Ser humano é heróico: Melora Walters em Waterlily Jaguar, Drowning, Magnolia e mais

'Agora que eu te conheci, você se oporia a nunca mais me ver?' Esta linha comovente, tirada da música de Aimee Mann, “Deathly”, é entregue por Claudia Wilson Gator ( Melora Walters ) para seu encontro, o oficial Jim Kurring ( John C. Reilly ), dentro Paulo Thomas Anderson obra-prima de 1999, “ Magnólia .” O abuso sexual que Claudia sofreu nas mãos de seu pai, Jimmy ( Salão Philip Baker ), a levou a se sentir indigna de amor, enquanto usava drogas para aplacar sua dor. Como calouro no ensino médio, “Magnolia” foi o filme que abriu as comportas para mim para as possibilidades ilimitadas do cinema, e também foi um dos primeiros filmes que minha namorada e eu escolhemos assistir durante as primeiras semanas do curso deste ano. Confinamento do covid19. Pouco mais de duas décadas desde sua estréia em 8 de dezembro, o épico dolorosamente pessoal de Anderson é mais atual do que nunca, já que seu conjunto de personagens alienados de repente se encontra intrinsecamente conectado quando um ato repentino e bizarro da natureza derruba seu senso de normalidade. Enquanto eles cantam a letra de outra música hipnótica de Mann, eles percebem que a angústia causada por seus padrões destrutivos não vai parar até que eles “acordem”.

Walters apareceu em muitas fotos que eu apreciei ao longo da minha vida, de “ Beethoven ' e ' Ed Wood ' para ' Curto Prazo 12 ” e “The Lovers” (onde ela assobia de forma inesquecível para o rival romântico de sua personagem, interpretado por Debra Ala ). No entanto, são suas colaborações com Anderson—“ Oito difícil ,” “ Boogie Nights ” e especialmente “Magnolia” – que se tornaram as mais vividamente gravadas nas memórias de inúmeros cinéfilos. Como evidenciado por seus dois primeiros trabalhos como roteirista/diretor, a capacidade de Walters de retratar a luta de indivíduos cujo trauma continuamente desloca suas mentes do momento presente é tão notável atrás das câmeras quanto na frente delas. “Waterlily Jaguar” e “Drowning”, ambos estreados online e disponíveis para transmissão em sites como o Prime Video, confirmam o dom da cineasta para obter trabalhos ferozes e ricamente texturizados de seus atores. Com produção executiva de Anderson, “Waterlily Jaguar” gira em torno de um romancista popular, Bob ( Tiago, o Grande ), cuja obsessão pela pré-histórica La Brea Woman ameaça cortar sua conexão com o mundo habitado por sua esposa, Helen ( Olha o Sorvino ).

O segundo longa-metragem de direção de Walters, “Drowning”, fala sobremaneira da preocupação atual da humanidade com a mortalidade, e foi inspirado por sua própria experiência de assistir seu filho sendo enviado para a guerra. Ela é absolutamente fascinante como Rose, a mãe de um soldado alistado, que acha cada vez mais difícil seguir sua existência cotidiana sem ficar paralisada pela ansiedade. “Eu não sou a única”, Rose reflete na voz. “Há milhões de pais e mães de soldados em todo o mundo… esperando. Demos à luz algo que sofreu e pode morrer. A gente tenta segurá-los de longe, tenta mandar amor, manda orações, manda raiva para que não morram de medo, mas não temos controle”. Um dia antes do Dia de Ação de Graças socialmente distanciado deste ano – que Walters prefere chamar de Dia Nacional da Consciência Indígena – ela e eu conversamos via Zoom sobre seus novos filmes, colaborando com Anderson, seu papel na ruidosa série “Pen15” do Hulu e a natureza inerentemente heróica de ser. humano.



É um raro privilégio conversar com alguém cuja atuação é o coração de um filme que considero um dos meus favoritos de todos os tempos, e isso certamente vale para “Magnolia”. Como você abordou retratar um sobrevivente de abuso e viciado de uma forma que subverte a caricatura a cada passo?

Para mim, como atriz, é muito importante com qualquer personagem que interpreto torná-la o mais humana possível e acessar qualquer coisa que tenho dentro de mim, mesmo que seja arquetípica, que compartilhamos desde os tempos de nossos ancestrais. Meu trabalho como atriz é tornar alguém humano, não “agir”. Paul Thomas Anderson é um gênio, e quando li seu roteiro, decidi dar tudo a ele.

Conheço pessoas que lutaram contra o vício e sobreviveram, bem como pessoas que se mataram. Nesse ponto, Philip Seymour Hoffman estava muito vivo, mas conheci pessoas antes que tiveram um destino semelhante. Eu cresci em muitos lugares diferentes e vi pessoas em seus pontos altos e baixos. As pessoas podem sofrer por algo que faria você e eu coçarmos a cabeça, mas você não é uma pessoa ruim se isso te comer vivo. Se você pesquisar o trauma do ponto de vista psicológico junguiano, há um vazio inevitável dentro de indivíduos danificados que nunca foi nutrido ou ajudado. Essas pessoas têm uma necessidade constante de algo em que não podem acreditar, mesmo que se apresente, como na forma do personagem de John C. Reilly, embora Claudia faça isso no final.

Há uma voz constante em sua cabeça dizendo: “Eu não mereço isso”. Jung fala sobre o vício em termos de necessidade de conexão espiritual, mas, novamente, sinto que é simplesmente uma necessidade de sentir que você está conectado, amado e nutrido. Em seu livro, O Gato: Um Conto de Redenção Feminina , Marie-Louise von Franz escreve sobre como as pessoas que perdem a mãe muito cedo – normalmente é a mãe, mas pode ser o pai – muitas vezes têm um vazio dentro de si como resultado dessa perda. É muito difícil operar no mundo quando nada parece seguro. Acho que foi basicamente isso que aconteceu com Claudia.

