Um padrão distinto: o lendário figurinista Sandy Powell em 'Wonderstruck'

Lindo, nostálgico e maravilhoso, Todd Haynes ’ “Wonderstruck” lança um feitiço mágico através de um conto melancólico que cruza duas histórias paralelas ambientadas em duas eras separadas. Adaptado por Brian Selznick do seu próprio livro ilustrado (o autor, cujo A Invenção de Hugo Cabret foi o material de origem para Martin Scorsese de “ Hugo ”), “Wonderstruck” dá vida de forma impressionante a dois capítulos da história da cidade de Nova York ao seguir as jornadas análogas (e, finalmente, interconectadas) de duas crianças não ouvintes. Em um, que recebe um tratamento sonhador e lindo de filme mudo, acompanhamos Rose (a surpreendente recém-chegada Millicent Simmonds , um ator não-ouvinte da vida real) na década de 1920, quando ela embarca em uma busca para encontrar sua mãe atriz Lillian Mayhew ( Julianne Moore ). Na outra, Ben ( Oakes Fegley ) e Jamie ( Jaden Michael ) nos levam às ruas sombrias da cidade nos anos 1970 com uma aventura e missão familiar própria.

A partir de Carter Burwell a pontuação requintada de Ed Lachman A fotografia impressionante de Haynes, este projeto extremamente ambicioso - talvez o maior filme da carreira de Haynes de uma perspectiva de escala e escopo - é um espetáculo de artesanato do mais alto nível. Sem surpresa, seus figurinos - desenhados pelo inimitável e lendário Sandy Powell – desempenham uma das partes mais cruciais ao contar visualmente os dois contos inter-relacionados ao apresentar duas eras opostas da Big Apple através de detalhes sublimes de primeiro plano e (especialmente) figurinos de fundo. Recentemente se juntou a mim no telefone, o figurinista 12 vezes indicado ao Oscar e três vezes vencedor (com vitórias anteriores por ' Shakespeare apaixonado ,' 'O Aviador' e ' A jovem Vitória ,' enquanto 'Wonderstruck' pode muito bem ser seu quarto Oscar) compartilhou sua abordagem a esse monstro de um projeto que ela vê com razão como vestir dois filmes separados e os desafios únicos de se fantasiar em preto e branco.

Você é produtor executivo de “Wonderstruck”, além de figurinista. Todd Haynes frequentemente menciona que você chamou a atenção do livro de Brian Selznick pela primeira vez.



Conheci Brian durante a produção de 'Hugo', que é o filme de Martin Scorsese para o qual desenhei os figurinos. Foi [também] baseado no livro de Brian, embora ele não tenha escrito o roteiro. Mas nos conhecemos e nos tornamos amigos. E então eu realmente não li 'Wonderstruck', que foi o livro depois de 'Hugo', até visitá-lo em sua casa em San Diego em La Jolla. Eu apenas um dia peguei-o na prateleira e li de uma só vez, e disse: 'Brian, isso daria um ótimo filme!'

Eu acho que o que eu pensei que daria um grande filme é (como sempre com os livros de Brian): seus livros são 50% de ilustração. Ele conta a história sem palavras com ilustrações. Ou é meio que misturado com narrativa, como em 'Hugo', ou metade é diálogo e metade são imagens, que é como [“Wonderstruck”] é. Começou com uma experiência muito visual de ler uma história. E eu apenas pensei que visualmente seria muito interessante. E o fato de realmente cobrir os dois períodos, eu pensei, seria um conceito muito interessante para um filme, especialmente para crianças.

Como você abordou essa tarefa gigantesca de cobrir dois períodos completamente diferentes do ponto de vista do figurino? Não apenas são dois períodos diferentes, mas também são períodos polares opostos. O clima nos anos 20 não é nada como os anos 70.

Exatamente.

Foi como desenhar o figurino de dois filmes separados?

