com Mike Day.

Tali Shemesh e Asaf Sudry “ Morte no Terminal ” é o filme mais curto do festival deste ano, com pouco mais de 50 minutos, mas é tão potente quanto as outras seleções. Os momentos de abertura consistem em imagens de vigilância em um terminal de ônibus israelense, com passageiros vagando em direção a seus respectivos destinos enquanto uma música mediterrânea suave toca nos alto-falantes. De repente, tiros são disparados e a tranquilidade irrompe em completo caos. O que a princípio parece ser uma homenagem a almas corajosas que ajudaram as vítimas em uma fração de segundo (a la Keith Maitland de “ Torre ”) se transforma em algo muito mais sombrio: um elogio ao nosso senso coletivo de segurança e às vidas inocentes que foram e serão perdidas na balança. Há imagens gráficas do suspeito terrorista sendo baleado e espancado enquanto jazia em uma poça de seu próprio sangue. Um agente penitenciário defende sua decisão de chutar o homem caído na cabeça como medida de precaução para evitar que ele detone uma bomba invisível. A maré começa a mudar quando Moshe Kochavi, um voluntário do Kibutz Samar, começa a suspeitar que o moribundo pode não ser um terrorista. À medida que a cena se transforma em linchamento, Kovachi protesta contra a violência, chamando a multidão de “selvagens”.

Outro espectador concorda com Kovachi, mas prefere ficar em silêncio. Em entrevistas realizadas muito tempo depois, o homem admite que teria falado se fosse judeu, mas, como árabe, estava com muito medo. Um batimento cardíaco sinistro permeia a trilha sonora quando a tragédia começa a se tornar mais clara, mesmo quando levanta mais questões. Shemesh e Sudry efetivamente fazem o público se sentir tão desorientado quanto as pessoas no terminal, nunca fornecendo nenhuma filmagem do terrorista real, enquanto em um ponto, cortam para filmagens de um homem empunhando uma arma que poderia ter sido confundido com o suspeito ensanguentado. . Mas, como a sequência final de imagens rebobinadas ilustra com clareza devastadora, o homem que perdeu a vida nas mãos das outras vítimas do terror estava simplesmente no lugar errado na hora errada. Se a cor de sua pele desempenhou um fator no mal-entendido é um tópico importante para a discussão pós-filme.

Morte no Terminal ” às 21h15 no sábado, 1º de abril. Seguido por uma sessão de perguntas e respostas com Tali Shemesh e Asaf Sudry via Skype.

O ano passado nos trouxe Robert Greene de “ Kate interpreta Christine ”, um híbrido ousado de documentário e dramatização que seguiu a atriz Kate Lyn Sheil enquanto ela se preparava para um recurso narrativo falso no qual ela interpretou Christine Chubbuck, uma repórter que cometeu suicídio no ar por razões que ainda estão sendo debatidas. Greene confronta diretamente a natureza potencialmente exploradora de tal projeto, terminando com Sheil castigando o público por querer vê-la reencenar o momento em que Chubbuck deu um tiro na cabeça.

Este ano, a Netflix traz-nos “Kitty Green” Elenco JonBenet ”, uma imagem inicialmente desconcertante de ambição semelhante. O título em si é enganoso, já que não mostra meninas fazendo testes para o papel de JonBenet Ramsey, a rainha da beleza de seis anos cujo assassinato não resolvido em 1996 tomou a mídia de assalto. O que mostra, em vez disso, são audições para os papéis dos vários atores-chave em sua vida e possíveis suspeitos em sua morte - principalmente seus pais, Patsy e John. No começo, achei estranho que nenhuma das pessoas que estavam fazendo o teste se parecesse em nada, e dificilmente pareciam ser atores. A recusa de Green em incluir uma única fotografia da família Ramsey real só aumenta a confusão. Foi mais ou menos na metade do filme que a genialidade do filme começou a despontar em mim.