Quando eu fiz Boogie Nights, os outros atores e eu fomos convidados para os sets reais para ver como era o mundo do filme que estávamos retratando, mas eu não queria ir. No caso da preparação para “Magnolia”, conheço pessoas que eram viciadas, mas não queria ir até elas e perguntar: “Qual é a sua história?”, enquanto observava seu comportamento e tentava imitá-lo. Eu queria chegar ao cerne, que eu acho que é inconsciente, e isso estranhamente dá o tom real para esse isolamento e alienação desesperados que não podem ser preenchidos.

Conhecendo pessoas que sofreram abuso, me encontrei na posição do personagem de John C. Reilly, tentando cuidar de alguém que não está pronto para essa conexão.

Sim, você não pode funcionar normalmente porque tudo é intensificado. Tudo parece uma situação de vida ou morte, que também pode ser resultado de transtorno de estresse pós-traumático. Não é uma piada. A qualquer minuto, você sente como se um tiro de franco-atirador ou uma bomba pudesse explodir. Como você faz tudo ficar bem quando é isso que você sabe? Acho que o que havia de tão bonito em Claudia, que Paul acrescentou, era que ela estava estranhamente ciente disso, quando gritava com o pai: “Você acha que eu sou uma prostituta? Te odeio!' Há uma parte do cérebro dela que sabe, e então há aquele desligamento entre o cérebro e o sentimento inerente de que esse homem nunca vai me amar.

Escrevi um trabalho na faculdade analisando a estética daquela cena entre Claudia e seu pai. A luz do sol derramando sobre ele da janela do quarto do seu personagem quase se assemelha a uma luz de interrogatório.

Sim. Não há resolução aí. Mais tarde, quando ele vê a minha foto como uma garotinha e sua esposa – minha mãe – o confronta, ele fica tipo, “Eu não consigo me lembrar”. Embora realmente ajude quando as pessoas realmente dizem: “Sinto muito”, é de partir o coração porque, mesmo que ele se desculpe, o dano e o tecido cicatricial não podem ser removidos. Psicologicamente, você não pode remover o fato de que alguém que deveria cuidar de você o destruiu.

Falando em intensificado, a natureza operística do filme é lindamente expressa em sua cena de café com o oficial, onde a tensão cervejeira é acentuada pela “Habanera” de Bizet “ Carmem .”

Embora a ópera não estivesse tocando quando estávamos filmando, lembro-me de pensar como Claudia durante aquela cena: ‘O que devo fazer que é normal aqui porque nada é normal?' A vida durante a época do coronavírus é um estado elevado, e acho que todos estamos vendo que nada é normal, nada é seguro. A possibilidade de morte está muito próxima, que também é o que meu personagem sente em “Afogamento”. É muito difícil viver uma vida normal com a morte sentada ao seu lado. Todos sabemos que isso estará lá em nosso futuro, mas é difícil funcionar normalmente quando esse fato está constantemente preocupando nossas mentes.

É a consciência de que qualquer coisa que você mantenha na vida é intangível, o que é filosoficamente uma realidade. Heráclito fala sobre isso quando diz: “Nenhum homem pisa no mesmo rio duas vezes, pois não é o mesmo rio e ele não é o mesmo homem”. Se você realmente escolher acreditar nisso, acho que isso pode te destruir. Quando os sentidos de alguém estão tão aguçados e suas emoções estão muito na superfície, é assim que se sente.

Assim como o assassinato em “ Nashville ” e o terremoto em “ Atalhos ”, a chuva de sapos em “Magnolia” ilumina nossa interconexão ao interromper as rotinas de nossas vidas, assim como o COVID-19 fez para toda a raça humana.

Exatamente. No caso do vírus, você é informado sobre o que fazer. Você usa máscara, limpa as mãos, toma banho quando vai para casa ou faz gargarejos com água salgada. Existem alguns sites factuais que documentam a propagação do vírus diariamente, e eu me encontrei acompanhando os números. Os apresentadores podem dizer o que quiserem, mas um número é indiscutível, assim como um aumento ou diminuição. Este vírus tem sido como um pedregulho. É só descer o morro tirando tudo, mas essa é a essência da natureza. Não há emoção envolvida. Um furacão não é como, ‘Hooray! Acabei de nocautear Nova Orleans!” É apenas um furacão. Os incêndios na Califórnia não têm apego emocional ao que estão destruindo. Isso é muito assustador. Os sapos chovendo do céu no final de “Magnolia” provocam muito aquele sentimento de incredulidade com o qual estamos vivendo este ano.

(Acima) Valeria Ciangottini em Frederico Fellini de “ A doce vida .” Cortesia de The Criterion Collection. (Abaixo) Melora Walters em “Magnolia” de Paul Thomas Anderson. Cortesia de New Line Cinema.

A cena final segurando seu rosto enquanto você olha para o espectador e sorri tem um mistério que evoca a garota (Valeria Ciangottini) se virando para a câmera no final de “La Dolce Vita” de Fellini.

Ah, eu adoro o final de “La Dolce Vita”! Paul escreveu no roteiro que Claudia olha para a câmera e sorri no final. Para mim, essa foi a cena mais difícil, porque como você vai da desesperança abjeta para a esperança? Mas eu realmente acho que o tema subjacente dos filmes de Paul, que é tão bonito, é o amor. Há a noção de que cada momento de amor oferece uma possibilidade de esperança. Mesmo em “ Haverá sangue ”, depois que Daniel Plainview “bebeu o milkshake” e disse: “Estou acabado!”, há algo tão bonito nele sentado lá no meio da destruição. Ele percebe que não pode obter mais sangue do que está agora e, para mim, ele tem um momento de aceitação. Talvez haja esperança para ele, agora que finalmente acordou. É claro, Daniel Day-Lewis não pode errar, então essa combinação dele e Paul é a própria definição de pura magia.

