“Sonita”, “Hooligan Sparrow”, “In Transit” entre os destaques do DOC10 Festival

Quer ver alguns filmes que estão garantidos entre os melhores do ano? Os habitantes de Chicago não devem ir além do DOC10, o festival de documentários de três dias programado para acontecer de sexta-feira, 1º de abril, até domingo, 3 de abril, no Music Box Theatre, 3733 N. Southport Ave. maratona de filmes do Chicago Media Project, oferecendo dez estreias em Windy City de imagens que renderam elogios no circuito de festivais. Tive a sorte de ter visto um deles, o sublime “ Em trânsito ,' no festival AFI Docs do verão passado em Washington, D.C. Como uma saudação final para Albert Maysles , o falecido pioneiro por trás de clássicos como “Salesman” e “ Jardins Cinzentos ”, é uma conquista esmagadoramente pungente. Ele fez o filme com quatro co-diretores— Lynn True , David Usui , Nelson Walker e Benjamin Wu | – do Maysles Documentary Center, e ele pôde ver um corte completo antes de sua morte em março passado, aos 88 anos.

Quando Josh Golden, da Table XI, desenvolvedor web do RogerEbert.com, embarcou no Empire Builder da Amtrak em dezembro de 2013 e se instalou para um passeio panorâmico de trem pelo noroeste do Pacífico, ele acabou conhecendo Maysles e sua equipe . Os diretores mais jovens estavam ajudando Maysles a realizar um sonho que ele nutria há décadas de fazer um filme sobre as conexões improváveis ​​que se desenvolveram entre as pessoas durante o trânsito. Em uma carta distribuída aos passageiros, Maysles escreveu: “Se a vida é uma jornada, somos todos companheiros de viagem. Quando viajo de trem, vi pessoas se reunirem que de nenhuma outra maneira se encontrariam. Nos trens, descobrimos uma intimidade única, onde as convenções normais se dissolvem e abrimos nossas vidas a completos estranhos. Talvez seja porque o trem nos mantém em um limbo, um momento de verdade entre as estações.” Há muitas maneiras pelas quais esse mesmo limbo pode ser comparado à experiência de ir ao cinema, e não há dúvida de que os espectadores podem ter suas próprias epifanias enquanto assistem a essa obra-prima delicadamente matizada. Como muitas das seleções no DOC10, “ Em trânsito ” prova que um documentário não precisa de uma agenda social específica para ser atraente e pode ser tão artístico quanto qualquer recurso narrativo. Aqui estão mais cinco destaques do festival deste ano…

Vencedor do Albert Maysles New Documentary Director Award no Tribeca Film Festival do ano passado, “ Incerto ” oferece um olhar demorado sobre um modo de vida que corre o risco de ser extinto pela passagem do tempo. Reminiscente da seleção escolhida a dedo do programador do DOC10 Anthony Kaufman no Festival Internacional de Cinema de Chicago do ano passado, o igualmente assombroso “The Living Fire” de Ostap Kostyuk, este filme é um banquete sensorial desde seus quadros de abertura, enquanto a câmera desliza pela escuridão de um bayou . O cenário noturno seria relativamente tranquilo se não fosse pelo som ensurdecedor dos insetos. Empoleirada discretamente na fronteira Louisiana-Texas, a cidade de Uncertain é uma fonte natural de gags de visão, como evidenciado por placas declarando “Uncertain City Limit” e “The Church of Uncertain”. Ainda co-diretores Ewan McNicol e Anna Sandilands estão visando muito mais do que risos fáceis. Um punhado de sequências quase sem palavras estabelecem uma sensação vívida do local, que parece ter sido isolado da civilização, além do barulho das notícias da FOX no bar local. O maior show da cidade é a queima anual de fogos de artifício, e os guaxinins são vistos menos como incômodos e mais como companheiros em potencial.