Os “atores” que Green selecionou para o teste para sua narrativa falsa são membros da mesma comunidade do Colorado onde os Ramseys viveram. Sua discussão durante as audições, filmada no estilo padrão de “cabeça falante”, faz com que eles não apenas analisem suas próprias percepções do crime, mas também reflitam sobre a dor que enfrentaram pessoalmente – de irmãos assassinados e pais alcoólatras a vizinhos pedófilos. Alguns deles até relatam momentos em que ficaram assustados com sua própria capacidade de raiva, como a mãe ainda atormentada pela culpa pelas lembranças de gritar com seu filho por ter falhado no treinamento do penico.

Ao se concentrar apenas nessas confissões em vez de recorrer a imagens de arquivo, Green frustra brilhantemente nossas perspectivas voyeurísticas enquanto volta nossa atenção para dentro, convidando-nos a examinar o que nossas obsessões dizem sobre nós mesmos. Isso é lindamente expresso nos momentos finais do filme, já que várias pessoas escaladas como Patsy e John ocupam o mesmo cenário, encenando os mitos e teorias amplamente divulgados que, de certa forma, definiram suas próprias vidas. Então as luzes se apagam, o cenário é esvaziado e uma atriz estranhamente parecida com JonBenet é deixada sozinha, dançando na escuridão ao som de “There She Is, Miss America”. Lá está ela, de fato, um objeto de pureza e inocência que a América adora celebrar tanto quanto adora sexualizar e destruir. Quem quer que seja a garota real, no entanto, está perdido para as eras.

Elenco JonBenet ” às 19h no sábado, 1º de abril. Seguido por uma sessão de perguntas e respostas com Kitty Green.

Considerando que muitas das seleções deste ano são elogios de uma forma ou de outra, parece justo que entre elas esteja a de Vanessa Gould “ Óbito ”, um relato recém-saído das prensas do departamento da New York Times dedicado a cobrir vidas que expiraram recentemente.

A descrição do trabalho pode parecer deprimente no papel, mas esses jornalistas provam ser tão animados quanto muitos de seus assuntos, cujas realizações geralmente ocupam a maior parte da contagem de palavras. Uma série de breves vinhetas mostra a vida excepcional de sujeitos do passado, incluindo John Fairfax, o primeiro remador de empréstimo a atravessar o oceano, cujo obituário escrito por Margalit Fox foi considerado “fodão” pelos leitores. Gould segue a evolução completa de um obituário particular escrito por Bruce Weber ( agora um ex-membro do departamento ) sobre William P. Wilson, conselheiro do presidente Kennedy que se aproveitou do poder da televisão durante o primeiro debate televisivo do candidato com Nixon. Embora Nixon possa ter vencido a batalha de ideias, ele perdeu visualmente com os espectadores, com seu terno mal ajustado e rosto coberto de suor contrastando com o fascínio de estrela de cinema de seu oponente. Igualmente intrigante é o passeio de Dan Slotnik pelo New York Times “morgue” que abriga inúmeros arquivos de fotos e obituários pré-escritos para as celebridades, políticos e personalidades notáveis ​​ainda entre nós. Ele mostra ao espectador um instantâneo de valor inestimável de dois anos de idade Pete Seeger que encapsulava sua vida de maneiras que nenhuma palavra jamais poderia.

Por mais divertido que tudo isso seja, o filme se torna ainda mais forte quando se concentra nas minúcias do próprio jornalismo – a estrutura de cada obituário, o aperfeiçoamento de uma pista, a busca por pequenos detalhes que irão reforçar a narrativa. Várias pausas para o café são essenciais para escritores quando pressionados com prazos diários para abranger a totalidade de uma vida, às vezes com apenas 500 palavras (“Não tenho tempo para escrever tão curto!”, um repórter protesta descaradamente).

Embora o New York Times é uma das muitas publicações respeitáveis ​​que foram notoriamente impedidas de participar de coletivas de imprensa da Casa Branca por causa de suas supostas “notícias falsas”, este filme é uma prova dos esforços feitos por cada escritor para acertar seus fatos e o potencial estressante para erros que os fazem perder o sono. O embelezamento dos mitos familiares é um perigo que eles devem estar atentos ao abordar todos os assuntos, evitando qualquer tipo de “linguagem marcante” na impressão da verdade. Talvez o maior desafio do trabalho seja sua imprevisibilidade inata. Enquanto outros redatores da equipe podem estruturar suas horas de trabalho de forma mais previsível, o Grim Reaper, infelizmente, nunca dorme. O tapete pode ser puxado sob a agenda de um escritor a qualquer momento, como no caso de Michael Jackson , dando aos repórteres poucas horas preciosas para fazer justiça à falecida lenda com uma competitividade que foi intensificada exponencialmente pela internet. Quanto mais você ama (e perde o sono) escrever, mais você tem a garantia de amar este filme.