Ao longo de todas as suas experiências como ator, começando com sua estréia na tela em Peter Weir de “ Sociedade dos Poetas Mortos ”, dirigir era sempre algo que você queria explorar?

Eu fui para o Pratt [Institute] em Nova York, e para deixar de fazer lição de casa em uma aula, o professor me deu a opção de virar uma história – uma história de merda que eu inventei na hora, porque eu não tinha feito minha lição de casa - em uma performance. Ele disse que se eu fizesse isso, eu nunca teria que trabalhar novamente. A performance contou com três personagens e eu construí os cenários e as máscaras para ela. Dirigi meu namorado na época, David Brunn Perry, que é um escritor interessado em ciclistas, e nosso vizinho, Adam Fuss, que é fotógrafo da Inglaterra, e eles são ótimos caras. No entanto, éramos todos muito jovens e eles não faziam o que eu dizia, então fiquei muito bravo com eles. Estávamos lendo sobre como Stanislavski criaria uma atmosfera, sentimento e emoção através da forma como você representa alguém, e eu fiquei realmente emocionado com filmes e balé ao longo da minha vida. Eu queria ser um dançarino, então eu era muito específico em como eu queria dirigir esses dois caras, e eles continuavam se recusando a fazer o que eu estava dizendo para eles fazerem, enquanto fumavam maconha e ficavam chapados.

Um de seus personagens deveria ser uma representação simbólica de Deus e estava usando uma máscara de pássaro. Eu disse a ele: “Você vai entrar e dizer isso enquanto caminha para o palco”, e ele literalmente me disse: “Bem, eu não acho que meu personagem faria isso”. Essa é uma resposta clássica no mundo da atuação, mas para mim, como estudante de arte, pensei: ‘Essa é a coisa mais estúpida que já ouvi. Eu escrevi, criei, projetei - você diz o que eu querer você a dizer. [risos] Eu me tornei violento, e ele disse: “Tudo bem, Jesus, acalme-se, eu vou fazer isso. Você não precisa ser tão louco!” Lembro-me que naquele momento pensei: ‘Nunca quero trabalhar com um ator. Odeio atuar, e dirigir é a coisa mais difícil que já tive que fazer.” Acabei atuando em minha própria peça porque ninguém mais a interpretaria e, naquele momento, não queria lidar com outro pessoa.

Acho que até disse a Paul que essa experiência me informou que, quando decidi me tornar ator, deveria realmente fazer o que o diretor quiser, mesmo que eu ache errado. Como eu disse anteriormente, meu trabalho é tornar o personagem real, enquanto o diretor/criador é como o mestre de marionetes do balé “Patrushka”, que vê tudo. Ele está vendo as coisas em uma dimensão que eu não posso ver, então, no final das contas, eu deixo para o diretor. Acabei tornando-os figuras paternas ou maternas benevolentes, o que nem sempre funciona. Eles nem sempre estão certos, mas no final, é criação deles, e você quer dar a ela dependendo da visão deles. Mira Sorvino e seu marido, Chris Backus, estão em todos os meus projetos, e foram eles que me disseram que eu deveria fazer meus próprios filmes.

Há cerca de dez anos, assisti a várias exibições de filmes de Ingmar Bergman , John Cassavetes e Federico Fellini, que é meu favorito, no LA County Museum of Art. Eles também tiveram uma retrospectiva Antonioni em 2005, que o próprio diretor participou. Fiquei tão inspirado pelo quão real seus filmes pareciam, e com que frequência eles usariam as mesmas pessoas, que Mira e Chris ficaram tipo, “Se você escrever, nós podemos fazer isso!” Eles me encorajaram, então quando chegou a hora de escolher o elenco, obviamente eu só queria trabalhar com eles o tempo todo. [risos] Eu também sabia que você só quer trabalhar com pessoas que não estão apenas interessadas em trabalhar com você, mas comprometidas, especialmente quando você não tem tempo ou dinheiro, o que foi verdade nas peças que eu dirigi. Não há espaço para discussão, então você realmente quer trabalhar com pessoas que estão na mesma página com você e são muito colaborativas.

A musa a partir de Léxico sobre Vimeo .

O que você gosta especificamente sobre Mira como atriz?

Mira é um daqueles atores que realmente transforma. Ela é uma deusa deslumbrante – ela é alta, ela é linda, ela tem uma educação insana – e ela está mudando o mundo. De lutar para acabar com o tráfico sexual e aprovar leis de agressão sexual ao seu papel proeminente no movimento #MeToo, não acho que as pessoas estejam cientes de quão ativa ela é para tornar o mundo um lugar melhor. Eu tenho um documento listando suas conquistas de quando ela me pediu para presenteá-la com um prêmio da Creative Coalition. Ela me deu muita esperança e inspiração, mesmo em como sua família é tão importante para ela. O que eu realmente amo em Mira é que quando trabalhamos juntos, nós dois dizemos a verdade um ao outro. Discutimos as peças e ela sabe que vou reescrever e ajustar para ela. Eu sei que ela vê a peça inteira e quer torná-la melhor, por isso é verdadeiramente colaborativa, e por causa de sua estatura na indústria, tenho muita sorte de ter alguém como ela acreditando em mim.

A primeira vez que pude dirigi-la e vê-la ganhar vida como atriz foi durante meu primeiro esforço de direção”, disse. A musa ”, em 2016. São apenas quinze minutos e eu tenho um roteiro para ele que adoraria filmar algum dia. Como atriz, depois de ensaiar e passar pela iluminação e passagem de som, e você está se preparando para fazer a primeira tomada, há uma energia que você sente quando tudo desliga. Tem que ser super tranquilo. Então, o diretor diz: “Ação!”, e entre “ação” e “corte”, é como se o tempo parasse. É pura magia. Peter Weir me ensinou isso. Ele disse: “Quando estamos filmando, é seu. Eu não escolhi você para interpretar um personagem. eu lancei vocês porque você é mais intrigante do que qualquer coisa que eu poderia escrever. Preencha a tela, seja quem você é, respire e não pare até eu dizer 'corta'. Se você terminou suas falas, não importa. Ser vocês .”

