TIFF 2017: 'I Love You, Daddy', 'Hostiles', 'Professor Marston and the Wonder Women', 'Plonger'

Vamos esclarecer algumas coisas com relação ao novo recurso de Louis C.K. 'Amo você, papai' : Fotografado pelo colaborador de longa data Paul Koestner em filme em preto e branco, “I Love You, Daddy” é uma alusão/resposta formal a Woody Allen de “ Manhattan ” e em menor medida “ Crimes e Contravenções .” Centra-se em um criador de TV de sucesso (interpretado por C.K.) que luta quando sua filha de 17 anos ( Chloë Grace Moretz ) começa a ver seu ídolo de 68 anos ( John Malkovich ), um aclamado roteirista/diretor que tem predileção por meninas e foi acusado de abuso sexual. O personagem de Malkovich é projetado para lembrar Allen especificamente, ou pelo menos é uma composição de outros homens de sucesso com, digamos, vidas pessoais controversas. A narrativa do filme é ainda mais problematizada pelos rumores da própria impropriedade sexual de C.K. .

Se isso lhe parece um assunto de má reputação a priori para um filme, não tenho certeza se tenho um grande argumento contra isso. Vale a pena, C.K. não trata o assunto com ligeireza. Ele não postula respostas fáceis ou superficiais para as principais questões do filme e suas questões centrais nunca são resolvidas. Eles são apenas mais complicados e debatidos de novo e de novo. Basta dizer que “I Love You, Daddy” é, por definição, um filme profundamente desconfortável. Durante a exibição do TIFF que participei, houve momentos em que você podia sentir o ar ser sugado para fora da sala e ouvir o assento real se contorcendo. A quilometragem inevitavelmente variará se esse desconforto for justificado pela qualidade do filme, e se esta seção do despacho for insosso, é porque ainda estou lidando com essa questão também.



Toda a carreira de C.K. foi baseada em uma abordagem um tanto conflituosa; seu stand-up e seus programas de TV frequentemente enquadram questões igualmente desafiadoras em uma luz cômica e, em seguida, examinam suas várias facetas. Embora a premissa de “I Love You, Daddy” seja inegavelmente e apropriadamente lida como uma provocação, ela tenta transmitir duas ideias simples e não provocativas: 1) conversas “difíceis” imediatamente se tornam menos difíceis quando não são mais uma abstração; e 2) ninguém jamais saberá toda a verdade sobre ninguém, então tudo o que nos resta são suposições e informações limitadas. No filme, o personagem de C.K., Glen Topher, e sua filha, China, avistam Lesley Graham de Malkovich em uma festa chamativa nos Hamptons. China imediatamente repele e o chama de molestador de crianças, mas Topher a castiga, dizendo que esses são apenas rumores e que ela realmente não o conhece. No entanto, Topher rapidamente fica horrorizado quando China e Graham começam a sair e toda a conversa sobre “rumores” vai direto pela janela. Nem Topher nem a China sabem toda a verdade sobre Graham e, no entanto, quando as apostas pessoais contextualizam a situação imediata, a verdade se torna irrelevante para ambos.

“I Love You, Daddy” implícita e explicitamente faz uma variedade de perguntas que quase exigem uma resposta conflitante de seu público. Uma pessoa deixa de ser “menor” psicologicamente quando completa 18 anos? Um pai tem o direito de exigir algo de sua filha se ele realmente não a criou? Você ainda tem poder quando se submete voluntariamente à manipulação? Os privilégios, tanto raciais quanto econômicos, permitem que as pessoas intelectualizem ostensivamente questões morais comuns? Dado que você não pode realmente conhecer ninguém, vale a pena tentar? E assim por diante. Mais uma vez, o filme não responde a nenhuma dessas perguntas. Em vez disso, simplesmente vadeia em sua escuridão e permite que o público faça o trabalho pesado.

Deve-se dizer que “I Love You, Daddy” sofre de falhas que nada têm a ver com o assunto. Por um lado, o estilo digressivo de C.K. não funciona bem com este filme e, com duas horas de duração, frequentemente se arrasta. Pode-se argumentar que a bela fotografia de Koestner e Robert Miller e a exuberante partitura clássica de Zachary Seman nunca transcende sua homenagem. Embora tenha um grande elenco de apoio que inclui Edie Falco , Rose Byrne , e Helen Hunt , algumas das performances não são exatamente boas, especialmente Dia de Charlie 's, cujas cenas são muito amplas e frequentemente sem graça (embora, para seu crédito, ele tenha de longe a linha e a leitura de linha mais engraçadas do filme). este engraçado, mas não está claro se isso está de acordo com o enquadramento formal ou não.

Enquanto “I Love You, Daddy” não é nada comparado a “Louie” e “Horace and Pete”, de C.K., dois dos melhores programas de TV da última década, é o único filme que não sai da minha mente desde que saiu do teatro. Ele não perturba ou descansa de forma errônea sobre seus louros incendiários, mas pede mais de seu público do que o habitual, e isso pelo menos vale a pena considerar.

