The Player King: Richard Dreyfuss em 'Rosencrantz & Guildenstern Are Dead' 25 anos depois

Cinquenta anos atrás, um dramaturgo britânico relativamente desconhecido chamado Tom Stoppard virou o mundo teatral de cabeça para baixo com a estreia de sua peça “ Rosencrantz e Guildenstern estão mortos .” Uma comédia absurda que ocorreu principalmente à margem do drama de palco mais famoso de todos os tempos— William Shakespeare 's “Hamlet” – e que se concentrou em dois personagens extremamente menores, limitando Hamlet, Ophelia e outros a pouco mais do que breves aparições, o show foi uma meditação audaciosa sobre conceitos inebriantes como o conflito entre arte e realidade e a natureza aparentemente insignificante da humanidade em comparação com a vastidão do universo circundante. A peça de Stoppard revolucionou o que uma comédia de palco poderia fazer e se tornou um sucesso de crítica e popular. Apesar de seu sucesso inquestionável no palco, era um trabalho tão inerentemente teatral que muitos sentiram que não havia como ele ser transferido do palco para a tela e ainda manter os aspectos que o tornaram tão único em primeiro lugar. Finalmente, Tom Stoppard assumiu a responsabilidade de transformá-lo em um filme, não apenas escrevendo a adaptação do roteiro, mas também fazendo sua estréia na direção. Embora o filme resultante tenha provado ser um trabalho desigual quando foi lançado em 1991 - em grande parte devido à incapacidade de Stoppard de encontrar uma maneira de traduzir adequadamente o material em voltas totalmente cinematográficas - não foi totalmente desinteressado graças às performances habilidosas de Gary Oldman e Tim Roth (nenhum dos quais era particularmente conhecido nos EUA na época) como Rosencrantz & Guildenstern (ou é Guildenstern e Rosencrantz?) Richard Dreyfuss como o Player King, o líder de uma trupe teatral itinerante que parece ser a única pessoa que pode explicar o que está acontecendo para eles e para o público que os assiste.

Agora, para marcar o 25º aniversário do filme e o 50º aniversário da peça, “Rosencrantz & Guildenstern Are Dead” está voltando ao vídeo caseiro em 12 de janeiro com sua estreia em Blu-ray, cortesia da RLJ Entertainment. Para ajudar a promover o lançamento, o ator vencedor do Oscar Richard Dreyfuss – a estrela de clássicos como “ grafite americano ,” “ mandíbulas ' e ' Encontros imediatos de terceiro grau ” – pegou o telefone por alguns momentos para discutir suas memórias do filme e trabalhar com Stoppard, Oldman e Roth, falar sobre alguns favoritos menos conhecidos e relembrar como trabalhou com o falecido diretor de fotografia Vilmos Zsigmond .



Já se passaram 25 anos desde que a versão cinematográfica de “Rosencrantz & Guildenstern Are Dead” estreou pela primeira vez. Você acha mais fácil ou mais difícil falar sobre um filme e seu trabalho nele depois de tanto tempo?

A única vez que é realmente feito é quando uma pergunta é feita por um jornalista antiético que supostamente está lá para falar sobre qualquer que seja o seu último filme e então eles meio que deslizam 'Bem, dez anos atrás, você fez ...' Então você tem que pensar rápido e tentar lembrar o que você pensou. Eu nunca fiz um que fosse proposital e abertamente sobre meus filmes anteriores. Aqui, estou feliz em fazê-lo porque é aberta e honestamente sobre meu trabalho anterior e estou perfeitamente feliz em tentar fazer isso.

Neste filme, Tom Stoppard não apenas adaptou sua peça para a tela, mas também a dirigiu, a única vez que ele fez isso até hoje. Como foi trabalhar com ele enquanto ele revisitava um de seus grandes triunfos e embarcava em um novo tipo de empreendimento artístico?

A melhor coisa foi que quando as pessoas assistiam “Rosencrantz & Guildenstern”, elas adoravam porque era engraçado. Mas, ao mesmo tempo, havia milhares de pessoas que se perguntavam silenciosamente: “O que é essa peça?” Mereceu essa pergunta porque as respostas são realmente meio evasivas. O que ele fez no filme foi permitir que meu personagem, o Player King, fosse o guia – o personagem que poderia liderar os outros atores e o público. Ele podia sair da peça e falar com o público. Ele estava orientando os atores e o público a entender as coisas que esses atores não queriam comprar – que eles estavam em uma peça, não na vida real, e que seriam amaldiçoados por estarem nessa peça para sempre. No momento em que terminou, começou e no momento em que começou, terminou e eles ficariam nesse loop para sempre, como em “No Exit” de Sartre. Eu acho que o filme é uma peça melhor escrita do que a peça. Acho que ele responde às perguntas que surgem quando você vê essa peça – “É engraçado, mas o que está acontecendo?” – que você tem medo de perguntar em voz alta. Acho que o que Tom fez no filme foi encontrar uma maneira de responder a essas perguntas e fazê-lo sem quebrar seu senso de verdade.

Gary Oldman e Tim Roth são dois atores altamente aclamados hoje, é claro, mas quando o filme estava sendo feito, eles eram relativamente desconhecidos para a maioria do público americano. Quais são suas memórias de trabalhar com os dois?