Muitas pessoas migraram para Uncertain na tentativa de escapar dos fantasmas de seu passado. Outros ficaram atolados em suas próprias deficiências, incapazes de compreender a possibilidade de crescimento interior. Eventualmente, fica claro que essas almas quebradas estão buscando algum tipo de redenção, embora seus futuros permaneçam tão incertos quanto o do lago em decomposição, cuja destruição significaria certa desgraça para a cidade como um todo. O simbolismo aqui é bastante óbvio, mas McNicol e Sandilands evitam qualquer traço de pregação, optando por vinhetas puramente observacionais. Uma subtrama particularmente divertida envolve a batalha Wile E. Coyote/Road Runner entre um homem e um porco monstruoso apelidado de Mr. Ed por causa de seu rosto de cavalo. Há também um momento maravilhoso em que um jovem diabético reflete sobre a hipocrisia inerente à retórica da igreja, encorajando os oprimidos a colocar suas lutas nas mãos de Deus, enquanto ao mesmo tempo ensina que Deus trabalha através de você. Então, basicamente, a mensagem é: “Sirva-se”.

O poder intrínseco de uma obra de arte pode se transformar em uma obsessão para aqueles a quem ela fala mais forte. Foi o que aconteceu com a colecionadora de arte de Manhattan Martina Batan quando ela conheceu o trabalho do artista Roy Ferdinand, de Nova Orleans. Suas pinturas capturam a coragem e o realismo sangrento dos crimes que aconteciam rotineiramente nas ruas de sua cidade, que em várias ocasiões teve a maior taxa de homicídios de qualquer grande cidade dos Estados Unidos. Durante uma entrevista de arquivo com Ferdinand, que sucumbiu ao câncer em 2004, ele pondera como Nova Orleans poderia ser considerada qualquer coisa menos uma zona de guerra à luz dessas estatísticas (suas palavras carregam tons de Spike Lee indignação em “ Chi-Raq '). Sua mãe costumava se opor às imagens violentas que ele estava retratando, até perceber que elas haviam sido arrancadas diretamente das manchetes diárias. Talvez fosse a missão de Ferdinand honrar a memória das “pessoas ausentes” imortalizando-as em sua tela que tanto atraiu Batan, considerando que seu próprio irmão foi morto sem sentido quando ele tinha apenas 14 anos.

O peso da dor de Batan ressoa em todo o filme de David Shapiro. Pessoas desaparecidas ”, uma ode profundamente comovente ao impacto de mudança de vida que a visão criativa de uma pessoa pode ter em outra. Apelidada por seu amigo, o escritor David Carrino, como um cruzamento entre Wednesday Addams e Holly Golightly, Batan é claramente uma mulher movida por sua paixão, que está ligada à sua necessidade de encerramento em relação ao caso não resolvido do assassinato de seu irmão. Enquanto contrata um detetive particular para reabrir as evidências de 1978, ela viaja para Nova Orleans para conhecer e, esperançosamente, criar um vínculo com as irmãs de Ferdinand, que também lidaram com perdas nos anos após o furacão Katrina. Uma vez que eles percebem que as intenções de Batan são genuínas, um calor e afeição tangíveis começam a florescer entre eles. Além de ser um drama de primeira linha, o filme de Shapiro também faz sucesso como uma introdução bem-vinda à engenhosa obra de Ferdinand, que merece destaque nos museus. Seu retrato do nascimento de Cristo em uma garagem, com um carrinho de mão servindo como manjedoura, é inesquecível, assim como o uso inspirado de Shapiro de “Why Can’t I Touch It” dos Buzzcocks nos créditos finais.