Estar atrás das câmeras e sentir aquela energia foi incrível. Quando o DP diz “conjunto”, é quando você diz “ação”. Em “The Muse”, o editor estava sentado atrás de mim e disse: “Diga ação ”, e eu disse a ele: “Não posso”. Ele perguntou: “Por que não?”, e eu disse: “Olhe para os atores. É como assistir ao melhor cavalo de corrida. Você vê tudo logo antes do portão ser levantado e quando eles começam a atuar, você fica tipo, 'Quem são essas pessoas?'” Eu sei que antigamente, atores ou artistas não podiam ser enterrados em cemitérios do sul porque as pessoas achavam que venderam sua alma ao diabo na encruzilhada. Quando os atores atuam, eles não são eles mesmos, o que pode parecer sobrenatural às vezes. Observando os atores do meu posto como diretor, eu não podia acreditar no que eles podiam fazer e, depois, as pessoas diziam: “Você é um ator, do que está falando?” Mas a experiência é diferente de quando estou apenas atuando. Ver sua melhor amiga que você ama mais do que tudo se transformar nesse outro ser me fez recuar e dizer: “Como ela fez isso?”

Foi um equilíbrio interessante passar por essa transformação enquanto dirigia simultaneamente no caso de “Drowning”?

Foi um equilíbrio interessante. Mais uma vez, eu confiei muito em como eu elenco. Eu sei como entrar e estar lá porque trabalhei em tantos tipos diferentes de filmes. Eu sei quando não há tempo. O DP de “Drowning”, Chris Soos, examinou várias vezes o visual e a linguagem do filme comigo, então estávamos em sincronia. Não havia tempo para assistir a reprodução, então eu só tinha que confiar que tudo foi capturado. Eu disse ao meu editor, Alexis Evelyn: “Já que estou carregando o filme, você precisa me proteger. Ninguém quer assistir a alguém que realmente parece ruim, então você precisa ficar de olho em mim porque não tenho tempo para isso e não há reprodução. Vou ter que confiar que, depois de desenvolvermos essa linguagem, você entenderá exatamente o que eu quero.” Eu assisti a reprodução às vezes, apenas por causa da configuração, mas era muito raro. Eu só sabia o que queria, em parte pelo fato de que, quando escrevo, estou vendo. Filmamos “Drowning” em nove dias, então foi uma imersão completa. Não havia tempo para pensar ou adivinhar. Você só tinha que mergulhar e nadar.

Embora seus esforços de direção de longa-metragem sejam fascinantes, achei a dor lancinante de “Waterlily Jaguar” mais difícil de abraçar. O que lhe interessa ao explorar certas formas de obsessão que nos impedem de estar presentes em nossas próprias vidas?

Bem, eu sinto que “The Muse”, “Waterlily Jaguar” e “Drowning” – que eu chamo de minha trilogia de Los Angeles – refletem meu interesse pela psicologia do ser humano. Estou muito interessado no que nos motiva. Por que uma pessoa se sente muito bem consigo mesma e bem-sucedida, enquanto outra pode alcançar as mesmas coisas e se sentir um fracasso? É uma luta constante. Os humanos sofrem tanto e, como na obra de Bergman e Fellini, meus filmes têm um humor estranho. A vida tem que ter isso porque, como diz Schopenhauer, “a existência não tem valor real em si mesma”. Os relacionamentos e a vida interior dos humanos são o que me interessa.

Por exemplo, eu tenho dois outros scripts que estou tentando fazer. Fui convidado por James Sikura, que era chefe de desenvolvimento do The Robert Evans Company, para escrever um roteiro sobre W.C. Campos. Todos nós sabemos quem W.C. Fields é, mas ele e Alan Selka me deram livros para ler nos quais descobri que ele morreu em um sanatório em Pasadena, apenas alguns anos depois de fazer grandes sucessos como estrela de cinema, depois de todo o seu sucesso no vaudeville. Eu chamo o filme, “W.C. Fields: A Malaise in Three Acts”, e é semelhante a William Faulkner de Enquanto eu estou morrendo em como é sobre um homem no tanque seco de um sanatório, revisando seu passado porque sabe que está morrendo. Fiquei intrigado com esse homem que sofreu horrivelmente quando criança. Ele estava sozinho em uma idade muito jovem. Seu pai o espancou e ele fugiu. Sua primeira e única esposa - embora ele estivesse com outras mulheres - realmente lhe deu sua educação e o ensinou a ler Shakespeare. Quem sabia disso sobre W.C. Campos? Ele também bebia, o que se liga aos temas recorrentes de obsessão e vício.

A vida é dura, e a maldição de ser um artista é que você se sente tudo . A bênção, idealmente, é que você pode pegar essa dor e criar com ela. Meu outro roteiro se chama “Esperanza” e é sobre um homem mais velho e sua expiação por seu passado. “Esperanza” significa esperança, e há esperança de que ele agora esteja realmente vivendo e tentando expiar durante o tempo de Covid em uma parte desolada de uma cidade. Obviamente, eu adoraria que o Plano B ou A24 me ajudasse com isso, porque eu gostaria de ter tempo para realmente dar aos atores. Eu tive mais tempo com “Waterlily Jaguar” do que com “Drowning”. James Le Gros é um ator altamente treinado e teve uma bela química com Mira. Critico tudo que faço, então me pergunto se meu erro com aquele filme é que a edição pode ser muito longa.