Scott Cooper o último filme de 'hostil,' um faroeste que funciona como um exercício elaborado de aliança, segue o capitão Joseph J. Blocker ( Christian Bale ), um soldado implacável que lutou impiedosamente contra os nativos americanos em muitos conflitos, enquanto ele é encarregado de entregar o chefe Cheyenne, Yellow Hawk, que está morrendo. Wes Studi ) para sua terra natal em Montana. Ao longo do caminho, ele encontra Rosalie Quaid ( Rosamund Pike ), uma mulher que presenciou o assassinato de seu marido, dois filhos e bebê nas mãos dos nativos, e a leva junto com seu destacamento. A caminho de Montana, Blocker, Rosalie e o resto de sua companhia (alguns dos quais são interpretados por Jesse Plemons , Timothée Chalamet , recém-chegado Jonathan Majors, e um totalmente irreconhecível Rory Cochrane ) confrontam os pecados de seu passado militar e aprendem a entender a situação dos nativos americanos, enquanto sofrem pesadas baixas nas mãos de homens brancos e não brancos.

Embora apresente algumas fotos poéticas de paisagens, cortesia de Masanobu Takayanagi , “Hostiles” sofre de um tom excessivamente severo e uma sensação projetada de Importância com I maiúsculo que afunda o filme pela metade. Embora todas as performances sejam convincentes no nível básico, elas estão enraizadas em uma seriedade superficial que não pode deixar de ser lida como tensa. Max Richter A pontuação melosa de apenas ressalta esse fato, assim como a direção de Cooper que repetidamente destaca a dor interna e externa como um atalho para o drama. “Hostiles” transmite todas as emoções em letras maiúsculas, nunca permitindo que o público chegue a nenhuma de suas conclusões óbvias por conta própria.

Além disso, “Hostiles” fica aquém de suas elevadas ambições políticas. Para crédito do filme, o roteiro de Cooper genuinamente lida com as atrocidades que o governo dos Estados Unidos cometeu contra o povo nativo, embora de maneira desajeitada e séria. Ele coloca todos os pontos de discussão certos na boca de seus personagens, alguns dos quais têm arcos que os levam da brutalidade a um lugar de compreensão. Também vale a pena notar que antes de sua estréia no TIFF, Cooper convidou um chefe Cheyenne ao palco para abençoar o teatro, e a esposa do chefe fez um discurso emocionado endossando o filme. No entanto, é difícil ignorar o fato de que os personagens brancos ainda permanecem no centro do filme. Yellow Hawk e sua família jogam um bom segundo violino para Blocker e Quaid, constantemente encorajando e pregando tolerância, e isso é um pouco preocupante considerando que o filme explicitamente trafega em questões de expiação e perdão em relação ao ur-genocídio americano. Esta é a troca óbvia quando você está lidando com estrelas de Hollywood e produções de orçamento médio, mas mesmo assim, quando você está fazendo um filme cerca de Sofrimento nativo e potencial reconciliação com seus opressores brancos, não é exatamente um elemento fácil de ignorar.

Ângela Robinson o antisséptico “Professor Marston e as Mulheres Maravilhas” inicialmente funciona como uma reviravolta na fórmula biopic tradicional, ou seja, ignorando a criação de quadrinhos de Marston quase inteiramente para se concentrar em sua vida pessoal não tradicional, mas rapidamente sucumbe tanto aos clichês de drama romântico quanto aos clichês biográficos padrão de pintura por números. Marston (interpretado por Lucas Evans ) de fato levou uma vida interessante além de seu trabalho, como ele e sua esposa Elizabeth ( Rebeca Hall , previsivelmente excelente) embarcou em um relacionamento poliamoroso com Olive Byrne ( Bella Heathcote ). Sua vida sexual excêntrica (em relação às normas do início dos 20 º século, é claro), envolvendo bondage play e BDSM, inspirou a super-heroína e seus poderes, o que inevitavelmente levou a controvérsia e indignação de grupos de decência, bem como das massas. Como o filme sublinha repetidamente, a sociedade simplesmente não estava pronta para o simbolismo da Mulher Maravilha nem para o estilo de vida sexual positivo de Marston com Elizabeth e Olive.

De fato, a abordagem imparcial de Robinson ao relacionamento de Marston diferencia o filme, e as cenas de sexo levemente picantes são filmadas com desejo e cuidado consumados, mas, apesar da excitação superficial, literalmente tudo sobre “Professor Marston e as Mulheres Maravilhas” parece previsível e sério. . A narrativa da história de vida de ascensão, queda e ascensão, a ridícula história de enquadramento que permite que Marston, como Dewey Cox, pense em toda a sua vida, os vilões caricaturados, a política de identidade compactada, o melodrama nós contra eles (Bella Heathcote honestamente pode estar chorando em 95% de suas cenas), tudo isso já foi feito antes. Robinson tenta ao máximo apimentar um chapéu velho, mas no final do dia, ainda é o mesmo maldito chapéu que existe há anos.

Eu vi Melanie Laurent de 'Mergulhar' com a força de seu recurso narrativo anterior “Respire” (lançado como “Breathe” nos Estados Unidos), e embora não corresponda a um nível de qualidade, mostra o talento genuíno de Laurent como estilista. O filme segue Paz Aguilera, uma fotógrafa alienada e existencialmente à deriva ( Maria Valverde ), que luta pela vida doméstica com o marido César ( Gilles Lellouche ) e seu recém-nascido, acabando por abandoná-los para mergulhar em alto mar na costa do Iêmen. A primeira metade do filme funciona como uma tela convincente para o cinema inquieto e elíptico de Laurent, capturando o estado interno de Paz, que oscila entre a alegria e a angústia total. Por outro lado, a segunda metade se transforma em um modo muito mais programático, completo com uma metáfora trabalhada e amarração narrativa que o filme nunca tentou tentar. No entanto, “Plonger” confirma que o status de Laurent como uma cineasta atraente, mesmo que não seja, não corresponde ao seu trabalho anterior.