Óbito ” às 16h de domingo, 2 de abril. Seguido por uma sessão de perguntas e respostas com Vanessa Gould e Bruce Weber.

Para um obituário espirituoso de longa-metragem, não procure mais do que John Scheinfeld de “ Perseguindo Trane ”, uma homenagem ao saxofonista e compositor de jazz pioneiro, John Coltrane . Embora o jazz ainda seja confundido com a música do diabo, Coltrane o via como a música de Deus. Não um Deus adorado por uma fé em particular, mas um que transcendeu todos eles, muito parecido com o elefante erroneamente identificado pelos cegos. Coltrane encontrou maneiras engenhosas de unificar o público através do poder da arte, apresentando um riff audacioso em “My Favorite Things” que trouxe os fãs da Broadway para os clubes de jazz.

O título do filme, “Chasing Trane”, faz referência às palavras de um fã japonês que se tornou o colecionador nº 1 de recordações de Coltrane. No entanto, ao tentar descrever como se sentiu sobre o show de Coltrane no Japão - realizado um ano antes da morte do músico aos 40 anos - o homem fica tão emocionado que simplesmente pronuncia: 'Não há palavras'. De fato, nenhuma palavra é ouvida do próprio Coltrane durante a foto. Denzel Washington lê passagens da escrita do músico, que são uma adição bem-vinda, embora Scheinfeld sabiamente permita que a própria voz de seu assunto seja transmitida através de sua arte atemporal. Ele “falou de política” em sua música, homenageando as vítimas do atentado à igreja batista de 1963 com sua música “Alabama”, enquanto canalizava o lamento dos pregadores em suas composições com o objetivo de elevar a consciência espiritual de seus ouvintes.

Como seria de esperar, o filme sobe sempre que se prolonga nas filmagens dos solos de tour de force de Coltrane, particularmente aquele que ocorre durante a gravação de Milhas Davis ' Álbum marcante de 1959, Tipo de azul . Amigos, colegas e seus filhos compartilham histórias do homem e seus relacionamentos com mentores como Thelonious Monk e Dizzy Gillespie, enquanto citam o uso de “tempo duplo” por Charlie Parker como a técnica que alterou seus objetivos de carreira. O filme não tem uma certa complexidade em relação ao retrato da vida pessoal de Coltrane. Nós nunca temos uma noção das lutas que ele levou para superar seu hábito de beber, nem as razões pelas quais seu primeiro casamento desmoronou. A inclusão de Bill Clinton como sujeito de entrevista faz sentido, suponho, à luz de sua propensão para saxofones, mas sua presença serve como uma distração.

Apesar dessas queixas, o filme de Scheinfeld é um deleite consistente para os sentidos, começando com sua abertura cósmica que faz referência tanto “ Contato ” e “Close Encounters of the Third Kind” em sua expressão da textura metafísica na música de Coltrane. Mesmo quando suas músicas se tornaram estridentes e confusas no final, Coltrane estava sempre buscando algo maior em seu trabalho, tanto filosoficamente quanto artisticamente. De todas as falas ditas sobre ele no filme, a melhor vem do Dr. Cornel West: “Sua música não é um termômetro, é um termostato. Não reflete o clima, mas o molda.”

Perseguindo Trane ” às 19h de domingo, 2 de abril. Seguido por uma sessão de perguntas e respostas com o jornalista e crítico de música Neil Tesser, vencedor do Grammy, Orbert Davis da Chicago Jazz Philharmonic e o saxofonista Geof Bradfield.