Apropriadamente, falta a sensação de catarse que senti com seu outro recurso, o que pode fazê-lo parecer mais longo, embora não de maneira negativa. Fiquei impressionado com a forma como “Waterlily Jaguar” encontra o personagem principal andando no oceano, enquanto “Drowning” é sobre uma mulher literalmente tentando manter a cabeça acima da água.

Sim! Você entra e fica tipo, “Foda-se! Isto é o que eu me trouxe agora. Como vou sair disso?” Com “Waterlily Jaguar”, eu queria capturar o que acontece quando alguém está no escuro. Se eles não estão dispostos a tentar sair disso, ou se realmente sentem que não podem, é isso que leva ao suicídio. Eles alienam a todos. Em “Drowning”, pelo menos Rose está tentando. Ela está se debatendo, mas também está pedindo ajuda. Depois que ela aprende a nadar, ela fica tipo, “E daí? Isso vai me salvar?” Mas há esperança no final, quando ela percebe que todo mundo está apenas tentando e todo mundo está sofrendo. Você não conhece a história de todos. É como aquela música do “White Stripes” que diz: “Cada um tem uma história para contar… Da Rainha da Inglaterra aos cães do inferno”, ou a primeira frase do Tolstoi Ana Karenina , “As famílias felizes são todas iguais; cada família infeliz é infeliz à sua maneira.”

Para “Waterlily Jaguar”, eu realmente queria capturar o quão horrível é quando alguém está nessa espiral descendente. Esse filme foi feito depois que Philip Seymour Hoffman morreu. Eu o conhecia desde meu tempo em Nova York, e suas últimas três performances, que ele fez enquanto descia pelo ralo, são além de um gênio brilhante precisamente porque ele estava andando na linha da morte. Você quer dizer: “Valeu mesmo a pena?” Mas então, tendo perdido outros amigos que não são famosos, quando eles estão nesse estado, você não pode recuperá-los, como ilustra a história de Orfeu e Eurídice. Você pode ir até lá, mas não pode puxá-los de volta.

Também notei uma quantidade considerável de imagens relacionadas à água entre as maravilhosas obras de arte apresentadas no seu site , como os retratos de sereias.

Sempre morei relativamente perto da água. A história era que quando minha mãe estava prestes a me dar à luz, eles estavam em um barco e ele virou. Lá estava ela na água comigo, e todo mundo estava tipo, “Vai ser um bebê da água”, o que quer que isso significasse. [risos] Eu sei que, de acordo com os psicólogos Marie-Louise von Franz e Carl Jung, a água é geralmente considerada o inconsciente, e é nisso que estou interessado. Quero explorar o que nos torna quem somos. Eu tenho uma série de pinturas no meu site de arte chamado The Ocean. Eu não comecei isso até talvez três meses depois de filmar “Waterlily Jaguar”, porque eu tive um sonho louco que terminou comigo no meio do oceano à noite. Acordei e pensei: ‘Tenho que pintar isso’, e pintei quase metade do meu trabalho com o oceano.

Quanto aos retratos de sereias, estou muito interessado em mitologia, então Joseph Campbell foi uma grande influência para mim desde que eu era jovem. Por ter crescido em tantas culturas diferentes, me contaram todos os contos de fadas baseados na herança cultural ancestral dos vários lugares em que vivi. Sempre que vou a um novo local, quero saber a história de quem estava lá originalmente. A mitologia grega prepara o cenário para a cultura ocidental, mas existem alguns mitos ou deuses e deusas que não têm solução, e eu tenho lutado com isso. Sedna é uma deusa do oceano, e ela dá à luz tudo. Dela vem toda a vida oceânica que alimenta os Inuit e todas as tribos indígenas do Noroeste do Pacífico, mas ela sofre e sua história não tem solução. Muitas vezes, com meus filmes, meus escritos e minhas pinturas, acho que eles não têm resolução, e discuti isso com Mira. O W. C. Os scripts de Fields e Esperanza têm expiação e esperança no final. Há uma resolução, uma aceitação e um amor à própria vida, que também está presente em “Afogamento”. Mas nem sempre é assim.

Em uma coincidência ao estilo “Magnolia”, percebi que nas primeiras cinco vezes em que vemos Rose ouvindo o rádio do carro em “Drowning”, ela está ouvindo meu primo, Jeremy Scahill , em conversa com Amy Goodman em “Democracia Agora”.

Sem brincadeiras! Eu disse aos produtores que não queria que Rose escutasse nada, mas eles me disseram que eu não poderia ter isso. Eu disse: “Você nunca terá permissão dessas pessoas”, e eles disseram que conseguiriam, enquanto insistiam: “Você tem que permitir que o público ouça o que está acontecendo na cabeça dela”. E eu fiquei tipo: “Não! Eu quero que o público sinta o nada.” Mas percebi depois de “Waterlily Jaguar” que às vezes é demais, como no final de “Through the Glass Darkly” de Bergman. É um dos meus filmes favoritos, mas percebo que para pessoas normais, é demais. Eu queria que o programa de rádio não apenas atiçasse os medos de Rose, mas também apresentasse pessoas reais falando sobre questões como bombardeios de drones e encobrimentos. Em seguida, adicionamos os sons de imagens de guerra da Segunda Guerra Mundial.

O monólogo final de Rose se aplica ao que todos nós estamos sentindo agora na era do COVID-19, onde constantemente enfrentamos o desafio de permanecer presentes em nossas vidas.

Certo. Também estamos percebendo que neste momento, independentemente de quem você queira considerar o inimigo, cada pessoa – pais e entes queridos – está lidando com essa perda aleatória que nos conecta novamente como humanos.

Melora Walters em “Afogamento”. Foto de Christopher Soos. © 2020 Drowning Film Production Inc.

Há ecos de Cassavetes na abordagem solta e não convencional das interações dos personagens no filme, como vemos Rose e seu marido, Frank ( Gil Fole ), encenando uma briga antes de ter uma de verdade.