E eu achava que o bullying era ruim quando fui para o ensino médio. Eu fazia parte da última geração de adolescentes que não viviam suas vidas principalmente online. O Facebook foi lançado em fevereiro do meu último ano e eu não tinha uma conta até os meus anos de faculdade. O lar ainda era um porto seguro para mim, e isso é algo que foi obliterado pelo ataque da tecnologia projetada para se infiltrar em todas as facetas de nossa existência. Eu só posso imaginar como seria amadurecer como um adolescente vulnerável na era das selfies nuas e vídeos compartilháveis. Já é difícil passar pela adolescência sem ter que se preocupar em passar por isso publicamente. Na seção de abertura de Bonnie Cohen e a devastadora de Jon Shenk ' Audrie e Margarida ,' uma história de suicídio adolescente é desenrolada que estranhamente espelha o enredo do filme de terror de Levan Gabriadze, ' Sem amigos ,' do ano passado. Na Califórnia, uma menina inconsciente é agredida sexualmente por vários de seus colegas do sexo masculino, e fotos dela nua são tiradas, exibindo as ilustrações violadoras desenhadas em seu corpo pelos predadores adolescentes. Essas fotos são transmitidas por todo o escola e alunos fazem comentários com o objetivo de envergonhá-la online (vemos trechos de seus bate-papos no Facebook onde ela é chamada, entre outras coisas, de 'mofo com tesão'). Não demora muito para que o corpo sem vida da menina seja descoberto pendurado em seu banheiro.

É a trágica história de Audrie que faz com que outra jovem vítima de agressão procure mais uma vítima em todo o país no Missouri, que precisa urgentemente de apoio. Esta garota é Daisy Coleman , e a história de sua sobrevivência diante de uma tremenda adversidade fornece a espinha dorsal da narrativa do filme. Se recuperando da morte repentina de seu pai, Daisy e sua família se mudaram para Maryville na tentativa de escapar dos fantasmas de seu passado. No entanto, eles logo encontraram seus amigos se voltando contra eles quando Daisy foi agredida por um grupo de meninos que incluía amigos próximos de seu irmão, Charlie. Aos poucos, torna-se evidente que o status dos meninos como jogadores de futebol elogiados, sem mencionar o fato de que um deles é neto de um político local, resultará na retirada das acusações. O mais arrepiante de tudo são as entrevistas com o xerife Darren White , que acredita que os meninos foram vitimados por Daisy, mesmo que ela estivesse embriagada e claramente não em estado de alerta. Ele parece totalmente alheio à misoginia de sua afirmação de que a jovem foi responsável pelo abuso que recebeu, e seu sentimento se reflete na vergonha sistêmica da comunidade da família de Daisy. Há muitas outras mulheres (incluindo a amiga de Daisy, Paige) colocadas na periferia da narrativa que servem como prova viva das inúmeras vítimas cujas histórias também foram vislumbradas no grande documentário de Kirby Dick de 2015, ' O Campo de Caça ', e homenageado em Lady Gaga desempenho poderoso durante a transmissão do Oscar deste ano. É hora de defendermos as vítimas de agressão e despertarmos para o que a rejeição de seu sofrimento diz sobre nós como sociedade.

Nanfu Wang não é apenas o diretor de “ Pardal Hooligan .” Ela é uma heroína da vida real que arriscou sua vida para que as atrocidades que ela capturou com suas lentes fossem vistas por uma audiência global, e o fato de ela estar presente na estreia de seu filme em Chicago é motivo de comemoração. . É milagroso que o filme dela exista e, além disso, também é um thriller de tirar o fôlego. Ye Haiyan (também conhecido como “ Pardal Hooligan ”) é um ativista chinês não muito diferente Ai Weiwei , cujo rosto alegre frequentemente aparece em fotos apoiando sua doppelgänger feminina ( Alison Klayman , diretor de “Ai Weiwei: Never Sorry”, de 2012, atua aqui como produtor executivo). A fim de aumentar a conscientização sobre a prevenção do HIV, Haiyan viveu a vida ilegal de uma profissional do sexo, distribuindo preservativos gratuitamente enquanto alegava que eram subsídios do governo. Não se pode deixar de ouvir esta confissão sem imaginar Brenda Myers-Powell, o tema de Kim Longinotto 's doc, 'Dreamcatcher', sorrindo em aprovação. É claro que o governo chinês não aprova e faz tudo ao seu alcance para obstruir seus esforços para esclarecer o que é, sem dúvida, um ato de maldade irremediável.