Era. Acho que foi exatamente assim. É como fazer dois projetos separados em um. Quer dizer, você tem que pensar diferente para cada um. Embora o processo de design seja o mesmo. A maneira como você cria os figurinos e cria os looks é pensada da mesma maneira. Mas você teve que dividir a si mesmo e sua equipe quase em dois grupos diferentes. Um que trata da década de 1920 ou certos dias da semana que tratam da década de 1920, e certos dias da semana que tratam da década de 1970. Obviamente, houve ocasiões em que você teve que tentar fazer as duas coisas no mesmo dia e levar a cabeça dos anos 20 para os anos 70 e depois voltar. Era exatamente assim. E, curiosamente, estou trabalhando em um filme agora [O Irlandês, de Martin Scorsese] em Nova York, que cobre três períodos diferentes.

Uau.

E isso dá ainda mais trabalho. Nossa maior cena de multidão é de 300 pessoas, e você só teria essas 300 pessoas para se vestir e se movimentar em diferentes cenas. Mas como existem dois períodos diferentes, você tem 300 pessoas nos anos 70 e 300 pessoas nos anos 20. Então, na verdade, é o dobro de trabalho no mesmo período de tempo e pela mesma quantia de dinheiro que você normalmente conseguiria fazer um filme com um período. Então isso foi desafiador.

E também há uma terceira e quarta dimensão em “Wonderstruck”, além dos dois períodos de tempo, quando você pensa em vestir Lillian Mayhew (Julianne Moore) enquanto ela está atuando no palco e na tela. Além disso, há também a cena de flashback com os bonecos.

Isso é verdade. Na verdade, cobrimos a vida real nas décadas de 1920 e 1970. E então figurinos teatrais tanto para o figurino de palco quanto para quando ela estiver no filme mudo. E depois há a seção animada no final. Não envolvia figurino, mas eu estava envolvido em trabalhar com os fabricantes de modelos para sugerir o que os pequenos modelos dos personagens usavam. Existem muitos elementos.

Esta é a primeira vez que você faz algo em preto e branco. Quando você tira a cor, você meio que remove uma camada visual inteira de seus designs. Então, gostaria de saber se o segmento dos anos 20 foi um desafio único para você nesse sentido.

Foi e é interessante. Você está absolutamente certo, estava tirando alguma coisa. E, [cor é] geralmente o elemento com o qual começo. Foi como voltar e começar de novo e aprender um processo sem um elemento-chave ali. Normalmente, tenho uma ideia da cor do que alguém está vestindo antes de saber os detalhes. Eu penso muito em cores. Para a seção de 1920 sem cor, [não era como] não havia cor [per se], mas havia vários tons e monocromático . Então eu tive que pensar em termos de tom e contraste ao invés de cor. Eu normalmente colocaria algo em conjunto em como funciona em termos de forma e também em como as cores funcionam juntas. E como eles trabalham juntos para criar um todo.

Eu começaria fazendo o que normalmente faria. Eu colocaria figurinos em [Millicent Simmonds], que interpreta a jovem Rose, baseado em como eu gostaria de vê-los. E então olhamos através de uma câmera, com um filtro preto e branco ou tiramos fotos em preto e branco. E muitas vezes o que parece ótimo aos olhos, parece realmente sem graça em preto e branco. Foi quando eu tive que aprender um processo totalmente diferente de juntar coisas que realmente funcionavam em preto e branco. Que muitas vezes eram cores que eu nunca usaria juntas.

O que é bem interessante. Por um lado, tornou algumas coisas muito mais simples. Por exemplo, quando estávamos vestindo grandes cenas de figurantes, eu não precisava me preocupar com 'não tenho um chapéu que combine com esse casaco'. Porque através de uma lente preto e branco, funciona. Mas às vezes eu achava difícil olhar para as coisas no set e pensar 'Parece muito estranho aos meus olhos, mas vai ficar bem na câmera'. Foi um processo de fotos mesmo quando eu estava procurando tecidos para fazer fantasias. Eu fotografava primeiro: fotografava esse tecido contra o tecido do vestido contra o tecido do casaco contra o tecido da saia ou contra a textura da calça. Eu os fotografava juntos antes de tomar uma decisão.