A abordagem visual de Cassavetes geralmente consistia em ele pegar a câmera e filmar em pé em um sofá, para que você pudesse ver o movimento. “ Uma mulher sob a influência ” é tão real que você nem tem certeza se parte dele está roteirizada. Esse foi um dos filmes de Cassavetes que assisti novamente antes de fazer 'Afogamento', e fiquei impressionado com o quão Peter Falk O personagem bate em sua esposa quando diz: “Volte para si mesmo! Eu quero você de volta como você mesmo!” Eu não acho que teríamos permissão para fazer isso agora. Se eu fizesse um filme assim, seria criticado. No entanto, trazendo o vírus novamente, a violência doméstica, o abuso de drogas, o abuso de álcool e o suicídio estão subindo rapidamente, e acho que é por causa do fato – como Cassavetes mostra – que a vida cotidiana é difícil.

Em seu filme “ Maridos ”, você vê esses caras irem sozinhos, e todos meio que perdem a cabeça por um minuto. Por um tempo, é divertido porque eles não precisam responder a ninguém. Como Dioniso, eles podem beber e fazer o que quiserem, mas depois se deparam com a questão de como voltar à realidade. Um cara fica para trás, enquanto os outros dois retornam às suas vidas normais. Eles simultaneamente saem dos táxis, caminham até a porta da frente e agem como se nada tivesse acontecido quando dizem: “Querida, estou em casa”. Acho que isso captura algum aspecto do ser humano sobre o qual talvez não queiramos falar.

Esse lado sombrio de nós mesmos também é vislumbrado em “The Killing of a Chinese Bookie”, e o que é incrível nesse filme é o quão real é retratar as conexões entre as pessoas e como um erro pode derrubar tudo isso. Cassavetes não foge dessas coisas e não se desculpa por isso. Não há julgamento ou censura em como ele filma uma cena. Ele está apenas preocupado em mostrar o que significa ser humano, o que foi lindamente articulado por Joseph Campbell quando ele falou da nossa necessidade de “sentir o êxtase de estar vivo”. Eu realmente sinto que ser humano é, em si, heróico. Viver uma vida plena, como um ser humano, é heróico porque exige muito esforço.

Essa observação ressoa profundamente em mim, especialmente à luz de como minha mãe tem esclerose múltipla e meu pai tem sido seu principal cuidador desde sua aposentadoria há cinco anos.

É heróico. Viver uma vida é a jornada de um herói. Você não precisa se tornar presidente dos Estados Unidos – é claro, o que estamos assistindo agora em Washington D.C. é um absurdo da ordem de Jean Genet . Você conheceu sua mãe quando era criança, e agora com sua esclerose múltipla, ela está neste outro mundo. É mítico, e acho muito importante honrar isso. Suponho que isso também me interessa na jornada de James Le Gros em “Waterlily Jaguar”. Essa também é a jornada de um herói.

É heróico como Bob liberta sua esposa do fardo de sua espiral descendente.

Ele não quer mais machucá-la, e ele a viu sofrer. Ela pega a dor e a coloca em suas pinturas para ilustrar como ele a faz sentir. Pensei no que teria acontecido se ele dissesse: “Tudo bem, vamos ao aconselhamento matrimonial”. [risos] Essa seria uma opção, mas não é isso que eu queria explorar. Eu queria mostrar alguém que não pode seguir em frente. Recentemente, assisti novamente “The Deer Hunter”, que é um filme tão mítico. Você vê todos os personagens sobreviventes comendo e bebendo juntos no final, mas durante o segundo ato, eles são expostos ao medo primitivo. John Savage vai de um jeito, Christopher Walken vai de outro jeito e Robert de Niro vai outro. Christopher Walken é engolido pelo horror e não consegue mais sair dele. Ele assumiu. Chorei quando assisti a parte em que fica claro que ele não pode voltar.

Melora Walters em “Afogamento”. Foto de Christopher Soos. © 2020 Drowning Film Production Inc.

Em “Drowning”, o diretor de fotografia Christopher Soos cria uma atmosfera de desconexão durante a cena de separação entre Rose e Frank, onde ela está diante de uma luz e ele é deixado na sombra.

Chris Soos é um gênio. Para cada filme que eu fizer a partir de agora, eu só quero que ele o grave. Como nos filmes Dogma 95 como “A Celebração”, usamos muito pouca iluminação adicional. Onde quer que pudéssemos usar a luz natural, nós o usaríamos, e queríamos que fosse o mínimo possível, então é quase encenado como um teatro. Gil vem da escuridão, e acho que havia apenas uma fonte de luz nisso.

Cada um deles parece estar em mundos separados naquele momento, e é ainda mais poderoso quando mantido em um plano médio.

Essa foi uma decisão dada as restrições de tempo, mas eu também não queria filmar da maneira padrão de obter o amplo, o médio close-up, o outro close e depois cortar entre eles. Eu estava tipo, “Apenas preencha o espaço e deixe acontecer. Teremos cobertura mais tarde.”

Orson Welles muitas vezes optaria por correr o risco de filmar em uma master em vez de confiar na cobertura convencional.

Certo. Em “Waterlily Jaguar”, quando Dominic Monaghan entra para tentar falar com sentido no personagem de James Le Gros, filmamos isso em uma tomada. Foram muitas páginas, e eu queria exatamente assim. Chamei de “cena do jogo de xadrez”, à la “O Sétimo Selo”, mas o problema é que existe essa coisa chamada distribuição. O filme precisa ganhar dinheiro e você precisa estar atento ao seu público. As pessoas estão acostumadas a ver o vai e vem, mas eu prefiro a abordagem não convencional. E se a câmera mostrasse seu próprio ponto de vista enquanto você observava seus pais? Você veria toda a interação. Sua mãe pode dizer algo e você pode recorrer ao seu pai para ver como ele reage, mas o que realmente está prendendo sua atenção é esse relacionamento. Eu não gostaria de cortar fora disso.