Funcionários da escola, incluindo um diretor, têm oferecido estudantes com idades entre 11 e 14 anos como suborno (e brinquedos sexuais humanos) para funcionários do governo. Quando as vítimas desse abuso revelam o que aconteceu com elas, são punidas por prostituição infantil, enquanto seus pais são intimidados ao silêncio. Haiyan e seu devotado grupo de companheiros de muckrakers se recusam a deixar seus clamores por justiça serem abafados, mesmo quando enfrentam avisos de despejo, violência física e prisão interminável. Wang encontra maneiras simples, mas potentes, de acentuar a tensão de vários momentos, como quando as legendas de uma conversa emocionalmente carregada se reproduzem sobre a imagem da água passando pela câmera, ou quando uma perseguição por escadas é vista em tempo real, como o gritos de ativistas capturados ecoam do chão abaixo. Há até uma reviravolta na história diretamente de um fio de mistério de Hollywood. Se ao menos fosse tudo uma fantasia.

“Quando as pessoas julgam as escolhas das mulheres, elas esquecem seus sacrifícios”, responde Haiyan no final de “Hooligan Sparrow”, enquanto reflete sobre as mulheres que foram forçadas a se casar para garantir a estabilidade financeira de sua família. A refugiada afegã Sonita Alizadeh poderia facilmente se tornar uma dessas mulheres. Embora a adolescente tenha fugido para o Irã e encontrado cuidadores temporários na Sociedade de Teerã para a Proteção do Trabalho e Crianças de Rua, sua família em casa tem outros planos para seu futuro. Para que o irmão dela consiga uma noiva, ele deve vender sua irmã em casamento. A própria mãe de Alizadeh prova não ajudar, argumentando que ela se casou da mesma maneira e, independentemente de estar ou não feliz com seu destino, era tradição. Em um emocionante ato de desafio, Alizadeh tenta realizar seu sonho de se tornar uma cantora de rap, apesar do fato de que mulheres tocando tal música são expressamente proibidas por sua cultura. O videoclipe resultante que ela cria para sua música auto-escrita, “Brides for Sale”, é uma obra-prima escaldante que me deixou completamente sem palavras. Aqui está uma jovem guerreira tão destemida e triunfante quanto Malala Yousafzai , proclamando uma mensagem de igualdade que é universal em sua relevância.

Considerando que “In Transit” foi o melhor documentário que vi em 2015, “ Sonita ” é o melhor filme que vi até agora este ano, ponto final. A diretora Rokhsareh Maghami é ela mesma uma potência feminista, e sua insistência em permanecer uma presença invisível em seu próprio filme não dura muito. Uma cena inicial de uma criança soprando bolhas na lente estabelece a noção de que a câmera – e a pessoa que a opera – também será um personagem do filme. A certa altura, Alizadeh olha para Maghami e pergunta se ela vai comprá-la, ao que a cineasta afirma que não é seu trabalho interferir e que seu objetivo final é capturar a verdade das circunstâncias de seu assunto. No entanto, à medida que as ameaças à liberdade de Alizadeh se tornam cada vez mais urgentes, até mesmo o operador de microfone de Maghami não pode mais reter suas próprias opiniões diante das câmeras, e o diretor percebe que ela deve ter um papel ativo na história que se desenrola diante de seus olhos. O ato final deste filme é tão tenso quanto qualquer filme de suspense que eu já vi, e quando chega à sua conclusão, nenhuma das pontas soltas é enrolada em um arco superficialmente agradável. Só nos resta o fato irrefutável da existência dessa jovem e como ela é representativa da realidade enfrentada por inúmeras mulheres ao redor do mundo. Não é difícil entender por que esse filme ganhou o Grande Prêmio do Júri e o Prêmio do Público na Competição Mundial de Documentários de Cinema no festival de Sundance deste ano. Só as virtudes do filme fazem de sua exibição DOC10 no Music Box o ingresso mais badalado da cidade. O fato de Maghami ser entrevistado via Skype torna isso essencial.

Para mais informações sobre o festival DOC10, incluindo horários de exibição e links de ingressos, visite seu site site oficial , assim como o Site da caixa de música .