Você se referiu à era do cinema mudo, assistindo a filmes desse período?

Sim definitivamente. Na verdade, sempre vejo filmes de um período [quando estou pesquisando]. E especialmente porque este foi inspirado em filmes mudos. Mas, há muito que você pode tirar disso. Você vê como eles se parecem e onde está o contraste, e então Ed Lachman, nosso diretor de fotografia, na verdade disse que para ele, seria muito mais interessante ter os materiais mais texturizados e as quantidades mais extremas de contraste. Ele disse que, para ele, isso tornaria tudo mais interessante.

No segmento dos anos 70, parece haver uma paleta de cores específica. Claro, existem vermelhos e outras cores, mas senti que eram tons mais terrosos como laranjas, marrons e amarelos...

Acho que muito disso tinha a ver com a forma como o filme foi tratado e o que Ed estava tentando alcançar com o visual do filme. Porque [a seção dos anos 20] do filme se parece com filmes em preto e branco. E a [seção dos anos 70] se parece com filmes que são realmente feitos nos anos 70, onde o estoque de filmes era diferente de como é agora. E essa era a ideia. Tem uma sensação bem amarelada e alaranjada.

Mas, tendo dito isso, muitas das cores nos anos 70 eram [de fato] marrons e laranjas. Porque estávamos usando roupas originais da época, é isso que você tem. Você conseguiu o que estava na moda na época, que era uma enorme quantidade de marrons e laranjas. Mas, havia roxos e rosas, e havia todas as cores do espectro ali. Mas como foi tratado nas filmagens é como você obtém esse sentimento geral. Realmente se parece com os filmes que me lembro de ter visto nos anos 70, ou quando analisamos as coisas novamente para pesquisas daquela época. Esse realmente era o propósito e acho que você notou que funcionou.

Ele realmente fez! E o fundo conta a história da cidade naquela época. É por volta do período “Drop Dead” da cidade de Nova York. Mas então todo mundo parece legal e desafiador, e até mesmo rebelde de certa forma. Há muitas cinturas expostas nas roupas que você vê nas ruas.

Aquelas cenas de rua nos anos 70 foram provavelmente minhas partes favoritas do filme. Porque o que tentamos fazer com os extras nas décadas de 1920 e 1970 foi realmente criar o mundo, o novo mundo para o qual essas crianças estavam chegando de áreas muito mais silenciosas. Ambos atingiram a cidade de Nova York. E embora seja em décadas diferentes, é o mesmo efeito porque eles são bombardeados com esse tipo de multidão. E para os anos 70 em particular. 1977 foi uma época em que Nova York era um lugar muito perigoso e sujo para se viver. Houve greves de saneamento e coisas assim. Era sujo e baixo, havia desemprego. Havia muita confusão em todos os lugares. E a área em que ele entra em Port Authority é uma área muito mista. São pessoas indo para o trabalho, voltando do trabalho para casa, mas muita gente desempregada, muita gente pobre também.

O que queríamos fazer era realmente criar uma grande e ampla parte da sociedade. Nova York está cheia de personagens diferentes, raças diferentes. Pessoas que ele nunca teria visto antes. O que é muito divertido de fazer e realmente desafiador de fazer quando você está montando extras. Não se trata apenas de colocar roupas nas pessoas, [mas também] encontrar as pessoas certas que parecem ser dos anos 70 para vestir as roupas e depois criar os personagens ao seu redor. Você tem alguém para uma prova e você olha para eles e diz: 'Ok, o que podemos fazer com essa pessoa? O que essa pessoa estaria vestindo? Para onde essa pessoa estaria indo?'