Seus esforços de direção não parecem comprometidos, pois se assemelham a uma expressão crua de sua alma.

Bem, muitas vezes me pedem para me comprometer, e eu não faço – e então me pergunto por que tenho que ser tão teimoso. [risos] Minha reação inicial tende a ser: “Não!” E então eu vou pensar sobre isso e dizer: “Ok, vamos tentar”. Então eu acho que com o cinema, porque há tantas logísticas envolvidas, tem que haver um elemento de compromisso. Você aparece em um set e está chovendo. Ou não há energia, então você vai atirar lá fora. Ou alguém não vai conseguir porque está preso no trânsito. Isso não é culpa deles, mas o que você pode filmar agora que poderia ser adicionado? O compromisso soa como se você tivesse uma visão e então a estivesse entregando. Eu amo colaboração , onde descobrimos como fazê-lo funcionar em conjunto.

Essa experiência na direção alterou de alguma forma a maneira como você aborda o trabalho como ator?

Eu acho que no lado da atuação, estarei sentado e esperando enquanto ouço todos discutirem, e então a tentação é ficar tipo, “Ei, e se você mover a câmera e filmar essa cena assim?” Mas não é meu lugar. Eu já disse coisas assim, e às vezes está tudo bem, e na maioria das vezes não está, então eu tento ficar bem quieta. [risos] Outras vezes, gosto de observar como outros cineastas lidam com certas coisas de maneiras que eu não teria considerado.

Você acha que o movimento #MeToo deu aos atores mais uma agência para falar, especialmente em casos de abuso?

Eu esperaria isso. Eu mesmo não experimentei, mas espero que seja o caso. Eu espero que qualquer um que tenha sido terrivelmente aproveitado tenha a coragem deste movimento para saber que o abuso não é bom. Mesmo quando criança, sempre me defendi e, na escola primária, quando as crianças sofriam bullying, eu as defendia. Tive a sorte de sentir que me lidei e estou bem em dizer o que tenho a dizer, mas ouvir essas histórias de abuso horrível é muito triste. Não quero que ninguém sofra.

Melora Walters em “Afogamento”. Foto de Christopher Soos. © 2020 Drowning Film Production Inc.

Que filmes você considera presentes que continuam dando?

Bem, “The Deer Hunter” teve um grande impacto em mim quando eu era mais jovem. Você mencionou “La Dolce Vita”, que é um dos meus filmes favoritos. Também adoro “Nights of Cabiria” de Fellini e “A Woman Under the Influence” de Cassavetes. Gostei muito do trabalho de Antonioni antes de vir para a América. Há uma foto que ele fez chamada “Il Grido” que teve uma grande influência em mim. Não há resolução nesse filme. “The Swimmer” também tem um elemento disso. Quando assisto a um filme como “Il Grido”, fico impressionado com a forma como pensamos que somos modernos, mas os cineastas da época estavam muito à nossa frente. A cinematografia de “Vampyr” de 1932 é arte moderna. Há algo sobre o filme em preto e branco que é tão exuberante.

Você já pensou em fazer um filme em preto e branco?

Sim, eu tenho, e sempre fico tipo, “E se filmarmos em 16mm?” Eu tenho um filme Covid que escrevi a partir de abril. Apresenta uma série de relacionamentos miseráveis ​​e mostra como eles se entrelaçam. Eu tive essa ideia maluca de como poderíamos filmar, e é aí que inevitavelmente me perguntam: “Onde está o dinheiro, Melora?” Não sei! [risos]

É interessante ver você explorando a cultura de LA em sua trilogia, que parece tão pessoal quanto o próprio trabalho de Paul Thomas Anderson.

É muito interessante porque eu não cresci aqui. Cresci na Arábia Saudita e na Holanda. Fui para o internato na Lake Forest Academy, ao norte de Chicago, e adoro o Art Institute. Trabalhei na fazenda dos meus avós – uma família de imigrantes católicos alemães – no noroeste do Arkansas, que é uma parte da América que agora é uma cidade fantasma. Depois fui para Pratt em Nova York. A Europa sempre foi um lar para mim porque era o coração de onde cresci. Nos Estados Unidos, senti que Nova York era meu lar porque morei lá por mais tempo, embora agora possa ser LA. Eu vim para a Califórnia e tive meus filhos aqui. Achei que deveria dar consistência a eles porque não tinha – claro, a piada é que agora eles estão na Costa Leste, e eu estou aqui. Eu me mudei no verão passado, durante toda essa loucura, e todo mundo estava tipo, “Nós pensamos que você iria para a Europa”. Quer dizer, eu tenho cidadania americana e tem o vírus, então não posso. Estou mais próximo de Mira e sua família aqui, mas não sei se quero ficar em LA.

Quando comecei a escrever e dirigir meus próprios filmes, queria escrever sobre o que vivi aqui porque nem sempre adoro. Eu vi isso como uma oportunidade de pegar essas experiências e realmente examiná-las. Los Angeles não tem a beleza, a história ou a arquitetura de Chicago ou Nova York. Tem os Chumash e outros habitantes nativos das Ilhas do Canal, todos os povos indígenas que deveríamos homenagear hoje e todos os dias, mas não o fazemos. As missões são lindas, mas os nativos americanos foram eviscerados, então eu queria realmente explorar essa feiura. Eu chamo isso de “ver a beleza na feiura”, que é um tema da minha trilogia. Assim que eu encontrar alguém para financiar a versão longa de “The Muse”, e eu conseguir, então eu posso ir embora. [risos]