Eu estava no apartamento da minha irmã em Nova York no dia em que Ferguson, Missouri, pegou fogo. A data era 24 de novembro de 2014, a noite em que um grande júri se recusou a indiciar um policial da cidade, Darren Wilson, depois que ele atirou dez balas no corpo de um adolescente negro desarmado. Michael Brown Nunca esquecerei o olhar de terror cru nos rostos dos repórteres na televisão quando um incêndio após o outro irrompeu ao longo do horizonte da cidade atrás deles. Também não vou esquecer de andar pela calçada com minha irmã e ver milhares de nova-iorquinos bloqueando o trânsito sentando-se juntos em solidariedade aos manifestantes de Ferguson. O momento mais arrepiante em Sabaah Folayan e Damon Davis” Ruas de quem? ”, um olhar no terreno sobre os protestos que está praticamente repleto de imagens abrasadoras, lembra a maior cena do Michael Moore clássico de 1989, “Roger & Me”. Ele justapôs o CEO da General Motors Roger Smith 's recitação de Dickens' canção de Natal com imagens da família de um ex-funcionário sendo despejada de sua casa bem a tempo das férias. Em “Whose Streets?”, Folayan e Davis fazem uma declaração igualmente poderosa ao fazer com que as palavras de consolo profundamente inadequadas do presidente Obama (“Há muitas pessoas boas por aí que trabalharão nessas questões”) reproduzidas em imagens da carnificina envolvendo As ruas de Ferguson, sobre as quais pende uma faixa com os dizeres “Saudações da estação”. Meros meses depois Spike Lee de “ Faça a coisa Certa ” teve sua exibição de 25 anos no Ebertfest, o filme de Lee voltou a se tornar realidade. O assassinato de Radio Raheem pela polícia e a subsequente destruição de uma pizzaria por cidadãos furiosos não é diferente do assassinato de Brown e do incêndio de uma loja de conveniência QuikTrip, que um manifestante chama de “um ato revolucionário estratégico”.

“Ruas de quem?” não deve ser confundido com “Stranger Fruit”, de Jason Pollock, o documentário sobre Michael Brown Jr., que estreou recentemente no SXSW e estimulou novas ondas de protestos em Ferguson por desenterrando imagens inéditas sugerindo que Brown não cometeu um assalto antes de sua morte. O filme de Folayan e Davis não está preocupado com os detalhes do assassinato de Brown, mas com o movimento de resistência não-violenta que inspirou em todo o país. Ele compartilha os temas de três documentários indicados ao Oscar de 2016: a raiva de um sistema ainda construído sobre a escravidão (“ 13º ”), a insegurança que leva os americanos brancos a criar a ilusão de “um outro” (“ Eu não sou seu negro ”) e o viés policial que leva as comunidades à revolta (“ O.J.: Feito na América '). Se esses filmes serviram coletivamente como um pára-raios, então “Whose Streets?” é o grito de guerra. É impossível não ficar abalado com cena após cena de policiais em equipamentos de choque e unidades K9 confrontando manifestantes com as mãos levantadas no ar, exigindo que os policiais os olhem nos olhos e reconheçam sua humanidade. Um homem grita com a polícia marchando por sua rua depois que eles disparam gás lacrimogêneo em seu gramado. Em meio a tantos horrores, surgem rostos heróicos, incluindo o de Brittany Farrell, uma estudante de enfermagem que leva sua filha a protestos e está empenhada em desafiar as ideias de normalidade. Ela encarna o espírito extraordinariamente feroz de um movimento lançado por aqueles americanos que foram sistematicamente levados a sentir que suas vidas não importam. É o tipo de movimento que pode mudar o mundo e, considerando a investigação do Departamento de Justiça que levou o chefe de polícia de Ferguson a renunciar, já mudou.

Ruas de quem? ” às 18h45 de sexta-feira, 31 de março. Seguido por uma sessão de perguntas e respostas com Sabaah Folayan e Damon Davis, bem como Kofi Ademola do Black Lives Matter Chicago, Luna White do BYP100 e Charles Alexander Preston da Church no dia 9.