Fizemos o mesmo na década de 1920, mas foi diferente porque na década de 1920, Rose desce da balsa para o Distrito Financeiro. E isso é em um momento em que estava em alta, quando era próspero e próspero e indo bem. A multidão lá era muito diferente. São pessoas ocupadas, a caminho do trabalho, e havia muito mais riqueza. E não era uma mistura tão grande ou uma seção transversal ampla.

Achei que havia uma clara distinção entre como você vestia o nova-iorquino Jamie [Jaden Michael] e o suburbano Ben [Oakes Fegley] no segmento dos anos 70.

Você está absolutamente correto. Este é um bom ponto. A camiseta listrada e o jeans de Jamie eram muito mais urbanos. E os outros garotos estavam, é claro, de camisa xadrez [e calça cáqui], o que é muito mais genérico.

Michelle Williams veste uma túnica fabulosa em casa no início do filme. É uma bela peça de roupa que me fez suspirar nas duas vezes que vi 'Wonderstruck'. E para a história em si, é muito específico momento do traje .

Há uma história por trás [daquele manto]. Na história, não menciona realmente que ela está vestindo algo em particular. Mas, então, quando [Ben] encontra seu primo em sua própria casa, em sua antiga casa, e o roteiro diz que ele olha pela porta e vê sua mãe. E acontece que é seu primo vestindo as roupas de sua mãe. Ela então rapidamente o tira e foge. E na verdade não dizia qual era a roupa quando foi escrita para o roteiro. Acho que pode ter sido um xale, e eu disse: 'Um xale é um pouco estranho.' Tinha que ser uma peça de roupa que fosse completamente distinta que ele reconheceria e o público reconheceria instantaneamente como o que foi visto na mãe. Mas, também teve que sair muito rapidamente. E eu pensei: 'Bem, o que alguém vai usar no meio do verão que eles podem decolar muito rapidamente?'

Quero dizer, é apenas o que realmente é, um roupão. Faz parte de um conjunto de pijama dos anos 1930 ou 20. E na década de 1970, lembro disso porque eu era adolescente na década de 1970, havia uma popularidade real com roupas vintage, especialmente dos anos 20 e 30. E quando adolescente, eu andava por aí usando vestidos de chá dos anos 30 durante o dia. Então, é algo que uma mulher jovem e boêmia teria comprado em um brechó. Uma peça de roupa fabulosa que não lhe custaria nada em um brechó. Ela o vestiu e era sua coisa favorita. Mas tinha um padrão realmente distinto para que realmente contasse a história.

Desde Cannes, procuro online algo semelhante. Eu falhei.

[risos] Você tem que procurar pijamas art déco dos anos 1920 e 1930, ou não vai encontrar.

O outro filme seu este ano que vi em Cannes, 'Como Falar com Garotas em Festas', estou hipnotizado pelo olhar que você encontrou para Nicole Kidman . Tem essa atitude punk distinta dos anos 70, mas também, e talvez essa não seja a palavra certa, parecia meio futurista para mim.

Eu realmente não pensava nela como futurista ou ligada aos alienígenas. Claro, com personagens alienígenas, eu estava pensando no que as pessoas no futuro farão. Ou o que os alienígenas fariam quando vierem à Terra? Eles tentam copiar o que as pessoas na terra estão vestindo. Isso é o que os alienígenas eram. E para Nicole Kidman, eu tinha um visual punk, considerando que ela era uma designer de moda. E ela tinha que ter seu próprio visual único como designer de moda. Então, estava realmente apenas inventando alguma coisa. Tudo o que ela usa é feito de coisas vintage e coisas que soam como as correntes de um velho paletó de smoking. É mais ou menos como a roupa, como a roupa punk, realmente começou, fazendo uso do que estava ao redor. Eu só estava tentando pensar, Se eu fosse um designer de moda nos anos 70 e tentasse criar um visual diferente, qual seria?