A Mulher La Brea realmente existiu, e a mulher indígena que eu consegui interpretá-la – Jessica Ceballos y Campbell – tem uma avó que era das Ilhas do Canal, então ela pode realmente estar relacionada com a Mulher La Brea original. Ela não tinha ido ao La Brea Tar Pits, então eu a levei, e isso foi um presente para mim. Em “Waterlily Jaguar”, fiz questão de detalhar como a La Brea Woman tem 9.000 anos. Ela é o único esqueleto humano encontrado em La Brea Tar Pits, e o sacrifício humano foi descartado porque havia apenas um. Se eles estivessem fazendo oferendas para acalmar os deuses dos poços de alcatrão, mais corpos teriam sido encontrados. Ela é literalmente uma vítima de assassinato de 9.000 anos. E se você for ao La Brea Tar Pits, você anda pelos terrenos adjacentes ao Museu de Arte do Condado de Los Angeles, e as bolhas estão em erupção, então eles têm que colocar cercas ao redor delas. Minha piada é que Los Angeles vai ser engolida pelo La Brea Tar Pits. Mas acho que porque comecei a escrever sobre Los Angeles enquanto morava em Los Angeles, isso me permitiu ver a beleza nisso.

Há essa sensação do mundo antigo intervindo no nosso, o que torna Bob incapaz de viver no aqui e agora.

Como escritor, ele está sempre na fantasia, enquanto eu queria que Rose em “Drowning” fosse uma mulher muito, muito normal em Los Angeles, o que significa que você dirige o tempo todo. Você é como um hamster em uma roda indo a lugar nenhum, ouvindo a mesma coisa repetidamente. O que notei quando cheguei a Los Angeles é que tanto quanto você está com as pessoas, seu carro é uma bolha.

Devo também mencionar que “Pen15”, em que você joga Anna Konkle A mãe de , retrata brilhantemente como alguém pode se sentir ostracizado no ensino médio ao escalar mulheres adultas como adolescentes.

O roteiro do piloto foi oferecido para mim, e eu li e fiquei tipo, “Ah, sim, eu quero interpretar uma mãe inadequada que não sente culpa”, embora isso mude na segunda temporada. Eu só queria trabalhar com essas duas mulheres incríveis, Anna e Maya [Erskine]. Existem certos comediantes, como Jay Mohr , que têm uma linguagem e um ritmo. É um movimento, uma dança – e é algo que eu realmente não entendo. Assistir ao show de Jay é como ver Maya e Anna se apresentando. Enquanto Anna e eu estávamos fazendo ADR, eu disse a ela: “Sabe, você é tão brilhante, é meio assustador”.

À luz de como Maya está agindo ao lado de sua própria mãe na vida real, como você desenvolveu uma dinâmica mãe-filha tão autêntica com Anna?

Bem, eu tenho uma filha de 23 e um filho de 24, então muitas vezes eu leio o roteiro e fico tipo, “Ok, eu meio que me lembro disso – eu não quero lembrar disso, mas Eu faço.' Eles escreveram a personagem e então meio que me deixaram sair com ela, mas como o papel é muito baseado na própria mãe de Anna, havia momentos em que ela me dizia o que sua mãe faria ou diria, e então eu tentava este. Mas outras vezes, eu era quem perguntava se eu poderia tentar certas coisas, e eles me deixavam fazer isso.

Sou uma mãe muito instintiva e primitiva, o que deixa meus filhos loucos. Eu vou me transformar em um feroz leão da montanha e ficar tipo, “Eu não entendo! Isto está errado! Como você pode deixar ele te tratar assim?” E eles dizem: “Mãe, acalme-se!” Você tem que deixá-los viver sua própria vida, mas então parte de mim só quer rugir. [risos] Há um amor incondicional por seus filhos e, embora minha personagem em “Pen15” esteja um pouco fora de si, ela ama sua filha por natureza.

Tivemos uma cena em que todos estávamos tendo uma grande discussão, e Anna disse: “Isso é muito importante. Quero que as pessoas vejam como é realmente a relação mãe-filha, onde estamos gritando uma com a outra.” Lembro-me que quando minha filha tinha uma certa idade, alguém me disse: “Você deveria dizer: ‘Eu te amo, mas não Curti você.' Eu não gosto de como você está se comportando agora, você não está agindo como você mesmo, mas eu quero que você saiba que eu te amo.' E eu fico tipo, “ o que ?” [risos]

Recentemente, analisei “O ​​Mestre” em uma aula virtual de cinema e gosto de como sua presença é sentida nessa imagem, mesmo que você permaneça fora da tela.

Paul me pediu para cantar uma versão de “A-Tisket-A-Tasket”, e eu nunca digo não a Paul. [risos] “Melora?” 'Sim, eu vou fazer isso!' “Ainda não te perguntei.” 'Tudo bem - sim!' É como eu me sinto. Eu acho que o filme é uma jornada incrível. Eu sei que ele tem todas essas referências que ele usou, mas no final, onde joaquin fênix O personagem de é com aquela mulher, tudo o que você vê é esse jovem em busca de amor e aceitação que fará de tudo para tê-lo.

Seu personagem também está buscando uma conexão enquanto literalmente tenta não ficar submerso no processo.

Sim, eu acho que é apenas um filme incrível. É uma peça “mestre”.

Às vezes, os trabalhos mais intuitivos do cinema são os mais fortes, e é isso que a filmagem de nove dias de “Afogamento” ilustra de forma tão indelével.

Eu penso que sim. Acho que quando você não tem tempo suficiente para analisar, analisar demais e questionar, às vezes é aí que a mágica acontece, mesmo como ator ou pintor. Precisamente quando você diz a fala errada ou pensa que cometeu um erro, essa é realmente a mágica da cena.

“Drowning” está atualmente disponível para transmissão em Vídeo principal , Youtube , Google Play e Vudu . 'Waterlily Jaguar' também está sendo transmitido em Vídeo principal , Youtube , Google Play e Tubos . Para ver a arte de Melora Walters, visite-a site oficial .

Legenda da imagem do cabeçalho: Melora Walters em “Drowning”. Foto de Christopher Soos. © 2020 Drowning Film Production Inc.