Concluindo minha prévia do DOC10 é uma foto que já garantiu um lugar na minha lista dos melhores filmes do ano. “ Filme Rato ” marca a surpreendente estreia do escritor/diretor/diretor/diretor de fotografia/editor Theo Anthony, e embora seja ambientado em Baltimore, pode muito bem acontecer em Ferguson. Nas cenas iniciais de “Whose Streets?”, um homem observa como as piores escolas da cidade estão todas dentro do mesmo CEP, diminuindo as chances de alfabetização dos jovens que moram ali.

A imagem do pré-título em “Rat Film” é do bicho titular tentando desesperadamente escapar de uma lata de lixo, enquanto um narrador nos informa que os ratos podem pular 32 polegadas no ar, enquanto uma lata de lixo de Baltimore tem 34 polegadas de altura, apenas alta. suficiente para manter o roedor em seu lugar. A narração de Maureen Jones transmite a fria indiferença de Baltimore em relação a seus próprios cidadãos localizados em áreas que foram consideradas em um mapa de segurança residencial de 1937 como de alto risco financeiro devido à “homogeneidade racial” e uma “população indesejável”. 80 anos depois, esses mesmos bairros ainda sofrem com o empobrecimento cíclico e a baixa expectativa de vida. Quando vistas em um mapa de satélite, as comunidades têm uma notável semelhança com um labirinto de ratos gigante. Um dos golpes de mestre de Anthony é uma sequência em que ele muda o mapa computadorizado para um cenário que se aproxima da realidade fotográfica do bairro. As pessoas podem ser vistas de repente nas ruas, mas seus rostos estão borrados, junto com vários objetos inanimados que o computador confunde com um rosto. Sempre que o espectador tenta olhar mais de perto os edifícios, eles se separam, uma metáfora adequada de como o mundo exterior se relaciona com essas comunidades, optando por vê-los no outro cenário de satélite, onde aparecem mais confortavelmente como blocos abstratos .

Como um artista supostamente orientado por Werner Herzog , Anthony ostenta o tipo de curiosidade insaciável, olho afiado para detalhes e inteligência afiada que forma um grande contador de histórias. Ele encontra maneiras infinitamente provocativas de justapor a história de Baltimore com o surgimento de ratos em áreas urbanas, que se acredita terem sido colocados lá pelo inimigo durante a Segunda Guerra Mundial para espalhar a peste bubônica. Depois que uma resolução de 1911 que proíbe a integração é legitimamente considerada inconstitucional, Anthony mostra como a segregação se mudou para o setor privado, fazendo com que proprietários de casas negras e minoritárias fossem forçados a entrar em bairros infestados de ratos.

Uma alma gêmea de Prakash em “The Cinema Travelers” é encontrada em Harold Edmond, um trabalhador de controle de pragas cuja positividade incansável traz a alegria necessária a seus clientes. “A cidade não tem um problema de ratos, tem um problema de pessoas”, insiste, enquanto observa como os ratos tendem a florescer em áreas menos educadas, armadas com menos recursos e menos esperança. A partitura de Dan Deacon instantaneamente fica sob a pele do público, infundindo desconforto atonal em imagens de ruas da cidade que estão literalmente rastejando. Sempre que parece que Anthony pode ficar sem ideias, ele descobre outra história incrível que se sincroniza impecavelmente com os temas abrangentes de sua obra-prima. Conhecemos homens que canalizam sua frustração para caçar ratos, fortalecidos pela emoção do esporte enquanto brandem armas. Recebemos um tour pelos Nutshell Studies of Unexplained Deaths de Frances Glessner Lee, encenando cenas de crimes da vida real em cenários em miniatura que lembram os Thorne Rooms no Art Institute de Chicago. E em um flashback particularmente impróprio, aprendemos sobre os experimentos do etólogo John B. Calhoun em ratos que ele conduziu para estudar os efeitos desastrosos da superlotação, levando-o a cunhar o termo, o “sumidouro comportamental”. O celeiro onde esses experimentos aconteceram agora pode ser alugado para eventos especiais, e seus interiores reluzentes e estéreis me lembraram o Overlook Hotel. É apenas uma questão de tempo até que o sangue comece a vazar pelas portas.

Filme Rato telas às 21h15 na sexta-feira, 31 de março. Seguido por um Q&A com Theo Anthony.

Para ver o line-up completo do festival e comprar ingressos, visite o site oficial DOC10 .