Lembro-me de que éramos todos muito tímidos uns com os outros. Eu conhecia a reputação de Gary mais do que a de Tim e estava muito ciente de quão brilhante ele era como ator. Acho que éramos todos muito tímidos um com o outro e foi assim que aconteceu.

Você acha que o filme é diferente hoje do que em 1991, ou você acha que os principais temas e ideias permaneceram bastante consistentes ao longo dos anos?

Eu acho que ele joga melhor em um sentido em que você pode experimentar um encerramento enquanto assiste e entendê-lo melhor. Também acho que Tom como diretor, a razão pela qual ele não voltou a trabalhar como diretor - não que eu tenha algum conhecimento interno - é porque ele entendeu que não é diretor e que não tinha um senso de ritmo e timing que a peça precisava ser bem contada. Eu não senti isso enquanto filmamos, mas com o passar do tempo, eu olhei para o filme e percebi que ele é muito lento e é filmado de forma muito profissional, mas não criativa. Digo isso como alguém que sabe disso porque não sou diretor – não acho que sou diretor e não tenho as habilidades que um diretor precisa. Acho que Tom chegou a uma conclusão semelhante.

Você fez muitos filmes ao longo dos anos, alguns dos quais se tornaram clássicos e outros que caíram na obscuridade. Você tem algum favorito pessoal que pode não ser tão conhecido como “Tubarão” ou “Graffiti americano” que você gostaria de apontar para os espectadores em potencial?

Sim. Um filme que fiz, que adoro e que acho histericamente engraçado, foi ferido pela confusão ou incapacidade do diretor de saber a importância da linha dos olhos. Quando você vê o filme “Let It Ride” (1989), você está ciente de que algo está errado, embora você não consiga colocar o dedo nisso. O que acontece é que os atores não estão olhando corretamente e seus olhos não estão fixos no ator direito fora do palco. Isso ocorre porque esse diretor não insistiu na linha de visão correta e a razão pela qual as pessoas insistem nisso é porque cria uma realidade e uma verdade necessária – para cima é para cima e para baixo é para baixo. Quando você está olhando fora da câmera, você tem que estar olhando no espaço certo. Eu não acho que o diretor daquele filme entendeu isso e então você está constantemente sendo prejudicado por algo que está errado, mesmo que o filme em si, em todos os outros aspectos, seja histericamente engraçado. Eu adoraria ter feito isso com um diretor – o mesmo diretor depois de ter uma revelação ou um diretor diferente.

Um filme seu que sempre gostei e que nunca teve a atenção que merecia foi “ A grande correção .” (No filme de 1978, ele interpreta um radical formal que agora trabalha como detetive contratado por uma ex-namorada para investigar uma campanha de difamação contra o candidato político para quem ela agora trabalha.)

Eu senti que era maravilhoso e que não fez bem, eu não poderia dizer por quê. Comecei a ouvir agora, quando as pessoas falam sobre esse filme, que eles têm uma grande consideração por ele. Eles me dizem que amam o filme e eu penso “Sim, onde você estava quando precisávamos de você?” Não sei por que houve tanta diferença, mas lembro-me de um comentário que ficou comigo sobre isso, que foi um dos primeiros filmes a relembrar aquele período de nossas vidas que ninguém tinha olhado para trás - nossas memórias da Guerra do Vietnã e as guerras culturais quando nosso país se dividiu em guerra civil nos semáforos. É quando Moses Wine, esse personagem, se destaca. Ele está literalmente olhando para as filmagens e começando a chorar porque sabe que foi a melhor época de suas vidas e foi há apenas quinze anos ou menos. Eu não acho que ninguém no estúdio estava preparado para tirar vantagem disso ou mesmo entender. Acho que foi esse o motivo.

No momento em que estamos falando, já se passaram alguns dias desde a morte do grande diretor de fotografia Vilmos Zsigmond. Vendo como ele ganhou seu Oscar por filmar um de seus filmes mais famosos, “Contatos Imediatos do Terceiro Grau” (1977), eu queria saber se você tem alguma história sobre trabalhar com ele que você gostaria de compartilhar?

Eu o amava. Achei ele simplesmente ótimo. Lembro-me de que houve uma discussão que o Vilmos estava tendo com algum membro da equipe e que esquentou ao longo de algumas semanas. Foi a única vez que tive um sonho enquanto trabalhava em um filme sobre o filme em que estava trabalhando. Eu nunca tinha tido essa experiência antes e eu fui até ele em um ponto e disse a ele que ele era parte de um primeiro – que ele era parte de um sonho sobre meu trabalho atual. Ele era alguém por quem eu tinha muito carinho. Uma vez, ele estava filmando um comercial perto de onde eu estava filmando “Max Bickford” em Nova York e costumávamos almoçar juntos. Nós saíamos e ele me mostrava seu set – esse set luxuoso que ele estava usando para filmar esse produto incrivelmente mundano. Essa é a maneira que todos os diretores de fotografia realmente ganham a vida entre os filmes, você sabe. Vilmos era um cara que adorava fazer filmes. Ele adorava atirar e era ótimo.